Controle Remoto - críticas de cinema

2008-12-03T10:00:00.007-03:00

"Feliz Natal" de Selton Mello

cotação: 3 estrelas

Existe um deslocamento latente quando chegamos nessa época de fim de ano. As festas, os olhares e o clima nostalgico nos corroem apesar da aparente intensão de esquecimento do passado e dos fatores que nos formaram perante seus amigos e família. Todos se reunem e nos desejam "feliz natal", o sobrinho chato, a tia bêbada, o tio "aproveitador e conquistador", o marido capacho da esposa e o tio deslocado de tudo aquilo. Feliz Natal, longa de estréia do ex-ator Selton Mello é sobre isso, relações pessoais e familiares e suas consequências filtradas por aparências.

Calcado em Lucrecia Martel e John Cassavetes, Selton Mello consegue uma estréia regular, com momentos incríveis de aprofundamento psicológico de seus personagens, e outros momentos visíveis de repetição de linguagem que acabam por irritar sua platéia, comum em filmes de estreiantes. O êxito de Selton em sua obra é de conseguir retirar a densidade exata de seus atores, todos tem seu momento de brilhantismo, como Darlene Glória como o ponto mais vísivel da disfuncionalidade da família com sua vó/mãe/tia/sogra inteiramente acabada e entregue a seus vicios e seu passado, e Lucio Mauro desconstruindo seu personagem típico de humor.

A fotografia de Lula Carvalho consegue com êxito exprimir sua necessidade densa e climática em todos os momentos do filme, mas se torna falha quando repete enquadramentos do perfil do personagem vivido por Leonardo Medeiros em quase todos os seus momentos. Mas é uma fotografia agil, que indica a solidão e sofrimento dos personagens ali mostrado, com hiper-closes e seu alto-contraste.

Fica claro que Selton Mello expõe sua obra com sinceridade e conhecimento, mas existem ainda falhas comuns a diretores que estão começando sua carreira. No caso de Selton esses erros não atrapalham inteiramente o andamento do filme e ele consegue nos deixar interessado pela sua história, apesar das poucas respostas e resoluções apresentadas. É de se esperar novos filmes desse ex-ator e agora realizador e contador de histórias.

2008-10-20T12:52:00.010-03:00

UM DIA NA MOSTRA...

Nunca tinha ido na mostra. E por causa disso sempre fui execrado. Como imaginava, o evento é carregado de posers e chatões, que se acham melhores que os outros só porque vêem filmes alternativos. (Um exemplo forte, foi um cara que se recusou a ir uma poltrona para o lado para que um casal se sentasse junto, sendo que ele não se prejudicaria em nada - e pra variar, ele tava falando de Bergman com a mulher - o típico paulistano babaca metido a besta mauricinho criado a leite com pêra). Mas, enfim, claro que a mostra é um sucesso não pelo seu tipo de público, mas sim pelos filmes que exibe. Sexta-feira fui conferir dois - seguem as resenhas:

APENAS O FIM - de Matheus Souza - ****
Estava deveras ansioso para conferir o longa produzido inteiramente por estudantes da PUC-RIO, escrito e dirigido por um cara de 20 anos, e já esperava a sensação de inveja/satisfação/encorajamento ao ver o filme, que superou as espectativas - “Apenas o fim” é ótimo. A gama de referências e boas piadas que o Matheu Souza conseguiu juntar num roteiro (muito bem amarrado) é acachapante. Representa forte uma geração e em certos momentos comove. Dífícil não se identificar com algo ali se tendo entre 15 e 25 anos. E a cena da sacada é uma das melhores do cinema nacional recente. Palmas também para os ótimos planos sequências em steadycam que dão um banho em muito filme caro já feito com a mesma técnica.

PROCEDIMENTO OPERACIONAL PADRÃO - de Errol Morris - ***
Bem bom também é o documentário “Procedimento Operacional Padrão”, das torturas na guerra do Iraque. Um tanto mea-culpa demais, porém bom pra americano se auto penitenciar. Para nós, que pouco temos a ver com aquela realidade, basta acompanhar um instigante registro de entrevistas, fotos chocantes e uma reconstituição bárbara em slowmotion, além de uma fotografia arrebatadora em cinemascope. Há também a trilha assinada por Danny Elfman, aqui estridente, que deve agradar os menos exigentes.

Respeitosamente,
Graziano.

2008-10-17T20:53:00.000-03:00

2008-09-17T15:47:00.009-03:00

Cinema Brasileiro em Boas Mãos! (mas nem sempre...)

Hoje fui ver “Ensaio Sobre a Cegueira”. Bem descrente, diga-se de passagem. A recepção fria em Cannes e algumas críticas gringas negativas acabaram me influenciando e me convencendo, antes mesmo de ver o filme, de que Meirelles tinha errado o ponto e que o filme não passava de uma ambição barata de um cineasta querendo se auto-promover grande.

Falam muita merda na imprensa. Tanto lá fora quanto aqui. Desta vez não foi diferente. O filme de Meirelles é excepcional. É um vigoroso retrato apocalíptico, com requintes de um diretor detalhista e convicto, e que demonstra cada vez mais fazer não um cinema de autor fechado, mas com pequenas características próprias, que as carrega a cada filme. Tinha gente que falava; “Há, se o Saramago gostou, e muito, é impossível o filme ser ruim!”. Dito e feito. Quem somos nós, críticos babacas e blogueiros punheteiros, pra falar que o filme não é denso, que a carga dramática do livro não foi bem adaptada, que o roteiro tem furos, e o “caralho à quatro”, se o autor da obra “pagou um pau” pra fita. Achar que ele deveria ter tomado outros rumos da trama é normal. Assim como é discutível a narração em off feita pelo personagem de Danny Glover (que nas versões antigas de corte, segundo Meirelles, mergulhavam o tempo todo na história) e também sua relação íntima repentina com a personagem de Alice Braga, um tanto brusca, e também a entrega do diretor ao esquema de estúdio/público, amenizando a brutalidade da cena de estupro coletivo (que ainda assim, ficou bem tensa) para impedir que velhinhas fizessem passeatas na rua contra seu filme. Enfim, tudo é escolha. E Meirelles tem tino pra elas. Prefiro ficar com as dele.

Me deixa contente ver o cinema nacional, mesmo que como co-produtor, acertando a mão em filmes grandiosos, sobretudo de gênero. Destaque também para a ótima fotografia – e não digo na estética do filme, como alguns pedantes elogiam: “há, adorei a fotografia, estilosa e tal”. Aquele esbranquiçado e dessaturado, por vezes puxado pro cyano, é pós-produção pura. A questão da foto em destaque aqui é que em muitos takes, usaram-se duas câmeras – marca já registrada de Meirelles – e muito bem usadas, por sinal – Charlone é mestre. Sem falar no DESLUMBRANTE trabalho cênico que fizeram com São Paulo, deixando lugares chaves da cidade, como o Anhangabaú e o Minhocão, irreconhecíveis e impecavelmente inseridos no clima da história. É de arrepiar algumas das seqüências em que vemos a cidade deserta e carregada de lixo, e podemos esperar (tomara) um dos making-ofs mais valiosos dos últimos anos.

Semana passada fui ver “Linha de Passe”, do Walter Salles. Ele, que junto com Meireles formam a dupla de novos cineastas brasileiros mais conhecidos e prestigiados do mundo, também acertou bonito na nova fita. Muito mais simplista e humilhe que “Ensaio”, o filme de Salles é um sensível e competente retrato de uma família trivial paulistana. Eu tenho bastante implicância com diretores de família rica, que crescem fora do país e voltam pra cá querendo pagar de filantrópicos com uma câmera na mão, abordando temáticas sobre pobreza e miséria, sendo que eles nunca sequer sentiram na pele esta condição. Não é o caso de Salles. Assim como “Central do Brasil”, pouco importa explorar de fato a condição social dos personagens. Ela é apenas o pano de fundo para histórias altamente humanas e críveis, ora comoventes, ora divertidas, transformando o filme em uma cativante trama universal. Walter Salles é dos cineastas brasileiros, o que mais se enquadra com o recente cinema argentino. E isso é um baita elogio.

Já os parênteses do título, vêem para estragar uma semana e tanto para nossa cinematografia, em função da indicação de “Última Parada 174” para representar o Brasil no Oscar. Vi este filme em cabine, à cerca de seis meses, num corte inicial de 140 minutos e sem ter sua pós-produção de imagem e som concluída. Minha impressão foi sucinta: tem grandes chances de ser um dos mais equivocados títulos da retomada, devido à total falta de respeito e convicção que senti na mão de Bruno Barreto na direção. Na época escrevi um texto, bem revoltado por sinal, sobre a fita (http://controle--remoto.blogspot.com/2007/12/174-primeira-verso-bra-2007-140-min.html). É certo que eles mudaram muita coisa daquela versão, e pelo jeito ele vem agradando parte da cúpula do audiovisual. Na sessão teste em que fui, metade do público adorou, aplaudiu e tal, um quarto desdenhou e o outro quarto, onde me enquadrei, quase vomitou quando chegaram os créditos, graças a mediocridade do roteiro, esquemático e de mau gosto, à algumas atuações fraquíssimas, à fotografia indecisa, à trilha sonora inoportuna e à outros aspectos, que acredito, somados, impossibilitava ao filme de se salvar numa nova edição.

Não gosto do estilo que a família Barreto faz cinema. Nos últimos anos, eles foram responsáveis por alguns dos piores títulos lançados por aqui, e ainda por cima, não conseguiram os sucessos de bilheteria que tanto almejam. Eu torço muito pro cinema de gênero nacional, com comédias românticas, terror, suspense, policial, romances e etc. invadindo as telonas do país e arrebatando o público com histórias onde elas se identifiquem se divirtam, se emocionem, sintam medo, sei lá, mas que seja filmado por aqui. Torço pro cinema brasileiro um dia se tornar popular, mas não as películas baratas que a família Barreto vem nos proporcionando.

Cotação dos filmes citados:

Ensaio Sobre a Cegueira - ****

Linha de Passe - ****

Última Parada 174 (primeira versão) - #

Respeitosamente,

Graziano.

2008-09-15T10:05:00.003-03:00

Ensaio sobre a Cegueira
(Blindness) - 2008 - Canadá/Brasil/Japão
Dir: Fernando Meirelles
Cotação: ****

"Ensaio sobre a cegueira" é uma das maiores obras literárias já escritas, e poucos colocariam isso em dúvida. O seu ator, José Saramago, já havia vendido os direitos de adaptação ao cinema em 1999, mas desde então o projeto estava engavetado. Os produtores hesitavam em produzir o filme, que seria, sem nenhuma dúvida, muito pesado e exigiria um diretor que soubesse aliar o talento ao bom senso, para evitar choques no público. Isso porque o tema principal de "Ensaio sobre a cegueira" não é a perda da visão, mas sim a perda da humanidade. Gradualmente, os humanos do filme vão se tornando animais guiados apenas pelo instinto de sobrevivência.

O nome escolhido para a direção de um projeto tão audacioso foi o de Fernando Meirelles. O diretor tem uma obra ainda pequena, mas já é um dos mais conceituados nomes do novo cinema; sua narrativa ágil e de apuro estético é herdada da publicidade, e impressionou o mundo em "Cidade de Deus", que consta em quase qualquer lista dos melhores filmes da história do cinema mundial. Meirelles sabia que seu trabalho não seria fácil; e não foi. Em um blog (blogdeblindness.blogspot.com), o diretor contava detalhes e inquietações dos bastidores. Após muitos cortes, o diretor concluiu o filme. Ao exibi-lo nos chamados "screening tests", boa parte da platéia deixava a sala antes do término da película, chocados com a extrema violência e degradação humana. Meirelles achou melhor suavizar o conteúdo.

A grande surpresa foi o convite para abrir o Festival de Cannes. Meirelles ainda corria atrás dos últimos detalhes da finalização e pós-produção, e teve que agilizar o processo. Após a exibição, a recepçção foi mais morna do que se esperava. Mas Meirelles já estava realizado; dias antes, exibira para o próprio José Saramago o resultado de seu trabalho; ao subirem os créditos, Saramago chorava, emocionado, e agradecia Fernando pelo resultado. A missão estava cumprida.

E, após tanta espera e expectativa, o filme chega as telas brasileiras. Acompanhos a trajetória de personagens sem nome e sem passado, que repentinamente perdem a visão. A cegueira é contagiosa, o que faz o governo isolar os infectados em quarentenas. E é numa delas que se passa a maior parte do filme, num sanatório abandonado onde são alojados os cegos. Dentre eles, uma mulher que ainda enxerga decide se passar por cega para acompanhar o marido. A partir daí, sua grande vatagem sobre os demais se torna uma espécie de maldição, de karma. Ela assiste a degradação e desumanização de todos ao seu redor, enquanto eles mesmos permanecem alheios ao estado em que se encontram.

A direção de Meirelles não poderia ser mais precisa. Ele evita julgamentos morais; apenas mostra fatos e circunstâncias. O espectador tem a tarefa de julgar ou não o que vê na tela. Os atos praticados pelos cegos são justificáveis? Tal degradação realmente ocorreria? Há espaço para muita reflexão, mas o filme não perde tempo com isso, e segue sempre em frente, numa narrativa que nunca cansa o seu público. A atuação de Julianne Moore apenas confirma o talento da atriz, e dá êxito ao filme, já que boa parte da trama se apoia em seu personagem, que se torna a visão do espectador. Nesse quesito, mais uma vez o filme se destaca. A fotografia de César Charlone beira a genialidade. É esteticamente bela e extremamente bem resolvida narrativamente, trazendo um conceito inovador que consegue mergulhar o público dentro do estado mental dos personagens. O uso do branco estourado dá um impacto muito grande na vista, chegando a passar a sensação de cegueira.

A única ressalva a ser feita é que o filme poderia, sim, ser mais violento e pesado em sua abordagem. As cenas cortadas não chegam a fazer falta do ponto de vista narrativo, mas diminuem o impacto do que poderia ser uma das mais perturbadoras histórias já contadas pelo cinema. Mas há de se entender a concessão de Meirelles; atingir um público grande com um ótimo filme ou um público reduzido com uma obra prima? ele optou pela primeira opção, e resta torcer para que um DVD com as cenas cortadas possa preencher essa lacuna. De qualquer forma, "Ensaio sobre a cegueira" desponta como o melhor filme do ano até o momento, com grandes possibilidades de indicações e prêmios no Oscar, Globo de Ouro e afins.

2008-08-29T13:00:00.002-03:00

Wim Wenders no Brasil

Sexta-feira passada (22/08) o famoso diretor alemão Wim Wenders participou da sabatina organizada pela Folha de São Paulo no teatro do MASP. O evento contou com a participação de Walter Salles támbem. A Controle-Remoto esteve presente e aqui vai um resumo das perguntas feitas ao diretor.

-Sendo um dos grandes diretores do espaço urbano, e tendo vindo 4 vezes ao Brasil, o que te inspira no Brasil ? E o que distingue a paisagem brasileira da americana ?

Wim Wenders – Minha historia no Brasil começa quando eu era apenas um garoto, pela admiração que eu sempre tive com Oscar Niemayer, que construiu uma cidade no meio de uma floresta, então eu comecei a pesquisar sobre o país e eu adorei. Se eu tivesse que contar uma historia no Brasil, seria certamente em Brasília, mas para fazer a historia eu teria que ficar um tempo no lugar, até que a cidade me contasse a historia que eu gostaria de passar sobre ela. Eu preciso ouvir a cidade e ela tem que me dizer a historia.
E sobre Estados Unidos o que eu posso falar é que a paisagem do país é inteiramente recriada na minha cabeça pelas imagens que eu tenho dos velhos filmes Western já filmados, e o Brasil é como um quadro em branco, eu posso criar minha concepção. Em Paris, Texas, o mais difícil foi filmar o oeste americano sem repetir as imagens que John Ford criou.
A única imagem que eu tenho do Brasil vem de Antonio das Mortes, Terra em Transe, e eu realmente gostava porque era uma nova paisagem, de Glauber Rocha.

Os dois diretores que eu mais aprendi sobre foram Anthonny Mann e Ozu, na qual eu vi coisas profundas, transparentes e transcendentes, mais do que qualquer outra coisa que já tinha visto, os filmes de Ozu tinham um nível espiritual para o cinema que eu jamais havia visto antes.
Quando eu era garoto, pobre e morava num quarto gelado, eu descobri que ir ao cinema era uma coisa barata porque eu poderia me esconder nos banheiros e poderia ver 5 filmes pelo preço de um único. E após as sessões eu teria que escrever sobre os filmes para poder lembrar de todos eles no final do dia, e foi aí que eu aprendi como fazer filmes.

-O que faz os road movies especiais ?

Wim Wenders – É a liberdade que todos nós temos em mente. Quando eu comecei a fazer filmes, eu percebi que você pode fazer filmes em estúdio, locações ou na estrada. Mas filmar na estrada é uma experiência que me faz gostar mais de fazer filmes.
A maioria dos filmes são filmados de uma maneira insana porque não são filmados em uma ordem cronológica, mas os road movies tem essa liberdade de se filmar durante uma viagem realmente, de uma maneira cronológica e isso nos faz viver o filme do jeito que deveria ser.

Walter Salles – Na medida que você se desloca na estrada você entende o ponto de partida, acaba lidando com descobertas e transformações. Descobre que é mais interessante o que esta na margem da estrada. Ele se choca com a idéia de que o outro esta a ali e não é perigoso. O road movie tem um contorno político novo.

Win Wenders – Sim, você acaba se tornando mais aberto. O filme é como um gesto sobre o mundo ou alguém.

-Você nasceu em Dusseldorf, terra do famoso filme de Fritz Lang, mas no seu caso você é um anti-Fritz Lang. Para ele os planos são engrenagens implacáveis, e os seus filmes se abrem para o improviso e o acaso. Quanto no seu filme há de improviso e quanto de improvisação ? E você sente que Lang é como um pai para a cinematografia na Alemanha ?

Wim Wenders – Nosso cinema não tem nenhum pai, os nazistas fizeram filmes durante 15 anos e nós os rejeitamos como nossos pais. Fritz Lang é como um avô para nós.
A idéia de filmar alguma coisa em ordem cronológica é a única maneira de se criar uma obra sem um roteiro fixo, e a maioria dos meus filmes são feitos desse jeito. A maioria das minhas historias vem de lugares e atores. Eu sinto que um filme é meu quando eu não tenho tanto controle no processo de filmagem. E é por isso que eu realmente gosto de documentários. Quando eu filmei Buena Vista Social Club eu percebi que não era um documentário, mas um verdadeiro conto de fadas acontecendo na minha frente. As barreiras entre documentário e a ficção são transparentes, e uma boa ficção tem a verdade de um documentário.

-Em seu filme “Alice na cidade” você escrevia a cena na noite anterior de filma-la, isso ainda é possível ?

Wim Wenders – Se você dizer que vai fazer um filme sem roteiro hoje em dia, todos irão rir de você. Por isso eu escrevo “falsos” roteiros para conseguir o dinheiro necessário para filmar as minhas historias.

-Muitos diretores alemães foram seduzidos por Hollywood.

Wim Wenders – Hollywood está lá para diretores europeus e sul-americanos conseguirem fazer filmes americanos. Eu quase fiz isso, mas eu percebi que sou alemão no coração e europeu na essência, e eu nunca iria filmar uma historia americana e eu nunca seria um diretor americano.
Até os filmes que eu fiz nos Estados Unidos como “Paris, Texas” são minhas próprias produções, não existe relação com nenhum estúdio americano. Ser um diretor em Hollywood é uma profissão totalmente diferente.

-Nos anos 80 você trabalhou com cinema digital. Quais são suas perspectivas ? É uma nova arte ?

Wim Wenders – Eu sinto que as historias contadas hoje em dia alcançam um nível social jamais imaginado no século passado. Existem historias que uma câmera pesada de película não consegue contar tão bem quanto uma pequena câmera digital. Essas câmeras conseguem captar o contemporâneo.
A escala de nossas expressões está sendo multiplicada pela tecnologia, e nessa escala você tem que achar um balanço para contar sua historia, dentro da possibilidade financeira e qualidade. A maioria das pessoas pensam que gravar digitalmente é trapacear e manipulação, mas eu acredito que é apenas uma ferramenta que permite um verdadeiro acesso a realidade.

-E a questão da recepção ? As salas de cinema estão condenadas pela internet ? Perdendo-se o ritual coletivo do cinema não amputa o cinema de uma de suas dimensões mais profundas ?

Wim Wenders – Eu ainda acho que podemos assistir filmes numa tela gigante, essa experiência não está totalmente perdida. Projeções digitais são boas porque são rápidas e mais flexíveis. Elas permitem que qualquer cinema no mundo sejam uma Cinematheque.
Eu gosto da possibilidade de ter os meus filmes favoritos em DVD, eles viram objetos como os livros, e eu amo livros. DVD e as fitas abriram um novo caminho para os filmes. Eu acredito que as salas de cinema não vão morrer, elas vão continuar a existir até mais e melhor do que agora.

Walter Salles – Não creio que o cinema esteja morrendo e a experiência coletiva não está ameaçada pelo consumo individual. Há uma troca de relações e experiências... É como o sexo, melhor não fazer sozinho.

-Como você vê o futuro do cinema europeu ?

Wim Wenders- O termo cinema europeu é muito novo, nós começamos a usar esse termo porque percebemos que precisaríamos disso como um “guarda-chuva” para nos proteger de influencias externas para fazer nossos filmes. Cinema nacional e regional necessita desse termo, e no futuro eles terão uma grande importância, maior do que tem agora e teve no passado. Eles te forçam a proteger sua cultura e sua língua.

-Qual a situação mais constrangedora que você já passou com alguma atriz ou ator ?

Wim Wenders – Seria melhor eu não revelar isso. A palavra atores no plural não existe, eu nunca encontrei dois atores com a mesma aproximação para atuar. Atores americanos te fazem acreditar que existe um método geral para atuações. Mas isso não existe.
Eu não preciso do ator mais brilhante do mundo para criar um personagem, eu preciso daquele que consiga se achar dentro de um personagem. Eu gosto de atores que possam mostrar quem eles realmente são, não aqueles que se escondem atrás de uma mascara.

Walter Salles - Isso me faz lembrar de dois diretores: Kieslowski, que jamais repetiria um take, e Stanley Kubrick que acreditava na teoria da exaustão, onde só se consegue a real interpretação após centenas de repetições. A cena do banheiro de “O Iluminado” levou 123 takes para ser finalizada.

-Qual a sua relação com a música no cinema ?

Wim Wenders- Quando eu fiz meu primeiro filme acadêmico, era um filme mudo porque eu não podia pagar por um gravador. Eu senti que eu fiz algo que eu queria ter feito, e eu toquei muitas musicas durante as projeções e todas elas traziam um novo significado para o filme. Musica e cinema tem uma incrível conexão muito próxima.
As vezes eu tenho muita inveja dos músicos, porque eles tem aquela coisa. Por exemplo, no meu ultimo filme eu percebi que eu tinha que lidar com a morte, e eu não conseguia achar um filme com a mesma temática que eu queria passar no meu filme. Então eu achei vários músicos de rock que tocavam de uma maneira linda e que relaciona com o que eu queria, e isso me fez continuar, porque se eles podem fazer, eu também posso.

Walter Salles – Na pintura chinesa do século XIX havia sempre uma área coberta com nuvens para convidar o espectador a completá-la com sua percepção própria. O cinema devia ser assim, devia ser o invisível que completa o visível, como são os filmes de Wim Wenders.

2008-08-21T16:40:00.008-03:00

A agenda
(L'emploie du temps") - 2001- França
Dir: Lauren Cantet
Cotação: ***

Lauren Cantet já havia sido indicado a Palma de Ouro com este filme, antes de finalmente conquistá-la este ano, com sua mais recente produção, "Entre les Murs". Curiosamente, e de forma um tanto quanto inexplicável, "L'emploie dus temps" foi traduzido para o português como "A agenda". Inspirado em uma história real que chamou a atenção de todo o mundo nos jornais, revistas e noticiários, o longa conta a história de Vincent, um homem que, após ser demitido de sua empresa, esconde o fato da família e sai todos os dias de casa como se estivesse indo para mais um dia de serviço. Mesmo com as dívidas começando a apertar, ele não procura outro emprego. O que faz é apenas dirigir sem rumo durante todo o seu "expediente".

Partindo dessa excelente premissa, que traz consigo todo um pano de fundo complexo a ser explorado, Cantent constrói um protagonista de personalidade fraca, incapaz de encarar as responsabilidades e pressões de um emprego, de uma família e de relacionamentos humanos em geral. O que Vincent faz é fugir de tudo e de todos. Sua incapacidade de contar a verdade para o pai, para a esposa e filhos, faz com que ele trame esquemas para garantir o dinheiro necessário para manter a vida como antes. Entretanto, todos esses esquemas "brilhantes" têm prazo de validade; dentro de alguns meses o dinheiro terá que ser reposto, mas não há o menor gesto de Vincent na direção de conseguir um emprego para correr atrás desse prejuízo. As suas mentiras se sucedem, transformando-se numa bola de neve, e até ex-colegas, o pai e seu único amigo acabam sendo vítimas de seus golpes. Os conflitos éticos começam a perturbar sua mente, mas ele apenas segue em frente, de maneira cega e inconsequente.

A direção de Cantet é muito bem pensada, prolongando os planos para fazer com que o espectador sinta a agonia que toma o protagonista, pense com ele em soluções, mas seja vencido pela insolubilidade da situação. Vincent se deixa levar, recusando-se, de uma forma que pode soar egoísta ou correta, dependendo da moral do espectador, a aceitar ser escravizado pelo "sistema". Mas sua luta é inútil, e não pode ser vencida; pelo menos não sem consequências. Outro aspecto que merece destaque é a direção de fotografia, sempre correta e se aliando ao tom procurado pelo diretor. Impessoal, fria, distante; planos gerais, estáticos, longos. Cantet quer evitar o melodrama fácil e, ao mesmo tempo, fugir do julgamento negativo dos espectadores. O protagonista não se torna um mártir injustiçado, da mesma forma que não soa como um vilão inescrupuloso.

Mesmo com uma contrução impecável até seu terço final, "A Agenda" falha ao terminar de forma politicamente correta, destoando de tudo que fora mostrado até ali. O final é pesado, bate forte e tem gosto de derrota. Baseado no livro "O adversário", escrito por Emmanuel Carrére a partir da história real de Jean-Claude Romand, o filme de Cantet usa a história original apenas como ponto de partida. Quase todo o roteiro é original, e o final é drasticamente diferente. No filme homônimo ao livro, realizado em 2003 por Nicole Garcia, a história original é seguida mais de perto, e o resultado é um filme espetacular, extremamente perturbador.

2008-08-20T21:05:00.007-03:00

A Encarnação do Demônio de José Mojica Marins

“Mas é filme nacional, hein !? Do Zé do Caixão!”, foi com essa frase num tom desencorajador que uma das atendentes de uma grande rede de cinema brasileira nos recebeu para assistir o tão aguardado filme de José Mojica Marin, “Encarnação do Demônio”, o filme que fecha a trilogia iniciada em 1964 com “À Meia-Noite Levarei sua Alma” e “Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver” de 1967.

O filme traz um Zé do Caixão 40 anos mais velho do que vimos no começo da trilogia. Por essa razão também, muito do público que consiste no público de cinema de horror atual rejeita a obra da lenda cinematográfica brasileira. O público médio de Mojica consiste em jovens que viram o personagem em aparições em eventos e programas de televisão, sempre caracterizado e com seu discurso datado e que só é levado a sério por si mesmo. Grande parte desse público provavelmente nunca nem assistiu algum filme do cineasta.

Para trazer o personagem de volta ao interesse do público, Mojica contou com a colaboração de Dennison Ramalho (autor de “Amor Só de Mãe”, cultuado curta-metragem de horror), Paulo Sacramento (famoso montador de “Cidade de Deus”) e os conhecidos irmãos Gullane. O desafio de Mojica era fazer com que seu personagem fosse interessante dentro desse novo cenário de filmes de horror que vem arrastando jovens sedentos por violência para dentro do cinema, como “Jogos Mortais” e “O Albergue”.

A duvida era se Mojica iria ser condicionado a apenas a aparecer no filme ou se suas características próprias iriam continuar viva na sua obra, e é isso que vemos na tela de cinema ao assistir o filme. Apesar de competentes efeitos visuais, a linguagem do personagem ainda está lá, intacta e facilmente notada pelo publico, principal motivo para as pessoas continuarem qualificando o cineasta como trash, rótulo que o próprio descarta veemente.

O filme mostra Josefel Zanatas em busca da mulher superior que ira dar vida ao seu filho perfeito, após ficar preso durante 40 anos. Para isso conta com ajuda de Bruno e de outros quatro seguidores que o acompanhariam até a morte. Encontra no meio do caminho um padre (Milhem Cortaz) que busca vingança pela morte de seu pai e dois policiais irmãos, um deles vivido por Jece Valadão, não mais entre nós, que tentam impedir Josefel de conquistar seu objetivo. O roteiro apesar de falho em partes de sua narrativa, é ágil dentro de sua busca principal, e conta também com boas tiradas nos diálogos. Destaque também para a atuação de Adriano Stuart e das velhas ciganas cegas Helena Ignez e Débora Muniz.

Porem o principal trunfo do filme é a fotografia de José Roberto Eliezer, sempre marcante e condutora da narrativa de Mojica, brilhante nos momentos onde vemos os personagens mortos por Zé do Caixão nos dois primeiros filmes, em preto e branco. O filme ainda conta com a presença de Alexandre Herchcovitch (como um dos travestis e também vestindo o protagonista, as noivas e a “morte”), Zé Celso na absurda cena do purgatório e também a de um fã-sósia americano que veio para o Brasil para gravar a cena onde Zé do Caixão (ainda jovem) mata um padre com uma cruz e cega um dos policias, cena que foi censurada na época da ditadura.

As cenas de violência estão lá como todos imaginávamos, mas elas não são lançadas de um jeito fetichista que estamos acostumados em ver nas obras de Eli Roth (O Albergue) ou em “Jogos Mortais”, são cenas que compõe um pesadelo criado pelo próprio personagem e não pelo simples motivo voyeur criado pelos ângulos da câmera. Cenas onde mulheres saem de dentro de um porco, se afogam no sangue e também em baratas ajudam a tirar o fetichismo em cima da obra.

“Encarnação do Demônio” é sem duvidas um ponto positivo para o cinema nacional, é um filme que será facilmente lembrado no futuro por sua qualidade técnica e também por trazer de volta uma das lendas (mesmo que malvisto na maioria das vezes) do cinema brasileiro para as telas. Que essa não seja obra única na nossa escassa cinematografia.

cotação: 4 estrelas

2008-07-25T13:53:00.010-03:00

ANTES QUE O DIABO SAIBA QUE VOCÊ ESTÁ MORTO - ***
(Before the Devil Knows You're Dead) (EUA) (2007) (117 min.), de Sidney Lumet

Andy (Philip Seymour Hoffman), o irmão mais velho, é um executivo falido usuário drogas que convence Hank, seu irmão mais novo também falido à assaltar a joalheria dos próprios pais afim de se livrarem dos problemas financeiros e recomeçarem suas vidas. Andy tem uma bela mulher e é viciado em drogas, Hank é divorciado e pena para pagar a pensão da filha, que mora com a mãe. Livrando-se de todo e qualquer pudor, o plano é botado em prática, mas quando um ajudante contratado por Hank falha na hora do roubo e deixa a mãe dos dois à beira da morte, uma série de conseqüências e arrependimentos cerca a vida da família e das pessoas envolvidas.

Com dezenas de filmes na carreira, diversas indicações ao Oscar e incríveis oitenta e quatro anos de idade, Sidney Lumet é um dos grandes diretores americanos de todos os tempos. Com grandes fitas como "Um Dia de Cão" (1975) e "Sérpico" (1973), é especialista em dramas tensos e frios, sobretudo passados em tribunais.

Após decepcionar no errôneo "Sob Suspeita" (2006), Lumet arranca aplausos no instigante e viril "Antes que o diabo saiba que você está morto". Com atuações certeiras de todo o elenco, roteiro afinado e direção firme, tem pequenos tropeços quanto à edição fragmentada e certos vícios de um diretor um tanto quanto antiquado. No geral trata-se de um filmão. E o inusitado fica com a tão comentada similaridade de enredo com o recém lançado "O Sonho de Cassandra" (2007), de Woody Allen. A semelhança é tão gritante que parece que os dois gigantes participaram de uma gincana onde cada um faria seu filme a partir da mesma sinopse. E qual o melhor? O melhor a fazer é conferir os dois e tirar as próprias conclusões.

Respeitosamente, Graziano.

2008-07-10T15:57:00.002-03:00

Diária.Mente - banda GRANADA

Nesses últimos meses o blog Controle Remoto ficou um pouco de lado, em virtude de estarmos com energias concentradas em algo muito importante. A Controle Remoto Filmes estava ocupada com a produção de seu primeiro videoclipe. Agora, o trabalho terminou, e temos a honra de anunciar a estréia dessa nova mais nova realização.

Segue o comunicado oficial da banda Granada

OFICIAL - Estréia do Vídeo Clipe na MTV
Em poucos dias lançaremos nosso primeiro vídeo - clipe.

A música que também da título ao cd - (Diária.Mente) é uma resposta ao reflexo da rotina do ser humano atual, onde o dinheiro infelizmente se tornou a essência da vida e a busca pelo sonho perdeu espaço pras necessidades impostas pelo sistema.

*** VÍDEO - CLIPE | DIÁRIA . MENTE | ESTRÉIA OFICIAL ***
DIA 11/07 (sexta - feira) NO MTV OVERDRIVE
DIA 14/07 (segunda - feira) NO DOMÍNIO MTV - 17:00hrs

Precisaremos MAIS DO QUE NUNCA de vocês, chegou a hora de mostrarmos a nossa força, que comecem os spams no msn, orkut, fotolog, blog, xatoblog, blá blá blá...

Quero ver todo mundo a partir de sexta - feira vendo o clipe no Overdrive e a partir de
segunda - feira todo mundo pedindo o clipe no TOP 10.

A UNIÃO FAZ A FORÇA e vocês são a nossa.
Vamos em busca dessa nova conquista galera!!

Beijos e abraços

Yuri, Kauê, Zé, Léo e Victor
.GRANADA

Controle Remoto Filmes é: Bruno Dias, Bruno Graziano, Cleber Isler, Everton Oliveira, Murilo Costa e Rafael Mattielo

2008-07-04T03:55:00.004-03:00

A trilogia póstuma de Krzysztof Kieslowski

O polonês Kieslowski foi um dos mais aclamados diretores europeus da década de 90, após chamar a atenção do mundo com “Não amarás” e “Não matarás”, ambos lançados em 1998. A crítica o venerou após o seu decálogo (série de filmes feitos para a televisão tendo como temática os 10 mandamentos) e o consagrou após sua obra mais conhecida por aqui: A trilogia das cores. Iniciada em 1993, com “A liberdade é azul”, prosseguiu com “A igualdade é branca” e “A fraternidade é vermelha”, onde atingiu seu melhor e mais maduro resultado.
Após a conclusão da trilogia, o diretor preparava, junto com seu habitual parceiro de roteiros, Krzysztof Piesiewicz, uma nova trilogia, mesmo tendo anunciado sua aposentadoria depois de lançar “A fraternidade é vermelha”. Entretanto, morreu após sofrimento com os sintomas da AIDS e de complicações cardíacas.

Paraíso
(Heaven) – 2002 – Itália/Inglaterra
Dir: Tom Tikwer
Cotação: ****

O diretor alemão Tom Tikwer é amplamente conhecido por seu longa “Corra, Lola, Corra”, que fez uma bem sucedida carreira internacional. Ao assistir seus filmes, logo percebe-se uma linguagem ágil, uma câmera virtuosa e ousadias estéticas e temáticas. Nada que lembre o cinema intimista de Kieslowski. Mas foi em suas mãos que o projeto do veterano polaco foi cair.
Em sua primeira produção fora da Alemanha, Tom Tikwer conseguiu mostrar segurança e desenvoltura conduzindo um elenco que mesclava italianos e ingleses. Como principal resultado, temos uma intensa e comovente atuação de Cate Blanchett no papel principal. Ela é Philippha, uma viúva que, decidida a vingar a morte do marido, vítima de overdose. Mas a questão não é tão simples. O responsável é o maior traficante de drogas da região, um poderoso homem, que diariamente causa sofrimento, dor e morte em inúmeras famílias da Itália.
O modo encontrado por Philippa para matar o traficante é colocar uma bomba em seu escritório. Mas pequenos detalhes colocam todo seu plano abaixo; inocentes morrem e ela é presa. Na cadeia, ela conhecerá Filippo, um jovem policial que servirá como tradutor, e que acaba se apaixonando por ela.

Embora o início de “Paraíso” possa remeter a um filme de ação ou a um drama sobre terrorismo, todo o resto do longa vai na contramão. O rumo escolhido é o intimismo, como sempre na obra do falecido polonês, num sombrio mergulho na alma arrependida e desesperançada de Philippa. Bela em sua simplicidade, a trama é muito bem conduzida pelo diretor alemão. Seu grande senso estético e sua câmera sempre criativa dão uma nova vida ao roteiro, trazendo a narrativa de Kieslowski para mais perto do cinema atual.

2008-06-20T15:48:00.005-03:00

Limite de Mario Peixoto (1931)

O filme é descrito como uma obra que naturalmente levaria o cinema brasileiro a um ponto na historia que nunca conseguiu alcançar, causando espanto também por ser a síntese de tudo que estava acontecendo no momento que foi filmado. Limite é o primeiro e único filme do então jovem cineasta brasileiro Mario Peixoto.

Muitos rumores cercam a vida de Mario, alguns dizem que nasceu em Bruxelas, na Bélgica e outros dizem que nasceu na Tijuca, no Rio de Janeiro, o que é certo porem é que ele sempre foi tido como um garoto introvertido e logo na infância foi estudar na Inglaterra, onde “assistiu” o cinema crescer com os vários movimentos que estavam acontecendo, como o Expressionismo Alemão, de onde sai um de seus filmes favoritos, Metrópolis de Fritz Lang. E é lá também que Mario começa a esboçar Limite em seu diário particular.

Filmado no Rio de Janeiro no ano de 1930 em pleno Modernismo brasileiro, e apresentado pela primeira vez em 17 de maio de1931, no Cinema Capitólio também no Rio, Limite é uma obra distinta na filmografia brasileira, Mario Peixoto chegou a oferecer o roteiro para Adhemar Gonzaga dirigir, mas o famoso produtor recusou dizendo que tal cenário só seria possível de ser criado se fosse feito pelo próprio autor, mas o incentivou a procurar Humberto Mauro, diretor de Ganga Bruta, que com o mesmo discurso de Adhemar recusa dirigir o filme, porém aconselha Mario a oferecer o roteiro a seu amigo fotografo Edgar Brazil, que acaba por transmitir tudo que o autor queria esteticamente, improvisando “gruas” e “travellings” até então não inexistentes aqui no Brasil. Aos 21 anos e com uma equipe pequena, Mario Peixoto começa a produção de Limite.

A obra não foi criada através de um conceito real, e sim com fragmentos dos questionamentos de Mario e também de imagens que ele encontrava em revistas ou filmes que assistia. Limite conta a historia de três personagens, duas mulheres e um homem, relembrando os fatos que os levaram a ficar preso no barco onde estão agora. O filme começa com uma imagem de uma moça com olhos fixos e punhos algemados, tal imagem é uma alusão a uma imagem que ele viu em uma revista francesa chamada Vu, na qual lia quando estava em Paris. Podemos relacionar essa cena que inicia e termina o filme com praticamente todo o seu enredo. É uma forma de desespero humano diante de suas limitações, e isso é ilustrado logo na cena seguinte, onde os três personagens principais estão dentro de um bote no meio do oceano, onde mais uma vez notamos suas impossibilidades diante de uma situação.

Com uma narrativa lenta, influenciada pelo Impressionismo, o roteiro de Limite se desenvolve junto com seus personagens. Suas trajetórias vão sendo mostradas uma por uma até chegar ao ápice onde encontramos os três personagens no barco na cena final.

Financiado com recursos próprios e com apoio da Cinédia, Limite não chegou nem a ser exibido comercialmente, tamanho foi o espanto que o publico teve diante de uma narrativa tão complexa, Mario Peixoto porém dizia, “o que eu realmente quis mostrar é que o tempo é uma coisa ilusória, ele não existe na verdade. E acho que consegui”.

Cotação: 5 estrelas

2008-05-02T13:09:00.005-03:00

12:08 - A Leste de Bucareste
(A fost sau n-a fost?) - 2006 – Romênia
Dir: Corneliu Porumboiu
Cotação: ***

“12:08 – A leste de Bucareste” foi uma pequena-grande sensação por onde passou; em Cannes, chamou tanta atenção que deu a seu diretor o cobiçado “Câmera de Ouro”, prêmio entregue ao melhor cineasta estreante do ano e de melhor filme europeu do Festival naquele ano de 2006. Em São Paulo, o filme conseguiu ser uma das surpresas da 29º Mostra Internacional de Cinema, amplamente comentado pelos corredores e filas. Quando estreou oficialmente, conseguiu se manter em cartaz por um tempo razoável, coisa muito complicada para filmes vindos de países obscuros como a Romênia.
Aliás, o filme de Corneliu Porumboiu reflete a atual e premiada fase do cinema romeno.

O enredo de “12:08” é curioso: uma pequena cidade romena se prepara para o natal, enquanto um programa de televisão se prepara para um especial sobre uma revolução ocorrida 16 anos atrás. Mas, durante a transmissão do programa, uma dúvida é levantada: a revolução realmente ocorreu?

Ao contar essa singela história, Corneliu aproveita para criticar, sempre de maneira sutil e bem humorada, o comunismo que existia no país e a apatia da população. O diretor também não poupa a precariedade do país de sua ironia: a forma como ele retrata a televisão na cidade é hilária, e é o ponto alto do filme (na verdade, é quase metade dele). Aliás, pode-se apontar como defeito do filme o seu começo, muito lento, e que demora a situar o espectador. Aos poucos, percebemos do que o filme se trata, quem são aqueles personagens e o que fazem da vida. Tudo muito bem construído, dando a profundidade necessária para que a discussão no programa de televisão faça sentido.

Mais um bom filme romeno, que juntamente com “4 meses, 3 semanas e 2 dias”, premiado com a Palma de ouro no último Festival de Cannes, fez com que os cinéfilos voltassem seus olhares para a Romênia. Juntos, os dois filmes mostram traços em comum, que parecem ser uma constante do cinema praticado pelos romenos. Com roteiros excelentes, atores que cumprem bem seu papel e diretores que sabem o que estão fazendo, os filmes do país deixam em segundo plano coisas como direção de arte, movimentos diferenciados de câmera ou ousadias estéticas. As cenas são simples, quase sempre planos longos e estáticos, privilegiando os personagens e suas ações. Aliás, é importante dizer que a preocupação estética não é das maiores, mas, ainda assim, os filmes têm qualidades nesse quesito: os enquadramentos são precisos, as cores bem utilizadas, sempre no mesmo tom frio que sempre caracterizou os países da extinta Cortina de Ferro. Pode-se dizer que lá se faz o “cinema de resultados”; o que importa é conseguir contar uma boa história.

2008-05-01T21:11:00.004-03:00

ESPERANDO O MESSIAS - ***
(Esperando al Mesias) (ARG) (2000) (90 min), de Daniel Burman

"Há vinte e quatro anos, um rabino se aproximou e cortou um pedaço do meu pênis. Há onze anos, quando entrei na adolescência, um rabino me deu os Livros Sagrados e me explicou meus direitos e privilégios durante o Bar-Mitzva. Algum tempo depois compreendi que ser orgulhoso das minhas origens não significava que eu deveria estar convencido de meu destino. Comecei então a procurar o meu Messias".

Partindo da alegação acima, um dos bons nomes saídos da nova safra do cinema argentino, Burman fez seu primeiro longa-metragem com esse sincero e urgente filme de teor autobiográfico. Através de inteligentes fábulas urbanas, protagonizadas por Ariel (Daniel Hendler), um jovem judeu com crise de identidade que busca independência, e Santamaría, um bancário recém desempregado e divorciado, desolado pela situação atual, é visto um panorama fiel de alguns dos contrastes sociais do país, que refletem diretamente na cultura e rotina da população. Defendendo uma estética realista, de poucos enfeites, o cineasta busca encontrar soluções para seus personagens problemáticos, e ao mesmo tempo com certo carinho em relação a eles. E dentre alguns momentos inspirados, têm-se a primeira parte da trilogia do “novos judeus numa Argentina em reconstrução”, se é que pode-se chama-la assim, que continuou com "O Abraço Partido" (2004, já criticado no blog) e "As leis da Família" (2006).

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-05-01T20:52:00.004-03:00

HISTÓRIAS DE COZINHA - ***
(Salmer fra kjøkkenet ) (2003) (NOR) (92 min) - de Bent Hamer

Partindo de uma premissa nostálgica de sátira aos costumes dos anos 50, o competente diretor Bent Hamer (do bacana “Factotum – Sem Destino” (2005)), conta uma história verdadeira um tanto dramática com uma pitaca irresistível de deboche e bom humor. A sutileza com que são apresentados os personagens do filme, é realçada pelo bom gosto artístico de arte e fotografia, completando um roteiro simplista, que por ser despretensioso em vários momentos, dá a fita no mínimo três estrelas. Um instituto de pesquisa sueco busca encontrar uma fórmula de que possam desenvolver a cozinha perfeita. Com isso, selecionam alguns homens que se estabeleceram em algumas cozinhas específicas no país vizinho, a Noruega, para serem observadores e descobrirem os segredos de alguns moradores. Folke, um dos técnicos, se estabelece na cozinha de Isak, um fazendeiro pouco disposto a ajudar nos estudos. E é nesse ambiente hostil entre os dois opostos, que cresce uma comovente relação peculiar de amizade. Bem que os primeiros vinte minutos, lentíssimos, poderiam ser enxugados, mas quando pega forma, o longa agrada a quem assistir com sua comédia leve sagaz carregada de boas críticas ao pós-guerra.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-04-29T23:51:00.004-03:00

UM BEIJO ROUBADO - ***
(My Blueberry Nights) (EUA) (2007) (90 min.), de Wong Kar-Wai

Continuando sua saga obsessiva sobre relações amorosas de pessoas solitárias que mesmo a margem de alguma companhia sentimental, necessitam fervorosamente do amor, o único diretor chinês a ganhar o prêmio de direção em Cannes, e queridinho quase unânime cult da atualidade, faz aqui sua estréia em Hollywood, que para a discórdia de muitos, foi levada de letra pelo cineasta.

Kar-wai narra em episódios a história de uma jovem trabalhadora, Elizabeth (Norah Jones), que ao descobrir a traição do namorado, se apaixona pelo atendente de um pequeno café em Nova York, Jeremy (Jude Law). Mesmo assim a moça sai da cidade e vai para o Tennesse, trabalhar, e juntar dinheiro para comprar um carro. Lá, conhecerá figuras como o policial alcoólatra Arnie Copeland (David Strathairn) e a jogadora de poker turrona Leslie (Natali Portman), tudo enquanto Jeremy não desiste de procurar sua paixão de uma noite. Esta noite, que possui a melhor cena do filme – uma singular conversa por de trás de um vidro. Simples e bela.

Alguém deve ter chegado para Wong Kar-Wai e dito: “Você é um gênio”. E ele acreditou. E é esse vício que o diretor insiste em carregar, que impede alguns de seus filmes de se tornarem inesquecíveis. É o caso de “Um beijo Roubado”. Num início acachapante, com uma fotografia extremamente sub exposta, de cores berrantes, obturador remexido e operação tremula (belíssima!), o segmento inicial com os astros Jude law e Norah Jones, em sua estréia no cinema, dá a impressão de uma pérola ao nível de “Antes do Amanhecer” (1994) e “Betty Blue” (1986). E quando começa-se a ter a certeza disso, o chines emprega uma caretice dramática nada compatível com sua obra. Como se não bastasse o final levemente arrastado, ainda detém certos tons filosóficos forçados que fazem da fita uma irregularidade mescla de primor fílmico com pretensões demais. Respirar um pouco de indústria ocidental pode ajudar e muito o chines realizador de altos e baixos, como o inventivo e envolvente “Amores Expressos” (1994) e o superestimado e sonolento “Amor à Flor da Pele” (2000).

Respeitosamente,
Graziano.

2008-04-29T17:26:00.004-03:00

"Ensaio sobre a Cegueira" é incluído na seleção oficial do Festival de Cannes

Tudo mudou hoje mesmo; ainda de madrugada, uma nota oficial anunciava que o 61º Festival de Cannes teria "Ensaio sobre a cegueira", adaptado pelo diretor Fernando Meirelles a aprtir da obra de José Saramago, como filme de abertura. Uma grande honra para o brasileiro Fernando Meirelles, pois abrir o Festival é um dos maiores indicadores de prestígio para um cineasta.

Ainda hoje, algumas horas depois, a organização do Festival de Cannes anunciou que "Ensaio sobre a cegueira" também faria parte da mostra competitiva.

Além de "Ensaio sobre a cegueira", uma produção internacional que conta com um elenco excelente (Julianne Moore, Mark Rufallo, Danny Glover, Sandra Oh e a brasileira Alice Braga), quase ficou de fora do Festival. "Há 15 dias fomos colocados numa espécie de limbo em relação à Cannes. Houve um convite para abrir o festival, mas, para a minha surpresa, o distribuidor francês não aceitou. Ele achava que o filme deveria estar na competição. Só que em Cannes os filmes de abertura em geral não competem. Instalou-se assim um impasse. Finalmente foi aberta uma exceção", conta o diretor Fernando Meirelles.

Além do longa de Meirelles, outros dois foram incluidos na Mostra Competitiva: Two Lovers, de James Gray (Os donos da noite) e Entre les murs, de Laurent Cantet.

2008-04-29T09:33:00.012-03:00

61º Festival de Cannes

Está chegando mais um Festival de Cannes. O evento é o mais charmoso do cinema mundial, e uma das premiações mais respeitadas. Para este ano, teremos o ator e diretor Sean Penn como presidente do Júri, além da musa Natalie Portman integrando a comisão julgadora.

Esse ano, muitos diretores jovens aparecem na seleção, mostrando que Cannes está de olho nessa nova geração de realizadores. Ano passado a Revista Bravo publicou uma lista dos maiores cineastas da atualidade: três deles aparecem entre os nomeados; Jia Zhangke, Lucrecia Martel e Walter Salles.

Dentre os filmes indicados, algumas surpresas, nomes já esperados e vários nomes desconhecidos até mesmo por cinéfilos fervorosos. Confira a lista resumidamente comentada e já anote os nomes para quando eles chegarem a Mostra de Cinema de SP:

Le silence de Lorna - Jean-Pierre e Luc Dardenne

A dupla de diretores belgas têm uma carreira longa, mas que ganhou sobrevida impressionante na última década. Desde "A promessa", em 1996, foi indicado ao César (considerado o Oscar francês) de melhor filme estrangeiro. O filme seguinte, Rosetta, levou a Palma de Ouro em Cannes. Em 2002, "O filho" concorreu ao cobiçado prêmio, mas não levou. Pouco temo depois, em 2005, a dupla reconquistaria Cannes com "A criança" (já criticado no blog), um filme simples e bonito sobre um jovem casal e seu filho.
"Queridinhos" de Cannes, os irmãos Dardenne chegam, como nas duas vezes em que venceram, com discrição. Não são os mais comentados, mas são fortes concorrentes.

Un conte de Noël - Arnaud Desplechin
Com apenas 48 anos e 7 longas no currículo, o diretor Arnaud Desplechin tem uma carreira longa: são 16 anos desde seu primeiro longa metragem, lançado em 1992.
Assim como alguns outros indicados, Arnaud já chamou atenção logo de cara, tendo seu primeiro filme, "O sentinela", indicado a Palma de Ouro.
Quatro anos depois, com seu segundo longa e terceiro longas (Comment je me suis disputé... ma vie sexuelle - 1996, e Esther Kahn - 2000), Arnaud era novamente indicado a Palma de Ouro, começando a estabelecer seu nome entre os diretores da nova geração.
Com seus filmes seguintes, o diretor conquistou prêmios em Veneza e no César, mas não mais retornou a Cannes, até este ano.

Changeling - Clint Eastwood

O veterano Clint Eastwood é um forte candidato. Conta com a simpatia de Sean Penn, a quem já dirigiu em "Sobre Meninos e Lobos". Assim como o presidente do júri, Clint conseguiu fazer, de forma magistral, a transição de ator para diretor. Seus filmes também têm aspectos em comum com os de Seann Penn: são densos, envolvem famílias desestruturadas, desesperança e amargura.
Se "A conquista da honra" e "Cartas de Iwo Jima" não causaram o furor esperado, Clint desta vez volta ao temas familiares.

Adoration -Atom Egoyan

Uma surpresa na lista. Pouco conhecido no Brasil, o diretor egípcio tem como seus filmes mais conhecidos: "O doce amanhã", indicado ao Oscar em 1997; Ararat (2002), e "Verdade Nua", realizado nos EUA e indicado a Palma de Ouro em 2006.

Waltz with Bashir - Ari Folman

Mais uma surpesa, mais um cineasta de carreira curta. Israelense, o diretor chega conconrrendo com uma animação, o que por sí só já seria intrigante (apesar do sucesso de Persepolis ano passado). Este é o terceiro longa do diretor, que deve ser apenas coadjuvante no festival.

La frontière de l’aube - Philippe Garrel

O diretor é o representante francês. Nascido em Paris, pai de Louis Garrel ex da cantora Nico, o diretor milita há anos, com seus filmes independentes. Apesar de ser francês, Garrel é queridinho mesmo em Veneza, onde por muitas vezes concoreu a prêmios (tendo ganho alguns). No Brasil, ganhou mais reconhecimento por seu último filme, "Amantes Constantes", do que por toda carreira. O longa esteve presente em grande parte das listas de cinéfilos e críticos que elencavam os melhores de 2006. Além disso, ganhou o Leão de Prata em Veneza.

Gomorra - Matteo Garrone

Realmente é o ano dos jovens diretores em Cannes. O italiano Garrone tem apenas 40 anos, e já conta com 6 longas na carreira. Curioso que, até esta indicação, a obra do diretor ainda estava restrita à Itália, onde ele recebeu diversos prêmios.

Trata-se de um desconhecido para o público nacional, portanto fica complicado dizer algo a mais.

24 City - Jia Zhangke

O diretor chinês é um dos mais comentados da atualidade, sendo premiado em festivais de todo o mundo, principalmente Veneza, onde já cansou de ser premiado. Esteve ano passado na mostra Internacional de Cinema de São Paulo, onde foi recebido como gênio e teve restrostectiva de sua curta carreira.

Pessoalmente, o cinema de Jia Zhangke me parece enfadonho, pretensioso e muito "chinês". Suas histórias parecem restritas, intransponíveis para pessoas acostumadas aos costumes e narrativas ocidentais. Entretanto, o diretor chega com força ao Festival.

Synecdoche, New York - Charlie Kaufman

Um dos filmes mais aguardados do ano, sem dúvidas. Charlie Kaufman é um dos mais inventivos, excêntricos, competentes e bem sucedidos roteiristas do cinema na última década. Sim, parecem muitos adjetivos, mas Kaufman os merece.

Criador de filmes tão díspares como "Quero ser John Malkovich", "Brilho Eterno de uma Mente sem lembranças", "Adaptação", "Confissões de uma mente perigosa" e "A natureza quase humana", o roteirista já carrega consigo fama de louco e de gênio.

"Synecdoche, New York" é sua estréia na direção, e traz um elenco forte e uma premissa assustadora: um diretor de teatro tenta recriar a cidade de Nova Iorque como parte de sua peça. Conhecendo Kaufman, já dá pra arriscar; aí vem coisa boa.

My Magic - Eric Khoo

Um diretor jovem de Singapura. Uma incógnita, pelo menos para mim, assumo. O cineasta estreou com Mee Pok Man, em 1995. Dede então, fez outros dois longas. Nenhum deles causou grande furor, mas "Be with me", de 2005, apareceu em alguns festivais de médio porte, como o de Mar Del Plata. O estilo fantástico do diretor traz comparações a David Lynch; resta saber se elas procedem.

La mujer sin cabeza - Lucrecia Martel

A diretora argentina é um dos grande nomes do cinema "cult" na atualidade, mesmo com poucos filmes, e com grandes intervalos entre suas produções. Suas duas obras até o momento, "O pântano" e "A menina santa", que concorreu a Palma de Ouro no ano de seu lançamento (2004), ainda são comentadas e destrinchadas por especilistas. Dona de um estilo peculiar e intimista, deve agradar a Sean Penn. Ajuda também o apreço dos franceses pelo seu cinema; a argentina foi membro do Júri do próprio Festival de Cannes em 2006, e é um dos nomes mais aclamados pela tradicional publicação "Cahiérs du Cinema".

Serbis - Brillante Mendoza

Mais um diretor jovem e desconhecido, vindo das Filipinas, com 6 longas no currículo. Foi bem recebido em festivais de médio porte, e sua primeira e única aparição em grande festivais ocorreu com seu último longa, Tirador (2005), que recebeu um prêmio menor em Veneza.

Delta - Kornel Mundruczo

O diretor húngaro não é dos mais conhecidos, mas seu filme "Johanna", de 2005, causou certo furor em Cannes. Deslumbrante visualmente, o longa é um musical, e reconta, em nossos dias, a história de Joana D'Arc, retratada como uma viciada em drogas.

Segundo quem viu, "Delta" é uma história familiar simples, com uma fotografia deslumbrante, mas com defeitos em sua narrativa.

Linha de Passe - Walter Salles e Daniela Thomas

Uma das grande surpresas, por ainda nem ter sido concluído. Walter Salles e Daniela Thomas ainda correm para finalizar a montagem do filme, e podem acabar exibindo-o como "projeto em andamento" e em projeção digital, o que seria,de certa forma, um desprestígio ao Festival.

Entretanto, a presença do filme serve como demonstrativo da força que o cinema nacional vem ganhando no exterior; Salles também é considerado um dos maiores nomes dentre os cineastas jovens, e conquistou vaga na lista em disputa com Fernando Meirelles.

Che - Steven Soderbergh

Steven Soderbergh é um diretor que flerta e se divide entre o cinema "de arte" e o mais puro entretenimento comercial. "Che" é um ousado épico sobre o lendário guerrilheiro Che Guevara. Ousado sim, por se tratar de um diretor americano.

"Che" será exibido como foi concebido: com aproximadamento quatro horas de duração. Para ser lançado em circuito comercial, tudo indica que o longa será dividido em duas partes: "Guerrilla" e "The Argentine".

Il Divo - Paolo Sorrentino

O italiano de 38 anos é mais um dos jovens cineastas indicados. "Il Divo" é seu quarto longa. Nessa curta trajetória, Paolo já figurou duas vezes na lista de Cannes, com "Le Conseguenze dell'amore", de 2004, e com "L'Amico di famiglia", de 2006. De cunho político e biográfico, "Il Divo" conta a história de uma parlamentar italiano eleito sete vezes consecutivas para seu cargo.

Leonera - Pablo Trapero

Mais um grande cineasta da nova geração, Pablo Trapero é mais um argentino a concorrer a Palma de Ouro, o que deixa cada vez mais claro a força do cinema produzido pelos nossos vizinhos. Seu primeiro longa data de 1999, e já rodou festivais de todo o mundo, recebendo prêmios e elogios por onde passou.

De lá pra cá, Trapero colecionou prêmios, indicações, e ganhou fama e respeito dos críticos ao redor do mundo.

Seu último filme, "Nascido e criado", foi colocado dentre os melhores do ano passado por muitos criticos, incluindo dois postadores do Controle Remoto.

The Palermo Shooting - Wim Wenders

Sim, o veterano cineasta alemão lança seu primeiro longa-metragem após muitos curtas. Pudera. Wenders já estava com fama de arroz de festa; qualquer coletânea de curtas por ocasião de festivais incluía algo seu (foram apenas quatro, na verdade, mas em um curto espaço de tempo).
Curioso que, nesta ediçao de Cannes, tão voltada aos jovens realizadores, apareça Wenders, que foi (juntamente com Herzog e Fassbinder) a força renovadora do cinema alemão e europeu nos anos 70.

2008-04-14T11:04:00.007-03:00

Estômago
Brasil – 2007
Dir: Marcos Jorge
Cotação: ***

Lançado recentemente nos cinema, mas já com uma bem sucedida carreira em festivais, o longa “Estômago” é o segundo filme do diretor Marcos Jorge, e o primeiro de um acordo para co-produções Brasil/Itália. Amplamente elogiado por onde passou, o filme arrebatou quatro prêmios no Festival do Rio, entre eles o prêmio especial do Júri e o da audiência. Isso apenas reflete a principal característica de “Estômago”: a simpatia.

Com um roteiro feito à quatro mãos, pelo diretor Marcos Jorge e pelo italiano Fabrizio Donvito, o longa constrói de maneira inteligente e eficiente sua trama, amparando-se no protagonista, o nordestino Raimundo Nonato. Recém chegado à cidade, desempregado e sem ter um teto, ele passa o dia em um bar, onde recebe uma proposta de Zulmiro, dono do lugar; ele pode dormir em um pequeno quarto nos fundos, desde que aceite trabalhar no local. Numa relação baseada na exploração, Nonato trabalha no bar como ajudante, e vai aprendendo também a cozinhar. Aos poucos, seu talento nato para o ofício começa a transparecer; suas coxinhas ficam famosas. Até o dia em que o dono de um restaurante italiano, surpreso com a qualidade da comida servida em um simples boteco, decide convidar Nonato para ser aprendiz na cozinha de seu restaurante.

No novo restaurante o filme ganha força pela entrada do personagem Giovanni, o dono do local. Ele ensina para Nonato, sempre de maneira bem humorada e num discurso pomposo, os segredos da cozinha sofisticada. Após algumas reviravoltas, Nonato irá para a cadeia, onde mais uma vez seu dom para a culinária será notado, motivando outra série de acontecimentos.

A estrutura de “Estômago” é centrada em um protagonista passivo, e se quebra em três partes bem perceptíveis, relacionadas a cada um dos locais no qual Nonato cozinha: o bar, o restaurante italiano e a cadeia. As coisas acontecem com Nonato; ele é levado a esses lugares pelas circunstancias e situações. Quieto, irritadiço, submisso, Nonato não é um personagem naturalmente carismático. Para tentar ganhar o público, Marcos Jorge tenta, em alguns momentos, dar uma característica diferente a ele, através do humor e dos maneirismos nordestinos; mas tal tentativa soa forçada, por não combinar com a essência do personagem, e o resultado é apenas mais um arremedo de “O auto da compadecida”.

O grande trunfo de “Estômago” está na forma como ele consegue mostrar as estruturas de poder. Nonato começa como um sem-teto, passa a ser um escravo, e, graças ao seu talento, vai ganhando espaço e progredindo. Na cadeia, ganha respeito e poder. As relações de poder estão muito bem definidas, desde o dono do bar, que faz com que Nonato trabalhe de graça, apenas em troca de um teto, até o traficante que manda na cadeia. E tudo permeado com muito humor. Mais uma característica que merece destaque é a gama de personagens do filme. Todos são bem humanos e tridimensionais, e têm papéis bem definidos no roteiro.

Recém lançado nos cinemas, “Estômago” tem tudo para agradar ao público em geral, tornando-se mais um filme que alia o sucesso popular ao de crítica. Só resta esperar que o filme de Marcos Jorge não passe despercebido pelo público médio, pois ele tem potencial para fazer uma boa bilheteria. A esperança é que o sucesso de “Ratatouille” atraia a atenção das pessoas para mais um filme sobre cozinha. De acordo com o próprio diretor: “‘Estômago’ é o ‘Ratatouille’ da cozinha dos pobres, pois fala de boteco, coxinha e pastel”.

2008-04-11T02:33:00.001-03:00

O CINEMA DE KEVIN SMITH (revisado)

Para quem não conhece Kevin Smith, ele é o auto-intitulado cineasta nerd, responsável pela série de filmes sobre a cultura pop americana e mais especificamente sobre Nova Jersey, lugar onde nasceu. Smith sempre trabalha com os atores Ben Afflek e Matt Damon, e em seis dos seus sete filmes aparecem os personagens Jay (Jason Mewes) e Silent Boy (o próprio Kevin Smith). Seus temas abordados são sempre freqüentes, como Star Wars, Hóquei no Gelo, Hqs, relação de amizade, relação amorosa e conjugal, homossexualismo, sexualidade, drogas, preconceito, religião, e mais sexo, sempre com um humor fugaz, politicamente incorreto e de time desconcertante.

Seus diálogos certeiros, o tornam uma das cabeças mais pensantes da nova geração de cineastas americanos. Tem poucos, mas fieis admiradores, ganhou poucos prêmios até então, mas esbanja elogios e prestigio por onde passa. Lançou recentemente seu mais novo filme, ``Clerks 2``, continuação do sucesso ``Clerks``, onde foi ovacionado de pé durante 10 minutos numa sessão a meia noite no Festival de Cannes do ano passado. E Ai vai a relação da breve, porém notável carreira do diretor.

CLERKS 2 (Clerks 2) (EUA) (2006) (97 min.), de Kevin Smith - ****
A loja de conveniência Quick Stop sempre foi o centro do universo dos balconistas Dante Hicks (Brian O'Halloran) e Randal Graves (Jeff Anderson), ambos com 33 anos. Quando o lugar é destruído num incêndio, os dois têm que achar não só um novo lugar para matar o tempo como também novos empregos. Sem nenhuma ambição na vida, eles vão parar na lanchonete Mooby's. É lá que dão continuidade aos debates acalorados em que tentam decidir quem é melhor: George Lucas, Peter Jackson ou Jesus.

Quem é fã de Kevin Smith, esperava muito dessa continuação, tendo um enorme medo do que poderia vir. Quem não é tão fã assim, esperava um filme engraçado e nada mais. Independente da expectativa, ninguém se decepcionou. ``Clerks 2`` é a melhor idéia possível para continuar (e terminar pelo que pareceu) a saga dos dois balconistas mais famosos do cinema. Mantendo os dois atores principais, além é claro dos necessários Jay e Silent Boy, com a história de passando exatamente 12 anos depois e toda a narrativa fazendo um paralelo pitoresco com a carreira do próprio Smith. Isso, porque, segundo ele, o filme será o último projeto sobre Nova Jersey, com os personagens Jay e Silent Boy e de conteúdo jovem (ele tinha dito o mesmo ao fazer ``Menina dos Olhos``, antes de começar a realizar ``Clerks 2``) porque o mesmo estava numa passagem de identidade e maturidade, com mulher, filha e pouco mais de trinta anos nas costas.

Assim como o cineasta, os personagens Randal e Dante precisam achar um novo rumo urgente, antes que enlouqueçam e seja tarde demais. Disposto a impressionar, Kevin elabora uma brincadeira a tudo que jpa fez, se propondo a exagerar sem nenhum pudor. Com discussões que não devem em nada a primeira fita, e cenas que beiram a escatologia, chega até a fazer até uma inusitada seqüência de musical. Quem se identifica com o mundo proposto, reparece-se aqui até para emocionar-se.

MENINA DOS OLHOS (Jersey Girl) (EUA) (2004) (103 min.), de Kevin Smith - ***
Ollie Trinke (Ben Affleck) é um homem casado e bem-sucedido no emprego, que parece ter tudo o que sempre quis na vida. Porém sua vida de sonho desmorona após sua esposa, Gertrude (Jennifer Lopez), morrer, deixando uma filha, Gertie (Raquel Castro), para Ollie criar. Ollie decide então deixar o emprego e ir morar em Nova Jersey, na casa de seu pai (George Carlin), onde foi criado. Lá ele arruma um trabalho desinteressante e busca encontrar ânimo para seguir em frente, enquanto que Gertie acha que Nova Jersey é um verdadeiro paraíso.

O longa mais execrado de Kevin Smith, que seria o ponto inicial de uma faze mais madura, foi também um fracasso de bilheteria. ``Menina dos Olhos`` é um bom filme, encantador, e se tratando de uma comédia romântica convencional, é indiscutivelmente acima da media. Smith, que é mais roteirista do que diretor (segundo ele próprio), pegou um gênero surrado e bastante popular, para tantar tirar leite de pedra. De certa forma conseguiu, dando um pouco mais de anarquismo cinematográfico a trama convencional.

A história lida apenas como sinopse, dá a impressão de mais um mela cueca mamão com açúcar sentimentalóide, mas Smith emprega seu estilo, transformando a produção numa deliciosa e cativante historia familiar. O roteiro, que é baseado na relação do diretor com a própria filha, ganha autenticidade, e mesmo suas discussões por vezes não tão inspiradas, são condizentes com o tema e proporcionam cenas ao mesmo tempo hilárias e intimistas, como por exemplo, a conversa sobre relação pai e filhos de Ollie com Will Smith e a discussão sobre sexo de Ollie com Maya (Liv Tyler). Outro ponto relevante da fita é a escolha da protagonista Raquel Castro, que interpreta Gertie. A menina é tão carismática (seguramente dirigida por Smith), que deixa qualquer marmanjo com vontade der ter uma filha como ela.

O IMPÉRIO (DO BESTEIROL) CONTRA-ATACA (Jay and Silent Bob Strike Back) (EUA) (2001) (120 min.), de Kevin Smith - ***
Quando Jay (Jason Mewes) e Silent Bob (Kevin Smith) descobrem que os personagens de histórias em quadrinhos baseados neles, Bluntman e Chronic, irão ser adaptados para o cinema eles vibram de alegria. Mas logo esta alegria vira raiva quando ambos descobrem que não receberão nada por terem inspirado os personagens. Visto isso, resolvem partir em uma viagem de Nova Jersey até Hollywood a fim de sabotar as filmagens, que estão prestes a serem iniciadas.

Homenagem póstuma a Jay e Silent Boy, seus famosos coadjuvantes, é um trunfo para alguém que era fã e virou realizador, e está aí seu maior pecado. Ao homenagear os dois escatológicos personagens, Smith arranca até que boas risadas dos mais dispostos. Há cenas hilariantes e sagazes, sim, mas a maioria da trama é nada mais, nada menos, que um filme para maconheiros. Quem gostar de comédia barata, com participações pra lá de especiais, vai deleitar-se

Dentre elas, estão Wes Craven, Gus Van Sant, Chris Rock, Alanis Morissette, além é claro, de seu elenco de praxe. O único problema, é que ao passar para o humor físico, que é bem exercido, mas não chega perto do dialogado, Smith dá pinta de perder a linha, mas salva pelo todo. Seu filme mais fraco.

DOGMA (Dogma) (EUA) (1999) (130 min.), de Kevin Smith - ****
O mundo corre o risco de desaparecer. Tudo por causa de Bartleby (Ben Affleck) e Loki (Matt Damon), dois anjos expulsos do céu e que querem retornar a qualquer custo. Para tanto, eles têm um plano: cruzar o portal de uma igreja em Nova Jersey para, absolvidos de seus pecados, poderem retornar ao paraíso. Só que tal ato provaria que Deus é falível e, como conseqüência, a realidade se desmancharia. Para evitar que a tragédia ocorra é montada uma equipe de combate aos anjos, formada pela última descendente de Jesus Cristo (Linda Fiorentino), um 13º apóstolo negro (Chris Rock), dois profetas (Jason Mewes e Kevin Smith) e uma Musa Inspiradora (Salma Hayek).

Contra tudo e contra todos, Kevin Smith deixa sua marca uma vez por todas na história do cinema. ``Dogma`` é transgressor, desrespeitoso, sem concessões, inventivo, por vezes infantil, por vezes excêntrico, altamente crítico, ferozmente polemico e perfeitamente pensado. Smith escreveu o roteiro antes mesmo de filmar seu primeiro longa ``O Balconista``, mas guardou a sete chaves e esperou filma-lo até que tivesse condições para realiza-lo do jeito que queria. E realizou.

Com um orçamento inacreditável para um filme de tal estirpe (satirizando fortemente os dogmas do catolicismo), que só prova a independência e liberdade criativa que já havia adquirido. ``Dogma`` é sim, discutível em vários pontos, não podendo ser unanimidade, e está aí sua maior virtude. É cinema perigo, cinema incomodativo, cinema inescrupuloso. Da que há 50 anos, talvez ninguém lembre de ``Dogma``. Mas que ele incomodou, ele incomodou. (aqui no Brasil, por exemplo, o filme teve exibição proibida nas principais redes de cinema do país, tendo apenas os principais cinemas de arte, restritos a algumas grandes cidades, exibindo o filme)

PROCURA-SE AMY (Chasing Amy) (EUA) (1997) (113 min.), de Kevin Smith - ****
Holden (Ben Afflek) e seu amigo Banky (Jason Lee) ganham a vida fazendo uma tirinha de sucesso em Nova Jersey. Um cotidiano tranqüilo, até que Holden cai de quatro ao conhecer a roteirista Alyssa (Joel Lauren Adams). Não mede esforços para conquistá-la, mas surpreende-se ao descobrir que ela tem a mesma preferência sexual que ele.

Eis aqui o filme favorito de grande parte dos fãs do cineasta, o que é fácil de se entender. Após dois filmes substancialmente cômicos, Smith parte para essa comédia dramática com uma competência e sabedoria do assunto, dignas de nota. O filme pertence ao seleto grupo de títulos que tratam o amor seriamente, ou seja, sem clichês, estereótipos e pieguices. Smith escreveu a história baseada num relacionamento que teve anteriormente, explicando assim, a sinceridade e plausibilidade que a fita possui.

Não que ele saiba mais sobre o amor que outros criadores, mas por eliminar toda e qualquer censura sentimental, expondo assim seus medos, vontades latentes e principalmente erros visíveis, conseguiu fazer um dos melhores filmes sobre relacionamentos amorosos da conjuntura atual. Que seu talento extraordinário para escrever roteiros existe, isto é sabido, e aqui ele deixa uma direção mais apurada de lado, para mostrar o simples, com entrelinhas complexas. O que importa aqui não são os planos, e sim os personagens.

Quase inteiro falado (ou melhor, discutido), ele dá muito mais valor em captar as exposições emocionais, repetindo constantemente uma câmera na mão, levemente tremula, sem um enquadramento perfeito e principalmente sem cortes, conseguindo assim um resultado desconcertante. Há algumas cenas antológicas, onde é impossível ficar indiferente, como na conversa (aliás, discussão) de Holden e Alyssa no meio da pista, ou a outra discussão, agora com Banky presente, no banco na mesma balada, ou a briga de Holden e Alyssa na chuva e também, imprescindível, a briga de Holden e Banky, que é de um resultado intimo fenomenal (Jason Lee até hoje só mostrou tudo que sabe sendo dirigido por Smith, aqui nesta fita, ele chega ao ápice da carreira).

Resumindo, os atores brilham em cena, o roteiro é impecável e a direção, por ter sido deixada em segundo plano, faz parte positivamente da intenção final. Ganhou o premio de melhor roteiro no Independent Spirit Awars. (atenção à cena da lanchonete, onde aparece Jay e Silent Boy, ela explica tudo que foi escrito aqui)

BARRADOS NO SHOPPING (Mallrats) (EUA) (1995) (94 min.), de Kevin Smith - ***
Dois estudantes muito amigos ficam chateados quando suas respectivas namoradas rompem com eles no mesmo dia. Assim, os dois vão ao shopping local para arejar a cabeça e, se possível, encontrar um meio de recuperarem suas namoradas. Mas esta simples ida ao shopping acaba se transformando em uma sucessão de confusões.

Na época de seu lançamento, ``Barrados no Shopping`` foi um sucesso de público, consolidando parte dos admiradores de Kevin Smith, mas foi razoável com a critica, que sentenciou o filme como fraco e colocou o talento promissor de Smith em duvida. A grande verdade é que o filme é uma comédia que cumpre o que se propõe a fazer; uma homenagem aos filmes dos anos 80, sobretudo o cineasta John Hughes, ser situada no universo que Smith viveu (shopping, HQ e tudo que compõe um típico jovem americano de classe media, além de não deixar de lado os diálogos hilários e intimistas do diretor).

Vale como diversão e também como forma de entender a filmografia do cineasta (aliás, é bom ver os sete filmes em seqüências, pois os personagens vão e voltam nas películas, e como um ator interpreta vários personagens, que é o caso de Afflek, pode confundir os menos entendidos no assunto). Jay e Silent Boy estão como sempre presentes e propiciam os momentos mais hilários da fita, mas a melhor cena, sem duvida, é quando Stan Lee, criador de HQ famosas com o Homen-Aranha, Hulk e X-Men, faz uma participação especial.

O BALCONISTA (Clerks) (EUA) (1994) (99 min.), de Kevin Smith - *****
Há dois tipos de balconista: aquele que sempre te recebe com um sorriso e aquele que se pudesse te mataria. Dante é do primeiro tipo: insulta os fregueses quando pode – e quando não pode! Qual dos dois tem razão? Seja bem-vindo ao louco mundo dos balconistas: um mundo repleto de excentricidade, personagens loucos, clientes chatos, atendentes pra lá de estranhos e muito, muito bom humor. Acompanhe um dia na vida dos balconistas Dante Hicks (Brian O'Halloran), que trabalha numa loja de conveniências e Randal Graves (Jeff Anderson), que trabalha numa locadora, dia este em que nada parece dar certo.

``O Balconista`` é a grande obra-prima de Kevin Smith. 1 - porque é seu primeiro filme e 2 - porque até hoje é seu melhor. O filme é também uma das melhores comédias de todos os tempos, sendo constantemente lembrada em listas do tipo, tornando-na assim, um dos sucessos cult mais bem-sucedidos da história do cinema. Seus dados são impressionantes e falam por si só; Kevin Smith tinha apenas 24 anos quando dirigiu a fita, que custou inacreditáveis 25 mil dólares, dinheiro que Smith arrecadou trabalhando durante anos numa loja de conveniência e numa locadora (as mostradas no filme) e vendendo sua coleção de HQ, que ele comprou de volta após o relativo sucesso de bilheteria. Smith decidiu filmar em preto e branco, não por opção estética como muitos falam, mas para deixar a fotografia menos precária, afinal, a câmera era bastante limitada, todos os atores do filme eram amigos e conhecidos do cineasta e o longa fez surpreendente sucesso por onde passou, ganhando importantes prêmios no Festival de Sundance e Cannes.

Ao finalizar a primeira copia de ``O Balconista``, Smith achou que aquilo nunca iria estrear numa sala de cinema e que estava perdido, sem dinheiro, sem rumo e principalmente, sem sua coleção de HQ. Mas ao jogar o filme nos vários festivais do globo, ganhou os principais e foi aplaudido de pé por onde passou. A intimidade com que escreveu o roteiro, seus personagens, situações e diálogos, é até hoje insuperável e inicia aqui a saga proferida nos filmes posteriores. Randal e Dante são dois jovens sem rumo, que trabalham num serviço medíocre e tem de lidar com os diversos dilemas da passagem pra vida adulta. Jay e Silent Boy são dois vagabundos sem solução, que traficam drogas e só pensam em sexo (sempre que aparecem, roubam a cena e graças a esse sucesso coadjuvante, os dois ganharam cada vez mais espaço na filmografia do diretor).

Além deles, existem os diversos clientes e seus estereótipos, que passam diariamente pela vida de quem trabalha atrás do balcão. Impressionante como em poucos personagens e uma hora e quarenta minutos de duração, Kevin Smith conseguiu mostrar mais sobre uma geração que uma centena de filmes produzidos até hoje. A cada ano que passa, a fita melhora, se tornando obrigatório pra qualquer um que estude, ou apenas goste de cinema.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-04-03T12:36:00.002-03:00

GAROTA 6 - ***
(Girl 6) (EUA) (1996) (108 min.), de Spike Lee

O diretor Spike Lee entra a fundo na saga de uma aspirante a atriz negra em Nova York (Theresa Randle). Sem conseguir a ousadia necessária para estrelar filmes em Hollywood, já que sempre a pedem para mostrar os seis, ela se vê sem nenhuma oportunidade, até que “descola” um emprego como operadora de tele sexo. Por ironia, o trabalho é melhor do que aparentava, e além de uma chefe compreensiva ela consegue exercer seus dotes dramáticos dando prazer oral a homens esquisitos. E o envolvimento com a nova função é tamanho, que a conhecida garota 6, referente a seu ramal no tele sexo, inicia uma vida um tanto quanto vertiginosa.

Um dos maiores dialogistas do cinema americano em tempos, o defensor de causas negras Spike Lee passa aqui o bastão do roteiro para uma mulher – Sezan Lori-Parks. Decisão no mínimo acertada, já que a alma feminina da protagonista é capata com maestria. Mas omo de praxe, em boa parte da carreira, o cineasta aparace na trama como um conselheiro perdedor que tem os melhores conselhos (uma espécie de oráculo). Com um primeiro terço envolvente e original, o filme perde fôlego quando se inicia a perda de noção da garota 6. Dando pinta de desastre total, Lee usa e abusa de seu dote especial para criar finais espetaculares. O up do fim já rende ao filme as três estrelas, e em meio a irregularidades de ritmo, contém uma das cenas de beijo mais criativas que já vi. Quando Theresa Randle beija na boca seu affair, num plano aberto, no meio da nrua, caem centenas de telefones daqueles discáveis no meio da rua, tudo em slowmotion. O que seria mais poético para uma operadora de tele sexo que acabara de se apaixonar. Foda. Quem sabe, sabe. Com participações especiais do comedor de cheddar Quentin Tarantino, no papel dele mesmo, e Madonna, no papel de uma dona de casa de strip-tease.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-03-29T18:06:00.002-03:00

FARGO - ****
(Fargo) (EUA) (1996) (98 min.), de Joel e Ethan Coen

Fargo é uma cidadezinha, em Dakota do Norte, que carrega um clima gelado e moradores tão frios quanto. Em 1987, o gerente de uma revendedora de automóveis (William H, macy), que vive uma crise financeira e permanece a mercê de seu milionário sogro, decide criar um plano maluco para angariar dinheiro – contrata dois assassinos para sequestrar sua mulher, sendo que dividiria com os dois o resgate, fixado em 80 mil dólares. Porém, uma série de desventuras causa alguns homicídios, que fazem com que uma policial grávida (Frances McDormand) assuma o caso e tente prender os responsáveis pelos crimes ocorridos. Considerado melhor filme da carreira de dos Irmãos Coen, “Fargo” permanece intacto. Impressionante. As situações arquetípicas propostas pelos Coen, como uma mulher policial grávida honesta que se torna herói no final, os vilões perversos sem nenhum pudor (repetido no recente vencedor do Oscar de melhor filme “Onde os Fracos Não Tem Vez”) e o marido desesperado, que vive a sombra da família da mulher, são aqui explorados com um assaz humor ácido e tênues relações entre tragédia e drama. É discutível o assumido niilismo dos realizadores, algo bem parecido com o cinema de Quentin Tarantino. Mas os irmãos saem na frente, por, pelo menos, serem mais originais. Venceu a Palma de Ouro de melhor direção e o Oscar de melhor roteiro original, merecidos, além da estatueta da academia de melhor atriz para Frances McDormand.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-03-29T17:39:00.004-03:00

A PRIMEIRA NOITE DE UM HOMEM - ***
(The Graduate) (EUA) (1967) (105 min.), de Mike Nichols

Benjamin Braddock (Dustin Hoffman) acabou de se formar na faculdade e retorna para casa, sem muito rumo na vida. Com futuro brilhante almejado pela família, o rapaz acaba se apaixonando pela mulher de um dos sócios de seu pai, Mrs. Robinson (Anne Bancroft), e vivendo uma vida um tanto quanto desleixada, num caso extra-conjugal com a mulher bem mais velha. Porém, numa reviravolta, ele se apaixona pela filha de Mrs. Robinson (Katharine Ross), que após muita confusão, irá se casar com outro. O filme foi um sucesso estrondoso na época, ganhando o Oscar de melhor direção para Nichols e lançando Dustin Hoffman para o mundo. Apesar do charme impoluto, é incrível como o título perdeu força com o tempo. Esquemático e de apelo popular, carrega uma ingenuidade estridente da época – como por exemplo o protagonista que teria 21 anos, e é interpretado pelo trintão Hoffman (e com cara de trintão). Há também “breguices” de câmera, com zoom out e constantes fusões, que nos dias de hoje seriam vistos com olho torto. Entretanto, também é evidente a cena clássica da colocada de meia, alguns diálogos certeiros e a deliciosa trilha sonora de Simon & Garfunkel – imortais. Curiosa é a maneira inteligente de usar a música “Mrs. Robinson”, dos Beatles, de forma assoviada.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-03-29T17:09:00.004-03:00

NÃO ESTOU LÁ - **
(I´m Not There) (EUA/ALE) (2007) (135 min.), de Todd Haynes

A vida e trajetória de Bob Dylan é contada mesclando realidade e ficção, num inventivo roteiro que traz como principal chamariz sete interpretes diferentes que defendem sete fases e facetas distintas na vida do dinossauro do rock. Os escolhidos são Marcus Carl Franklin, Ben Whishaw, Christian Bale, Heath Ledger, Cate Blanchett e Richard Gere, que trazem excentricidade em suas interpretações, como Cate Blanchett representando a fase “respondão” ou “Richard Gere” na fase depressiva e reclusa. As escolhas são corajosas, mas seus resultados, principalmente pela esquisitices das situações propostas, nem sempre convencem. Se você não conhece nada de Bob Dylan, nem ouse se aventurar na sessão. Irá ter longos minutos de chatice. Pois até entre os mais afeiçoados pelo astro, admite-se os exageros. A originalidade da trama é até plausível, mas que não passa de um filme-tese para fãs psicopatas e cinéfilos dispostos. Quem esperava uma versão definitiva, prepare-se para se decepcionar. Os 135 minutos são desgastantes, tudo para poucas cenas digeríveis. Com recepção bastante díspar, seu maior trunfo é ter sido lançado com o homenageado ainda vivo - coisa rara. E indiscutível, então, é a imaculada e magistral trilha sonora folk/rock, e etc e tal.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-03-27T16:21:00.005-03:00

CONCURSO - PORQUE EU MEREÇO MEU PRIMEIRO APE?

Olá pessoal,

Ainda está rolando o concurso cultural promovido pela Jovem Pan e pela MRV que dará um apartamento ao melhor vídeo feito com esse tema.

Fiz um. Quem gostar, e puder votar lá, eu agradeço. É só clicar em cinco estrelas, e colocar um e-mail válido, e depois confirma-lo.

OS IRMÃOS PAIÃO

http://www.cadeomeuprimeiroape.com.br/index.aspx?id=464

Obrigado.

2008-03-22T16:52:00.002-03:00

O Nevoeiro

(The mist) – EUA – 2007

Dir: Frank Darabont

Cotação: ***

Frank Darabont e Stephen King: uma parceria de sucesso. O escritor é um fenômeno editorial, vendendo milhões e sendo aclamado por público e (parte da) crítica ao redor do mundo. Mas, durante muito tempo, viu suas obras se transformarem em filmes pavorosos, com raras exceções. Já Darabont demonstrava seu interesse na obra do “mestre do terror” há muito tempo. Seu primeiro trabalho foi um curta-metragem baseado num conto do livro “Sombras da noite”. Muitos anos depois, e após trabalhar como roteirista em filmes e séries televisivas do gênero, Darabont retomou a obra de Stephen King para sua estréia na direção de um longa metragem, com o excelente “O preço da liberdade”. Darabont acertara ao buscar uma faceta menos conhecida de Stephen King: seu trabalho mais denso e dramático, deixando os monstros e o fantástico de lado. O mesmo aconteceu em sua adaptação de “Á espera de um milagre”, onde o fantástico está presente, mas o foco maior vai para o drama e a relação entre os personagens.

Eis que, anos depois, Darabont retoma a obra de Stephen King, para mais uma vigorosa adaptação. E dessa vez, uma mudança radical; enquanto em seus roteiros anteriores o diretor seguira de forma rigorosa (“O preço da liberdade” e “A espera de um milagre” estão entre os filmes mais fiéis aos livros de onde foram retirados dentre os quais posso me lembrar), em “O nevoeiro” Darabont cria e altera bastante a história original. A sinopse é a mesma, assim como os personagens e os fatos principais; mas há alterações bruscas no comportamento dos personagens e, principalmente, no final. Entretanto, o resultado é muito bom, provando que o cineasta tem talento o suficiente para dar seu toque a narrativa sem estragá-la.

Em “O nevoeiro”, a premissa aponta um simples filme de terror. Um misterioso nevoeiro paira sobre uma cidade interiorana, logo após uma tempestade. Prevendo chuvas fortes, as famílias vão ao mercado para se abastecerem para os dias isolados em suas casas. O protagonista David Drayton e seu filho vão fazer suas compras, assim como muitos outros. Quando estão no mercado, são surpreendidos por um homem sagrando, que entra desesperado no local; ele diz que ninguém deve por os pés para fora do recinto, pois há algo no nevoeiro. E é em torno disso que todo o filme irá girar.

Toda a tensão reside em saber o que há no Nevoeiro, e o que pode fazer. A tensão dentro do estabelecimento cresce, grupos se formam, e uma fanática religiosa, a Sra. Carmody, proclama o fim do mundo e a expiação dos pecados. Darabont consegue definir muito bem seus personagens, apoiando-os em arquétipos clássicos, entretanto, conseguindo fugir dos estereótipos, fazendo com que a narrativa se torne interessante, pois o espectador conhece e se importa com as pessoas que estão em perigo constante. Também fica clara a fragilidade da situação em que eles se encontram, pois o mercado é cercado por paredes de vidro, e tudo que eles possuem para proteção é um único revolver. Mais uma vez, Darabont se foca nos personagens, mesmo tendo uma história fantástica nas mãos. E, como muitas vezes na obra de King, a religião é colocada em pauta, sendo questionada e atacada, através da Sra. Carmody, mas de uma forma um tanto quanto exagerada. A personagem é interessante no começo, mas sua progressão é repetitiva e irritante, até o momento que rende uma grande cena do filme, onde uma tensão praticamente insuportável tem um alívio momentâneo.

Porém, o que mais decepciona no filme é o seu final, modificado da versão original de Stephen King, desesperançoso e aberto. Darabont cria uma “pegadinha do malandro” que desagrada por ser forçada, irreal e de um grande impacto desnecessário. Mas isso não é o suficiente para estragar o filme, que é intenso por todo o tempo.

2008-03-21T14:40:00.004-03:00

MEU AMOR DE VERÃO - ***
(My Summer of Love) (ING) (2004) (86 min.), de Pawel Pawlikowski

O filme narra a fulgurante relação entre duas jovens do mesmo sexo que se descobrem apaixonadas. Yorkshire, interior da Inglaterra, cidade repleta de campos verdade e belas paisagens, é cenário para o encontro da desajeitada e rebelde Mona (Nathalie Press) com a encantadora e dominante Tamsin (Emily Blunt), que num início de apenas amizade, logo se torna uma perigosa relação mais íntima. Aos poucos as garotas são mau vistas pelas pessoas, e quem mais rejeita a situação, é o irmão mais velho de Mona, Phil (Paddy Considine), um antigo beberrão, que se converteu ao cristianismo e agora prega pelos bons costumes.

Vencedor do BAFTA de melhor filme inglês, esta fita independente causou frisson em bilheterias inglesas, quando lançada, virando rapidamente o coque luxe dos cinéfilos/as GLS. Realmente, não deixa de ser tocante a maneira como Pawlikowski dirigi-na. Num tom intimista, rico em tempos mortos, e quase todo em câmera na mão e com muitos zoons, o efeito pretendido de entrar a fundo na alma de suas personagens, foi conseguido com êxito. O roteiro se dá melhor quando é imoral, e deve e muito ao talento das protagonistas – Nathalie Press está ótima, porém o show a parte fica para a lindíssima Emily Blunt (que mais tarde faria “O Diabo Veste Prada”). Ponto forte também, é sua curta duração, que o impede de ficar cansativo. Está longe de ser um marco do gênero, e carrega alguns vícios de temáticas homossexuais já batidas, o que o impede de ser inesquecível. O final, que agradou a muitos, poderia ter mais tragicidade – mas isso é discutível.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-03-21T13:31:00.002-03:00

MORTE NO FUNERAL - **
(Death at a Funeral) (ING) (2007) (90 min.), de Frank Oz

Quando um patriarca inglês morre, sua família cheia de problemas e segredos reúne-se para prestigiar o funeral do velho. Enquanto um dos filhos prepara tudo para que seu pai descanse em paz com organização, o outro só pensa em paquerar as mulheres. E para temperar ainda mais o evento, o namorado da prima ingere acidentalmente drogas e inicia uma séria de delírios, além de um anão, que aparece com fotos reveladoras afirmando ser o amante do defunto, e assim, pedindo uma quantia em dinheiro para ficar calado e não potencializar ainda mais a confusão. Infelizmente o diretor de comédias Frank Oz não soube conduzir por inteiro esta ótima premissa. O humor negro proposto inicia-se bem, logo na primeira cena, mas perde fôlego e cai no monótono com piadas sem grande novidade e insossas interpretações. E o que poderia ser uma tragicomédia das boas, limita-se a algumas cenas cômicas descentes, mas com um todo sem grande inspiração. Com Matthew Macfadyen e Keeley Hawes.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-03-15T15:52:00.004-03:00

JOVENS, LOUCOS E REBELDES - ****
(Dazed and Confused) (EUA) (1993) (94 min.), de Richard Linklater

Narrado em tom de crônica pelo prodígio Richard Liklater, que com este filme estreara seu primeiro sucesso, e que serviria de pano para as obras-primas “Antes do Amanhecer” (1995) e “Antes do por-do-sol” (2004). Em narrativa deliciosa, “Jovens, Loucos e Rebeldes” foi rodado na década de 90, caracterizado pela década de 70, mas sua trama carregada de costumes jovens atemporais, caberia desde a década de 50 até os dias de hoje. Façanha e tanto conseguida pelo cineasta que voltou a cidade onde cresceu para escrever e filmar esta autobiografia repleta de referencias ao rock, ao sexo, ao amor livre e as drogas. Numa época onde o sexo ainda era seguro, a maconha ainda era um tabu, o álcool era o principal lubrificante social (pouco mudou) e a adolescência, como conceito, tinha seu auge, Linklater se utilizou espertamente dos já manjados esteriótipos estudantis, e ao invés de ingressar em seus mundos, como fez a maioria posteriormente, juntou todos e os colocou num mesmo acontecimento (no qual o longa todo se passa) – o “trote” de uma escola americana.

O processo de passagem do ginásio para o colegial é posto no ponto de vista de “bixos” e “veteranos”, em seus rituais de passagem, espectativas, problemas, e claro, festas e zoação. Enquanto as meninas deitam no chão e imitam um bacon fritando, os meninos tentam, mas não conseguem fugir dos golpes de madeira nas nádegas. Enquanto os mais velhos se preocupam em como vão festejar a noite, os mais novos estão afoitos, e ao mesmo tempo curiosos ao que os esperam. Os mais sortudos serão iniciados nesse tresloucado e insano mundo de diversão.

A trilha sonora antológica, contém gigantes do rock como Aerosmith, Black Sabbath, Kiss e Bob Dylan. Mas o curioso mesmo é ver as caras de, na época em início de carreira, Ben Affleck, Matthew Maconaughey, Milla Jovovich e Adam Golberg. É inevitável reparar como o filme influenciou tantos outros nos últimos anos. Alguns que nem chegam aos pés, outros tão bons quanto. Estes, que conseguiram realçar a alma do gênero, trazem consigo muito mais que uma comédia de costumes, e sim um estudo pitoresco e divertido sobre uma faze do ser humano tão vislumbrada.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-03-12T16:27:00.006-03:00

Piaf – um hino ao amor

(La môme) – 2007 – França

Dir: Olivier Dahan

Cotação: ***

Indicado aos principais prêmios do ano passado, em diversas categorais (principalmente para Marion Cotillard, como melhor atriz) como o Oscar, o Globo de Ouro e BAFTA, prêmios de sindicato; sem contar que o filme faturou quase tudo no Cesar ( o "Oscar" francês). “Piaf” foi uma grata surpresa. Fez razoável sucesso no Brasil e foi fenômeno de público na França. Graças a fama da cantora Edith Piaf, conhecida mundialmente pela sua voz e pela sua tumultuada vida. Nessa cinebiografia, o diretor Olivier Dahan reconstitui toda a trajetória de “La Mome”, desde o nascimento até a morte.

Contado de forma não-linear, o longa busca desvendar o estranho e agressivo comportamento de Piaf, associando-o a sua infância sofrida, passada num bordel. E há progresso de seu canto, desde uma simples cantora de rua, como a mãe o era, até o último show, num grande teatro para um público emocionado. A estrutura criada para contar a história é intrincada, sem obedecer a nenhum esquema lógico, o que diminui a intensidade emocional da trama no espectador. Caso o filme fosse contado de forma tradicional, linear, seria muito mais intrigante, pois mergulharia o público na vida da cantora, e principalmente, na sua gradual (mas rápida) queda.

O ponto forte do filme está em sua atriz principal, a bela Marion Cotillard, que foi transformada em Edith Piaf através de um complexo e impressionante trabalho de maquiagem, recompensado com os prêmios da categoria no BAFTA e no Oscar. Tanto na forma como foi criado um rosto “artificial” para Cotillard, com pelo envelhecimento dramático, sofrido e precoce de Piaf, devido aos seus abusos. Realizado de forma cronológica, essa trajetória de ascensão e queda teria mais impacto. Da mesma forma, o roteiro praticamente ignora os personagens secundários, focando-se apenas em Piaf, o que é prejudicial. Para mostrar uma pessoa e sua personalidade, também é necessário saber sobre aqueles que a rodeiam, já diria o velho ditado.

Tirando o erro de quebrar a linearidade do filme sem motivos justificáveis, e alguns excessos no roteiro, que acabam por transformam Piaf em uma histérica em alguns momentos, o filme consegue cumprir bem seu papel, sendo um bom filme biográfico e gratificando os fãs da cantora. Tecnicamente muito apurado, tem na fotografia e direção de arte um trunfo para aumentar a força de suas melhores cenas, como o plano-seqüência no qual Piaf descobre a morte do marido. Para terminar, adianto que o filme se fecha com uma belíssima cena, que é o grande momento do filme, e da carreira de Piaf. E reparem na letra da musica, nada mais perfeito para encerrar a trajetória da talentosa e mítica cantora.

2008-03-10T03:20:00.008-03:00

CACHECOL, BOINA E CAVIAR (OU MUFFINS)!

Eu não gosto de cachecol. Muito menos de boina, e nunca experimentei caviar. Gosto de muffins, mas prefiro os donuts, mais populares. Ou seja, não posso ser considerado um esteriótipo de cineasta. Sou no máximo um babaca pseudo. Independente de se rodar em película ou digital, cineastas jovens ainda carregam muitos dos esteriótipos mantidos por alguns dos antigos diretores de cinema. Sobretudo no Brasil. Posers como Glauber Rocha, conseguiram apadrinhar uma porção de moços e moças endinheirados, que se condicionam artistas sem mesmo fazer arte, e normalmente querem quebrar doutrinhas, sem mesmo as conhecê-las. Glauber Rocha se achava maior que o cinema. Tanto que criou um termo para o mesmo – denominado “Kynema”. Porém, Glauber, mesmo pretensioso ao extremo, era um cineasta. Fazia seus filmes. Alguns bons (“Deus e o Diabo..”), outros pavorosos (“Terra em Transe”). Hermetismo a parte, ele fazia. E a pessoa é o que faz. Hoje em dia, muitos são posers sem sequer fazer filmes.

Eu gosto de Walter Salles. O filho de banqueiro milionário sabe contar uma história como poucos aqui no país. Tanto que, merecidamente, está alçando vôo lá fora, pragmatizando cada vez mais sua carreira internacional. Alguns tacham Walter Salles de filhinho de papai, criado a leite com pêra, que ao invés de jogar bola no terrão, ia andar de jet ski na França, e voltou para fazer filmes retratando a miséria do país. Esses mesmos o acusam de fazer cinema para ser artista, para ganhar festivais, ser cool e fazer amizades com posers do mundo inteiro. Discordo. Em partes, claro. O que vejo em Walter Salles, assim como em seu irmão João Moreira Salles (O Joãozinho!), é uma busca por um sentido na vida. Pode parecer piegas dizer isso de alguém que nasceu em berço de ouro e nunca sentiu nada que mostra na pele. De fato é. Mas os dois se mostram, de certa forma, convictos no que fazem. São centrados em suas entrevistas, coesos em suas atitudes, e sobretudo, seus filmes, não são chatos (em sua maioria). Seja Waler na ficção, contando histórias (coisa que uns acham ser simplista), seja João, sua versão documental.

Eu não gosto de Bruno Barreto. Não por motivos pessoais. Não por ele usar cachecol, boina e comer caviar. Mas sim, porque não vejo nele, convicção. Vejo, sim, uma vontade enorme de aparecer e se condicionar cineasta. De dar entrevistas, falar bonito, usar boas roupas, frequentar boas festas, ser bajulado, mas nunca, nunca mesmo, vejo nele convicção, e principalmente – desejo de contar histórias – que é a essência do cinema. Numa de suas declarações mais evidentes, o mesmo responde a um repórter após o lançamento de “O Casamento de Romeu e Julieta”, que nem sabe porque tinha feito aquele filme, pois odiava futebol. Sem mais. Todos os seus filmes são assim. Oportunistas. Nada contra fazer cinema de mercado no Brasil, pelo contrário. Ele é mais do que necessário, é fundamental. Porém, em seus filmes, sempre há aquela maneira rasteira, pouco aprofundada, mentirosa, boba, safada, picareta, de se entrar nos temas. Vide seu último longa, “174”, ainda inédito, que tem potencial para ser um dos piores filmes da retomada. Sério.

O jovem cineasta mais famoso do país é Esmir Filho. Que também nasceu em berço de ouro. Ele ainda nem terminou seu primeiro longa, mas seus curtas obtiveram importantes prêmios mundo afora. Assisti seus curtas. São ótimos. Esmir tem pulso firme na direção, e sem mesmo ter uma longa carreira, já faz cinema autoral. Estéticamente lindos, seus filmes agradam a quem olhar. Esmir faz o tipo cachecol, boina, e caviar, assim como Salles. Mas assim como Salles, ele conta histórias com convicção. E as conta muito bem. Na rabeira de Esmir, existem muitos outros jovens “cineastas” endinheirados em busca de reconhecimento. Alguns realmente buscam contar histórias, por mais distante que elas sejam de sua vivência. Outros só querem a fama, a pose. Enfim, as figuras do cinema brasileiro são maioritariamente pessoas de forte poder aquisitivo. Que nasceram para ser “reis”. Nada contra. Mas eles tem dois caminhos – serem “Salles”, ou serem “Barreto”. E sem tomar conclusões totalmente fechadas, só afirmo uma coisa – independente do que for contar, conte com convicção.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-03-09T15:33:00.003-03:00

O rei da comédia

(The king of comedy) – 1983 – EUA

Dir: Martin Scorsese

Cotação: ***

Martin Scorsese é um dos maiores cineastas, talvez até o maior, dentre os americanos vivos. Sua obra é composta por obras primas como “Taxi Driver”, “Touro Indomável”, “Os bons companheiros”, “Cassino”, entre outras. Porém, no passado e ainda tentando se estabelecer como diretor, Scorsese realizou filmes “menores”, sem a complexidade e a qualidade de seus mais marcantes trabalhos. Entretanto, “O rei da comédia” foge dos padrões, pois foi lançado logo após o êxito da parceria Scorsese-De Niro, que resultou nos melhores filmes do diretor.

E o resultado deixou os críticos e público sem saber o que pensar. Robert De Niro e Scorsese juntos novamente, mas num filme completamente inusitado. “O rei da comédia” conta a história de Rupert Pumpkin, um homem solitário e fanático pelo humorista Jerry Lagford (Jerry Lewis). Assim como muitos anônimos, Pumpkin segue o seu ídolo após os shows. E, assim como outros milhares, pensa ser um comediante talentoso ainda não descoberto.

O filme de Scorsese explora bem a dualidade da situação. Ele constrói ambos os personagens com carinho; Pumpkin é retratado com um grande perdedor. Com mais de 30 anos, ele ainda não é financeiramente independente; mora com a mãe e esconde todas suas tralhas no sótão, onde cria um verdadeiro local de culto ao comediante Jerry Langford. Também é lá que ele escreve suas piadas, e grava participações imaginárias no programa de Langford.

Já Jerry é mostrado como um homem amargurado, apesar do bom humor nos shows da TV. Cansado da tietagem dos fãs, do assédio abusivo e da invasão de sua privacidade, Jerry caminha pelas ruas cabisbaixo, respondendo monossilabicamente os cumprimentos e elogios das pessoas.

E tudo muda na vida desses dói homens quando Pumkin consegue furar o bloqueio dos seguranças e invadir a limusine de Jerry. Acuado, o comediante trata Pumpkin de forma educada, enquanto este lhe pede uma participação em seu show. Evitando algum possível mal-estar, Jerry pede para que Pumpkin liga para seu escritório e marque uma reunião. Claro que ele só está sendo gentil, mas o fanatismo de Pumkin faz com que isso se torne o centro de sua vida. Ele passa a persegui incansavelmente o astro, em busca de sua chance de se apresentar no “Jerry Langford Show”.

A partir daí Scorsese acerta ao começar alternando entre fantasias de Pumpkin, que se imagina já no show, sendo cumprimentado por todos e saudado como o novo “Rei da comédia” e trechos tristes e depressivos, em que Pumkin se esconde no sótão pra escrever piadas e gravá-las em uma fita. A única amiga de Pumpkin é uma outra fanática por Jerry, mas não se pode dizer que seja uma amizade real; é mais um coleguismo entre pessoas que buscam as mesmas coisas, que em certos momentos se ajudam e em outros disputam a atenção do ídolo.

Uma das características mais importantes de Pumpkin no filme é que nunca se sabe até que ponto ele pode chegar. Sua paciência parece inesgotável e sua vontade infinita. Outro ponto interessante é que, durante quase todo o filme, o aspirante a comediante não faz piadas. Seu talento para o humorismo não pode ser avaliado. Dessa forma, o espectador não sabe se aquele homem está correto em suas ações, pois sabe que tem talento e precisa apenas de uma chance; ou se ele é apenas mais um louco em busca de notoriedade.

Mas Scorsese erra na forma como trata visualmente o seu filme. O assunto é tratado de forma dramática, como realmente deveria, com algumas leves piadas. Entretanto, a cenografia e o figurino sugerem uma comédia rasgada. Rupert Pumpkin, um homem que age de forma séria e tímida, se veste com um palhaço de circo, o que não condiz com sua personalidade.

Quando questionado da razão de sair de filmes como “Txi Driver” e “Touro indomável” para algo mais leve, e trazendo novamente seu astro Robert De Niro , Scorsese revelou que ele jpa lera o roteiro anos atrás, mas o achara exagerado. Mas, quando ele e De Niro ficaram famosos, lembraram do roteiro e da veracidade de suas situações. E decidiram que era hora de realiza-lo.

2008-03-09T01:27:00.007-03:00

JURASSIC PARK – PARQUE DOS DINOSSAUROS - *****
(Jurassic Park) (EUA) (1993) (101 min.), de Steven Spielberg

Um milionário constrói um parque de diversões, cuja principal atração são dinossauros pré-históricos. John Hamonnd, ao lado de parceiros cientistas, descobrem uma maneira primorosa de dar vida a dinossauros verdadeiros, através de um inseto fossilizado, que tinha sugado sangue dos animais, e isolando o DNA, conseguiu-se recriá-los em laboratório. Porém, o parque foge do controle dos humanos, que ficam a merce dos seres fora de seus habitats. Com Sam Neill, Laura Dern, Jeff Goldblum e Samuel L. Jakcson.

A melhor (disparada) aventura da década de 90 continua intacta. Impressionante. Seus efeitos especiais, pasmem, de 1993, seguem muito convincentes, além da história absurda narrada pelo famoso diretor agradar como se fosse um lançamento. Se o elenco não dá show (porém, permanece aceitável), todo o resto se encarrega da diversão. Seja o roteiro bem estruturado (há algum do cineasta que não é?!), carregado de boas piadas, seja na montagem agregando tensão, seja na direção magnânima de Spielberg. Um marco na história dos blockbusters, faz surgir até uma certa nostalgia de uma época áurea para o cinema de entretenimento Hollywoodiano. Altamente exagerado, tem nisso sua maior força. E além das cenas de ação, são típicos o emocionalismo aberto, característico de Spielberg. Quem sabe, sabe. O tempo diz. Podem falar o que quiserem, Spielberg é o cara!

O MUNDO PERDIDO, JURASSIC PARK - *
(The Lost World: Jurassic Park) (EUA) (1997) (128 min.), de Steven Spielberg

Quando o oportunismo da recriação dos dinossauros cai em mãos erradas, um grupo de pessoas tenta capturá-los e levá-los para os Estados Unidos. Sofrível, manchou inegavelmente a imagem da série. Com situações forçadas, já sem o mesmo carisma da primeira fita, e mesmo superando os efeitos digitais, detém constrangedoras cenas de ação e melodrama. Um equívoco! Com Julianne Moore.

JURASSIC PARK 3 - ***
(idem) (EUA) (2001) (91 min.), de Joe Johnston

Um casal de milionários contrata o paleontólogo Alan Grant (Sam Neill) para acompanhá-los numa expedição na ilha Sorna, onde há um boato que dinossauros vivam normalmente no local. Mas um acidente os pega de surpresa e faz com que eles enfrentem os animais. Execrado por grande parte da crítica, é considerado tão fraco quanto o segundo. Não se engane. Spielberg fez certo em passar o bastão, que fez com que a trilogia ganhasse novo fôlego. Nada se inova, porém a ação rola solta, mais que o original até, numa absurda e divertida continuação. Para quem é fã do enredo, e quer pouco pensar, apenas se entreter, é uma ótima pedida. Com Téa Leoni.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-03-07T04:28:00.010-03:00

Meu Top 5

Os melhores filmes de todos os tempos

por Murilo Costa

Antes de mais nada, acho importante dizer que esse é o MEU top 10. Pode parecer uma informação redundante, mas não é. Para alguém que viu muitos clássicos, e já leu muitas listas dos filmes mais cultuados da história do cinema, seria fácil escolher grandes unanimidades e fazer algo sem comprometimento pessoal; apenas uma constatação histórica. Entretanto, darei a cara a tapa com uma lista que pode ser considerada ultrajante para alguns cinéfilos.

E também peço desculpas por um post desses, mas ando meio sem tempo, então aceitem essa safadeza como um post relevante. Nem preciso dizer o quanto recomendo cada um dos filmes abaixo, partindo do pressuposto que são meus favoritos. Terminem de ler e corram para as locadoras, ou para o Torrent mais próximo. Começando por...

#1 - Paris, Texas

O filme de Wim Wenders não é uma unanimidade. Muitos sequer o colocariam entre os três melhores do diretor alemão. Entretanto, é uma obra prima. O modo como Wenders cria seus personagens e vai apresentando sua história, no início nebulosa, é magistral. Harry Dean Stanton faz o homem perturbado e recluso, que volta a civilização e reencontra o filho. Não contente, ele ainda partirá em busca do grande amor de sua vida. E a transição do protagonista é crível, mesmo sendo grande. Sem contar que o filme tem uma das mais belas cenas da história do cinema, na qual o personagem de Harry Dean Stanton conversa com Natassja Kinski através de um telefone, ambos separados apenas por um painel de vidro, mas muito distantes da mesma forma. Difícil não chorar.

#2 – O sétimo selo

Esse sim é inquestionável, estaria em 9 de 10 listas, Entretanto, não há como negar. Bergman realizou uma das maiores obras do cinema. A história do cavaleiro errante, que só descobre o valor da vida ao encontra a morte pessoalmente, é tocante. O duelo de xadrez de Max Von Sydow com a morte é um dos momentos mais lembrados da sétima arte. E o convívio entre os remanescentes da peste, pessoas humildes e errantes, sempre tendo a doença e o medo como pano de fundo, é de uma alegria contrastante com a agonia do cavaleiro, que sabe que está prestes a morrer.

#3 - Beijos Roubados

Truffaut teria lugar nesta lista também com “Os incompreendidos”, genial. Mas, no páreo entre os dois filmes, prefiro este. Gosto pessoal, mesmo, a maioria dos críticos nem pensaria para escolher. O que motiva essa opinião é o ritmo do filme e sua leveza. De forma brilhante, Truffaut cria uma comédia leve, com boas doses de romance, trazendo de volta seu alter-ego “Antoine Doinel”, tudo com uma sutileza raríssima. Tem-se a impressão de estar numa crônica francesa, tamanha a facilidade do diretor em retratar de maneira bem humorada o cotidiano e os tipos franceses.

#4 - Taxi Driver

Scorsese é um diretor de muitos grandes filmes, alguns deles as maiores obras primas do cinema americano moderno. E o que dizer de Taxi Driver, o maior dentre os filmes do diretor? Com seu modo revolucionário de fazer cinema, que resgatava o foco nos personagens e em histórias minimalistas, o diretor ítalo-americano logo se diferenciou dos demais cineastas da década de 70, que faziam os populares filmes-catástrofe. E deixou uma marca autoral reconhecida, principalmente ao tratar do universo das ruas americanas e de pessoas desajustadas. Travis Bickle (Robert De Niro) é uma dessas pessoas que não se encaixam na sociedade. E “Taxi Driver” é sobre ele e sua missão auto imposta de salvar a América da sujeira.

#5 – Rushmore

Talvez o mais polêmico filme da lista, o menos reconhecido pela crítica. E, ao mesmo tempo, um dos que mais me atingiram, desde a primeira vez que o vi. Ainda lembro do dia em que vi Max Fischer falando português na tela do SBT; desde o começo a história me intrigou, e acompanhei boquiaberto aquele filme tão diferente de tudo que eu já vira. Quando os créditos surgiram na tela, eu lutava pra segurar as lágrimas, que deixavam meu olho marejado. O tempo passou e eu me esqueci do nome daquela obra de arte. Apenas anos depois, passando os canais da TV a cabo, me deparei com Max Fischer, dessa vez em seu idioma original. Parei para assistir. Novamente, fiquei emocionado quando os créditos subiram; mas agora eu sabia o nome do filme e daquele diretor absolutamente genial: Rushmore, de Wes Anderson.

Dali em diante ainda revi o filme mais duas vezes na íntegra, além de trechos no Cinemax, sem nunca enjoar ou deixar de gostar de alguma cena. Impecável em cada aspecto e impregnado com a marca pessoal de Wes Anderson, um dos maiores autores da nova safra de cineastas.

2008-03-07T03:30:00.003-03:00

PERGUNTE AO PÓ - ***
(Ask The Dust) (EUA) (2006) (117 min.), de Robert Towne

Um escritor convicto, mas com pouca inspiração, Arturo Bandini (Colin Farrell), muda-se para Los Angeles em plena década de 30, em busca de fama e dinheiro. Sem muitos tostões no bolso, ele hospedasse num hotel barato, e logo se vê sem emprego, sem reconhecimento, sem dinheiro e sem sequer conseguir escrever. Aflito, conhece a garçonete Camilla Lopez (Salma Hayek), uma mexicana que tem o sonho de casar-se e conseguir um emprego melhor. Numa relação perturbada, os dois começam a namorar, carregando sentimentos como ciúmes, tesão e ódio, a todo momento numa intensão paixão. Com Donald Sutherland.

Robert Towne esperou mais de vinte anos para filmar “Pergunte ao Pó”. Roteirista de “Chinatown” (1974) (considerado recentemente por uma importante revista como o melhor roteiro de todos os tempos – pasmem), o aqui diretor consegue um entusiasmante resultado, que poderia ser um épico com uma pitada a mais de ousadia. Ponto positivo para a escolha do casal protagonista, o ótimo Colin Farrell, quase sempre convincente, e a já estereotipada, e linda, Salma Hayek (que relutou ao papel, por medo, claro, da marca de personagem mexicana – que ela faz como poucas). Num roteiro que, segundo os fãs do livro, não trouxe toda a riqueza do texto original de John Fante, mas que tem momentos de densidade consideráveis. Numa direção de arte e fotografia marcantes, possui momentos de pico – como por exemplo, as tórridas e excitantes cenas de amor e brigas, quase sempre casadas, e a bela sequência da praia. Quer saber o final? Pergunte ao pó.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-03-04T14:12:00.005-03:00

O TEMPO QUE RESTA - ***
(Le Temps qui reste) (FRA) (2005) (85 min.), de François Ozon

Romain (Melvil Poupand) é um renomado fotógrafo de moda gay, que aos trinta e poucos anos descobre um câncer terminal. E nos seus últimos dias de vida, sua escolha é ser cruel com as pessoas ao seu redor. Algumas surpresas rondarão seu destino, mas uma coisa é certa – a morte. Com Jeanne Moreau.

Mais um comovente retrato humano proferido pelo joven diretor François Ozon. Temática homosexual a parte, o personagem principal age num momento crítico, como talvez a maior parte das pessoas agiriam se estivessem em sua situação – ao invés de chorar e louvar as coisas belas da vida, culpar a Deus e o mundo por sua tragédia. E é nesse clima ríspido que o roteiro propõe diálogos dilacerantes, e uma intimista fotografia. De final “poético”, o filme emociona.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-03-02T19:40:00.004-03:00

AMOR EM 5 TEMPOS - ***
(5X2) (FRA) (2004) (90 min.), de François Ozon

Curto e grosso, Fraçois ozon apresenta o relacionamento de Marion (Valeria Bruni Tadeschi) e Giller (Stéphanie Freiss), em cinco segmentos, e de trás pra frente. Começando com sua separação, indo até o momento no qual se conheceram.

Taxado por alguns como o seguidor mais voraz do recém falecido Ingmar Bergman, o joven cineasta francês, por isso, aguenta críticas severas ao seu trabalho, agora taxado por outros como cópia barata Bergniana. Quem não tiver essa cisma, pode apreciar o belo trabalho de atores e narrativa que o diretor propõe. Ao inverter os triviais atos de uma comédia romântica comum, por exemplo, tem-se a constatação de que sabemos tudo que vai ocorrer, mesmo de trás pra frente. E entre um clima sufocante de incomunicabilidade, ainda há espaço para pequenas surpresas, como a da última cena, que reflete e muito as intenções de Ozon. Com Géraldine Pailhas e Françoise Fabian. No DVD, há a possibilidade de assistir ao filme na ordem cronológioca correta.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-03-02T19:15:00.003-03:00

POLAROIDES URBANAS - *
(Idem) (BRA) (2008) (82 min.), de Miguel Falabella

A vida de vários personagens é entrelaçada de maneira cômica, porém com um quê de tragédia. Centrado nas mulheres, o filme narra os casos de uma atriz em fim de carreira, uma empregada que assume a maternidade da filha da patroa, uma jovem em conflito com a mãe, uma terapeuta problemática e uma dona de casa sem muito otimisto, que são narradas junto das relações delas com os homens o qual o cerca. E tudo se passa no mundo em que vivem – a já esteriotipada cidade do Rio de Janeiro.

Na rabeira do fenômeno de público “Se Eu Fosse Você” (2006), de Daniel Filho, que levou mais de três milhões de pessoas aos cinemas ano retrazado, Miguel Falabella estréia na direção de longa-metragens com uma tentativa mau resolvida de drama e comédia, visando, claro, o grande público. Adaptação de peça própria, “Como Encher um Biquini Selvagem”, o roteiro poderia ter menos vícios novelescos, que se sairia melhor. Falta o que há de sobra no cinema recente argentino – ternura. Há situações caóticas de dramaturgia, sim, porém acha-se ainda boas piadas, quase sempre na boca da veterana Marília Pera.

Produzido pela LC Barreto, produtora mais tradicional e vitoriosa da história de nossa cinematografia, que últimamente vem se gabando por lançar os piores filmes nacionais possíveis. “Polaroides Urbanas” não chega a ser pavoroso quanto o ainda inédito “174”, de Bruno Barreto, mas é para ser ignorado. Com Arlete salles, Otávio Augusto e Juliana Baroni.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-02-29T16:04:00.006-03:00

SWEENEY TODD - O BARBEIRO DEMONÍACO DA RUA FLEET - ****

(Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street) (EUA/ING) (2007) (116 min.), de Tim Burton

Um renomado barbeiro retorna a Londres em busca de vingança por ter sido separado durante 15 anos de sua filha e esposa, em função da inveja do juiz da cidade, o implacável juiz Turpin (Alan Rickman). Sob a nova identidade de Sweeney Todd (Johnny Depp), ele conhece Lovett (Helena Bonham Carter), uma confeiteira que faz as piores tortas da região, e junto com ela, reabre sua barbearia com intenções não tão nobres. A partir daí, Todd fará tudo para matar Turpin e reaver sua mulher e filha. Com ótima participação de Sacha Baron Cohen (O Borat).

Burton é um Woody Allen do horror faustino. Seus filmes mais fracos normalmente são melhores que a maioria do gênero - O que ocorre com “Sweeney Todd”. Após dominar 2005 com duas magníficas fitas, “A Fantástica Fábrica de Chocolate” (2005) e “A Noiva Cadáver” (2005), Burton parou para realizar seu filme mais mórbido. E ainda num musical. Com seu elenco de praxe, há muita cantoria, algumas com letras inspiradas e cenas de humor acima do negro. Na mais extraordinária, vemos cadáveres humanos pendurados como se fosse um frigorífico. Porém, a melhor cena da fita fica, curiosamente, com a mais clean, quando a personagem de Helena Bonhan Carter imagina sua vida de casada tranquila com Todd - numas das mais belas sequências do ano. Dentre uma direção de arte magistral (ganhadora do Oscar), e a direção sempre ousada do cineasta, temos um despudorado musical de terror. Quem se propor a entrar mais uma vez em seu universo, ganhará uma ótima sessão. Só poderia ter 15 minutinhos a menos.

Respeitosamente,
Graziano.

2008-02-26T16:42:00.005-03:00

O HOSPEDEIRO - ****
(Gwoemul) (Coréia do Sul / Japão) (2006) (119 min.), de Bong Joon-ho

Uma cidade é surpreendida pelo ataque de um misterioso monstro que surgiu graças a irresponsabilidade de empresas químicas a bera do rio Han. No local, mora uma família composta por Hie-bong (Byeon Hie-bong), o patriarca dono de uma barraca de peixes num parque próximo, seu filho mais velho, o abobalhado Kang-du (Song Kang-ho), pai da garotinha Hyun-seo (Ko Ah-sung), e seus tios, a arqueira da seleção olímpica coreana e um desempregado com diploma na mão. Após ataques traiçoeiros, o monstro rapta a pequena Hyun-seo, fazendo com que sua família parta em seu resgate. Enquanto isso, as forças armadas e o governo coreano buscam armas para barrar o monstro.

Mais uma prova fílmica de quanto os orientais estão a frente do ocidente em originalidade e audácia. Sem reinventar o gênero em sua forma, “O Hospedeiro” é um dos melhores títulos de 2006, ao mesclar sem pudor num filme de monstro, aventura/catástrofe, drama familiar, comédia pastelão e crítica política. Num começo “clichêzaço”, parece até como provocação ao tom inventivo que a trama apresenta no decorrer. A criatura que dá nome ao título, é uma impressionante criação em GC, creditada a empresa de Peter Jackson, a Weta Workshop. E para temperar o conflito principal, Bong Joon-ho e seus co-roteiristas, inspirados, inserem um humor sarcástico sensacional. Tão notável quanto, são as implícitas tiradas político/sociais, mais pertinentes que muitos filmes superestimados atuais. E a fita ainda acha lugar para sustos característicos do gênero, além de uma certa comoção dramática no final, que é lindo.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-02-25T10:45:00.006-03:00

No Country For Oil Men

Em anos não viamos uma noite tão cheia de bons indicados concorrendo as princípais categorias do Academy Awards (ou Oscar, como preferir) como este ano que aqui estamos. A única certeza que teríamos era que dessa vez independente do vencedor, o prêmio seria bem entregue. E foi o que aconteceu, Desejo e Reparação, Juno e Sangue Negro corriam por fora, mas não teve jeito. A noite era dos irmãos Coen.

Com algumas boas piadas John Stewart conseguiu conduzir bem a premiação, porem a greve dos roteiristas quase não foi citada, o que teria rendido alguns momentos memoraveis para esse ano que ficou marcado pela enfim luta dos roteiristas pelo seus direitos.

As surpresas do ano ficou para categorias menores. Ultimato Bourne acabou levando 3 estátuetas para casa (som, edição de som e montagem), o que vai lhe render um bom ano de vendas. Quando todo mundo esperava que o prêmio de efeitos visuais parasse com Transformers, deu A Bússola de Ouro. Além do pouco provavel prêmio de melhor figurino para Elizabeth.

Nas categorias princípais a maior surpresa ficou para Tilda Swinton em Conduta de Risco, batendo a favoritíssima Cate Blanchett e seu Bob Dylan em I´m Not There. Na categoria de melhor atriz como era de se esperar o prêmio foi para Marion Cotillard em Piaf, apesar da grande favorita ser Julie Christie em Londe Dela.

A partir daí nenhuma outra categoria surpreendeu. Irmãos Coen levaram pra casa 4 estatuetas (Melhor Filme, Melhor Direção, Melhor Ator Coadjuvante e Melhor Roteiro Adaptado), e não foi dessa vez que o novo diretor americano favorito desse blog levou pra casa os princípais prêmios, apesar de merecer igualmente como Onde os Fracos Não Tem Vez. O filme de Paul Thomas Anderson levou pra casa 2 estátuetas (Melhor Ator para o magnífico Daniel Day-Lewis e Melhor Fotografia). Juno e Desejo e Reparação ambos levaram um prêmio, Melhor Roteiro Original pra Juno (contestado por alguns porem) e Melhor Trilha Sonora para Desejo e Reparação. O único prêmio que apesar de justissímo pouca gente parecia apostar era o de Melhor Direção de Arte para Sweeney Todd, e foi o que aconteceu. Ótima surpresa, extremamente merecida.

E foi assim que mais um ano de Oscar se foi, sem nenhum prêmio polêmico, todos de certa forma merecidos pelo seu respectivo filme. Uma pena apenas PTA não levar nenhum prêmio nas categorias máximas, mas Oscar é assim, no caminho dele estava a loucura dos irmãos Coen com Anthony Chigurh, um dos maiores vilões de todos os tempos no cinema.

Melhor Filme - “Onde Os Fracos Não Têm Vez”
Melhor Diretor - Ethan Coen e Joel Coen (”Onde Os Fracos Não Têm Vez”)
Melhor Ator - Daniel Day-Lewis (”Sangue Negro”)
Melhor Roteiro Original - “Juno”
Melhor Documentário - “Taxi to the Dark Side”
Melhor Documentário de Curta-Metragem - “Freeheld”
Melhor Trilha Original - “Desejo e Reparação”
Melhor Fotografia - “Sangue Negro”
Melhor Filme Estrangeiro - “Os Falsários” - “Die Fälscher” (Áustria)
Melhor Montagem - “O Ultimato Bourne
Melhor Atriz - Marion Cotillard (”Piaf - Um Hino ao Amor”)
Melhor Mixagem de Som - “O Ultimato Bourne”
Melhor Efeitos Sonoros - “O Ultimato Bourne”
Melhor Roteiro Adaptado - “Onde Os Fracos Não Têm Vez” (Joel Coen e Ethan Coen)
Melhor Atriz Coadjuvante - Tilda Swinton (”Conduta de Risco”)
Melhor Curta de Animação - “Peter & the Wolf”
Melhor Ator Coadjuvante - Javier Bardem (”Onde Os Fracos Não Têm Vez”)
Melhor Direção de Arte - “Sweeney Todd”
Melhores Efeitos Visuais -”A Bússola de Ouro”
Melhor Maquiagem - “Piaf - Um Hino ao Amor”
Melhor Animação - “Ratatouille”
Melhor Figurino - “Elizabeth: A Era de Ouro”

2008-02-23T16:16:00.003-03:00

QUE VENHA MAIS UM OSCAR!

Eu nunca vou ser um crítico intelectual. Primeiro porque não gostei de ``Caché``, segundo porque assisto o oscar. ``Cachê`` foi considerado por boa parte da crítica um dos melhores filmes de 2005. Já o oscar, também por boa parte da crítica, é considerado uma praga para o cinema sério. Eu coloquei ``Caché`` como o pior filme do ano passado e não perco a cerimônia do oscar a anos, ou seja, sou tudo, menos um crítico intelectual.

Gosto do oscar por vários motivos. O principal e mais óbvio deles é porque ele premia, segundo a votação, os melhores do ano no cinema americano e eu adoro cinema americano. Não é uma questão de opção. Metade dos filmes que assisto são americanos e isso tem uma explicação. Nasci vendo filmes americanos. Na televisão aberta (sobretudo Globo), na paga (sobretudo Telecine), na maioria das locadoras (sobretudo Blockbuster) e na maioria das locadoras (sobretudo Cinemark), a grande maioria dos filmes em cartaz são americanos. Quando se é criança, eu digo 4, 5, 7 anos, pelo menos as normais, não se tem interesse em assistir o novo filme do Wim Wenders ou ir numa mostra de cinema novo. Meus primeiros contatos com cinema foram com filmes americanos, na maioria das vezes populares. Respeito muito primeiros contatos. Eles são na maioria das vezes ingênuos e cheios de expectativa e magia. Por isso, faço questão de manter minha relação com os primeiros contatos, conseqüentemente, com o cinema americano.

Conheço pessoas que detestam o oscar por vários motivos. O principal e mais óbvio é porque, segundo eles, os filmes americanos são todos pseudo-intelectuais e o marketing por traz da premiação é muito mais forte que a autenticidade do resultado. Mera implicância. Filmes pseudo-intelectuais existem em todos os lugares, as únicas diferenças são que na Europa ou na Ásia, por exemplo, alguns diretores tidos como gênios impolutos fazem merdas de galocha que são consideradas obras-primas e nos EUA os filmes pseudo-intelectuais custam milhões e tem atores famosos. Sem falar que só o fato dos irmãos Bob e Harvey Weinstein, donos da Miramax, terem metido a mão no projeto, ele é indiscutivelmente um lixo (sem querer defende-los é claro). O marketing então é global, existe fortemente em toda e qualquer premiação e festival, independendo de nacionalidade. Além disso, muito criticado, o formato do oscar foi copiado por diversos paises que criaram a versão traduzida da premiação americana (inclusive o Brasil). Foi assim com o Goya, espanhol, o David de Donatello, italiano, o Cesar, francês ou até o desconhecido G.P. Cinema Brasil. Resumindo, criticar o oscar é nada mais, nada manos, que maniqueísmo e xenofobia ignorante.

Há também a premiação de melhor filme estrangeiro que sempre é uma incógnita. Considero a premiação de melhor filme estrangeiro a melhor e mais respeitável premiação do planeta. Sem exagero algum. Os franceses e paga paus dos franceses acham a palma de ouro. Os alemães acham o urso de ouro. Os italianos acham o leão de ouro. Os americanos acham o próprio oscar de melhor filme. Os cariocas acham o premio do júri popular do Festival do Rio. E não vou dizer que a melhor premiação do mundo é o júri popular da Mostra Internacional de São Paulo. A melhor é o oscar de filme estrangeiro. Apenas um filme ganha de cinco concorrentes, que passaram por uma seleção de mais de 60 filmes, cada um representante de seu país, que antes fez uma pré-seleção com cerca de 10 filmes, fora os que não foram selecionados para os 10 filmes selecionados pelo país. Ou seja, o ganhador venceu cerca de 599 filmes dos mais variados paises. Claro que tem o marketing. Principalmente na industria de cada pais (eu exemplifico o pavoroso ``Olga``, mas isso assunto pra outro texto).

Como já disse antes, marketing tem em todo lugar. Dois filmes me fizeram ter certeza sobre trabalhar com cinema. Um deles ganhou o oscar de melhor filme estrangeiro - ``As Invasões Bárbaras``, em 2004 e o outro ganhou o oscar de melhor filme - ``Conduzindo Miss Daisy``, em 1990. Não assisti a esses filmes porque ganharam o oscar, mas o fato de terem ganhado me faz respeita-lo. Na tradicional noite de domingo, em fevereiro, algumas pessoas vão estar transando, passeando, trabalhando, lendo, bebendo, conversando, brigando, dormindo, assistindo a filmes escandinavos, discutindo sobre cinema do leste europeu ou até fazendo um protesto contra os vestidos de pele das atrizes passando no tapete vermelho em Hollywood. Uns vão fazer tudo, menos sintonizar em alguma televisão transmitindo uma entrega de prêmios. Eu não. Domingo a noite, pode ter certeza. Eu vou assistir o oscar.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-02-23T15:02:00.003-03:00

LANÇAMENTO - CONTROLE REMOTO FILMES

"Alguns vão se identificar,
Com a história que vamos contar.
Não importava o que ela dissesse,
Ele só queria que ela soubesse,
EU ESTOU AQUI"

Produção:
CONTROLE REMOTO FILMES

Co-produção:
UNIVERSIDADE METODISTA

Com:
VICTOR RODRIGUES
BRUNA BITTAR
MARINA STACCIARINI

Trilha:
BAZAR PAMPLONA
MALLU MAGALHÃES

Esperamos que gostem.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-02-22T14:49:00.003-03:00

Os falsificadores

(Die Falscher) – 2007 – Áustria

Dir: Stefan Ruzowitzky

Cotação: ****

O filme austríaco “Os falsificadores” é uma das grandes apostas dentre uma seleção inusitada realizada para o Oscar de melhor filme estrangeiro. Filmes que já entrariam como favoritos, caso do Palma de Ouro “4 meses, 3 semanas e 2 dias” ou o vencedor do Globo de Ouro “O escafandro e a borboleta” e de Veneza, “XXY” foram esquecidos. Dentre os selecionados, o favorito é “Katyn”, do veterano Andrzej Wajda, mas o longa germânico é um dos que correm por fora.

Com uma temática que pode ser considerada batida, os campos de concentração que reuniam judeus durante a Segunda Guerra Mundial, o diretor Stefan Ruzowitxky consegue achar um nicho de originalidade. O personagem principal é Salomon Sorowitch, o Sonny, considerado um dos maiores falsificadores do mundo. Após ser preso numa mal fadada tentativa de copiar dólares, ele é preso; anos depois, quando o regime nazista se fortalece, Sonny é transferido para um Campo de Concentração.

Graças a seus talentos, Sonny consegue se destacar dos outros prisioneiros. Prestando serviços de retratista a alguns guardas, ai sobrevivendo ao campo, e sua fama se espalha. Até o momento em que ele é convocado para um projeto dos alemães. Sonny e outros prisioneiros, trazidos de diferentes campos, são recrutados e enviados para uma área isolada. Uma prisão mais digna, onde eles terão uma importante missão: falsificar passaportes e dinheiro para os nazistas, chefiados pelo já experiente Sonny.

Além de ser um filme muito tenso e com uma história envolvente, outros aspectos enriquecem “Os falsificadores”. Um deles é o dilema que toma conta de quase todos os personagens, pessoas honestas em sua vida anterior, agora numa posição na qual precisam ajudar os nazistas em troca de uma prisão em condições decentes e de mais tempo de vida. Mesmo sabendo que seus parentes, amigos e conhecidos ainda estão em Aushwits, Dachau ou outros campos, provavelmente já mortos. Além disso, o espaço em que eles se encontram é uma área reservado no interior de um campo de concentração, e é possível ouvir execuções de outros judeus diariamente. Nesses momentos, é palpável o desespero e relutância dos “falsificadores” em cumprir seu papel de criar reservas financeiras para o terceiro Reich.

Filmado todo com câmera na mão, o longa aumenta ainda mais o seu clima denso e sempre pesado. Coreografada de maneira exemplar, ela salta repentinamente para ressaltar detalhes e expressões dos personagens, em um recurso muito bem utilizado na narrativa. A fotografia escura e de tons frios caracteriza bem o mundo sem esperanças de todos que estão ali. Todos sabem que não há futuro; eles são úteis agora, com seu serviço de falsificação. Mas os alemães jamais permitirão que, ao final da guerra, eles tenham a chance de dizer o que faziam naquele campo. Todos estão irremediavelmente condenados a morte.

2008-02-21T15:34:00.006-03:00

MEU NOME NÃO É JOHNNY - ***
(Idem) (BRA) (2008) (128 min.), de Mauro Lima

O filme narra a história completa de João Guilherme Estrella (Selton Mello), um filho de banqueiro nascido na classe média alta carioca, que sem nunca pisar numa favela, se torna o maior traficante de cocaína da cidade na década de 90. Iniciando em sua infância tradicional, frequentando os melhores colégios do Rio de Janeiro, e tendo uma relação familiar carinhosa, porém afrouxada, vai até a adolescência e o primeiro contato com as drogas, passando pelo apogeu do vício e dos negócios, indo até o fim do poço, imergido num sistema carcerário precário. Ao lado de Estrella está Sofia (Cléo Pires), sua inseparável namorada e alguns amigos que o auxiliam em seu comercio ilegal. Com Júlia Lemmertz, Giulio Lopez e Cássia Kiss.

Após um 2007 repleto de ótimos títulos nacionais, 2008 começa com um gratificante sucesso de público e crítica do quase-excelente “Meu Nome Não é Johnny”. Quase, graças ao terço final, onde João já está na faze de tribunal e o longa inicia uma série de decadências dramáticas como narrações em off moralistas, hipercloses rasteiros e uma mensagem otimista, que não é errada, mas caberia no filme de outra maneira – mais aberta a reflexão do espectador. Uma pena. Fora isso sobra uma divertidíssima mescla de aventura, comédia e policial, numa espécie de “Prenda me se for capaz” (2002) brazuca. A escolha de Selton Mello é certeira, e o ator “está em todas” dá mais um show a parte. São momentos de improviso e tino para o humor únicos em Selton, despido de todo e qualquer pudor.

A trilha sonora e direção de arte com referências ao POP dos anos 80 e 90 são pitorescas. O uso do humor, certas vezes negro, é aqui acertada, ao contrário do pavoroso e ainda inédito “174”, de Bruno Barreto. De suma importância para a sobrevivência do mercado cinematográfico no país, os mais de 2 milhões de espectadores que foram ao cinema conferir o traficante mais carismático da atualidade, refletem a necessidade de filmes mais descolados como este – que até esboçou vestígios de pirataria. E para os fãs de Los Hermanos, fica a constatação – a culpa é do Amarante.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-02-21T14:09:00.008-03:00

MENINA MÁ.COM - ***
(Hard Candy) (EUA) (2005) (103 min.), de David Slade

A partir de ato antiético de ambas as partes, Havley (Hellen Page), uma adolescente aparentemente indefesa, e Jeff (Patrick Wilson), renomado fotógrafo fashion de trinta e poucos anos, encontram-se num Café, após se conhecerem pela internet. Enquanto Jeff está um pouco nervoso, Havley carrega um fervor adolescente, e uma ingenuidade aparente, que deixa a conversa fluir melhor. Após o primeiro flerte, ambos vão para o apartamento do fotógrafo, e contos de fadas a parte, tudo pode acontecer.

Com um corpinho ainda de criança e uma roupa a lá Chapeuzinho Vermelho, a nova Queridinha da América, Ellen Page, já tinha mostrado a que veio antes mesmo do superestimado “Juno” (2007). As escolhas da atriz mirim são no mínimo interessantes, apesar dos resultados finais serem discutíveis. Num início fulgurante, a fita segue centrada nos diálogos afiados e num clima de tensão alarmante. O tema no mínimo delicado, gera aqui uma assaz discussão – e manipulativa. Cabe ao espectador entrar ou não no jogo de gato e rato (ou lobo mau e chapeuzinho), proposto pelo diretor de videoclipes David Slade. Indiscutivelmente bem feito, num ritmo frenético e aspecto MTV, a discussão fica na abordagem dos personagens, e também em seu final, polêmico. Bem recebido em Sundance, amado e odiado pela crítica mundial, merece ser visto e tiradas as próprias conclusões. Desnecessária, no entanto, é a forçada cena (maquiada) da decapitação. Com participação nada ver de Sandra Oh.

E para os pedífilos de plantão, um recado do Away.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-02-21T03:48:00.004-03:00

Medo da Verdade

(Gone Baby Gone) – 2007 – EUA

Dir: Ben Affleck

Cotação: ****

Após sugerir que poderia ser mais do que apenas mais um ator comum em Hollywood, com “Gênio Indomável”, cujo roteiro foi escrito por ele e seu amigo Matt Damon, em 1999, Ben Affleck foi, aos poucos, se rendendo aos filmes pipoca e blockbusters sem grandes pretensões artísticas. Poucos ainda acreditavam que ele voltasse a dar mostras de talento; eis que ele realiza este projeto.

O roteiro de “Medo da verdade” é baseado no romance de Dennis Lehane (o autor de “Sobre Meninos e Lobos”), que é declaradamente o livro favorito de Affleck. Em seu longa de estréia na função, o diretor mostra uma segurança rara em novatos, além de uma familiaridade com os personagens e ambientes retratados no filme. O protagonista, Patrick Kenzie (Casey Affleck) traz ecos do personagem criado por Ben e Matt Damon em “Gênio Indomável”. São leves semelhanças,mas que indicam que Affleck pisava em território conhecido. Patrick é jovem, inteligente, bom em sua profissão (detetive particular) e autônomo. Entretanto, mal visto pelas suas más companhias; outra característica que o aproxima de Will Hunting (Matt Damon em Gênio Indomável): o temperamento explosivo e a “malandragem” ao lidar tanto com marginais quanto com autoridades.

Quando uma garota de 4 anos de idade desaparece, a tia desesperada causa um grande rebuliço na cidade, transformando-a em assunto de todos os noticiários e jornais. Acuado, o delegado local chama para si a responsabilidade de resolver o caso; o homem lidera pessoalmente a investigação, pois, no passado, sua filha foi morta em circunstâncias parecidas. Entretanto, a família procura a ajuda de Patrick, para que ele e sua mulher e parceira, Angie (Michelle Monaghan) tentem descobrir o paradeiro da garota. Mesmo sem experiência nesse tipo de investigação, eles aceitam, pois o detetive julga que seus influentes contatos no submundo podem lhe fornecer pistas.

Numa eletrizante mistura de thriller e drama, “Medo da Verdade” tem um ritmo forte. Durante a primeira metade, a história é narrada com calma, os personagens se desenvolvem e questões pessoais afloram no caso. Patrick se envolve mais do que devia, e fica obcecado com a busca pela menina, prometendo a mãe da garota que a encontrará. Entretanto, de forma muito bem articulada, o roteiro engana o espectador, e prolonga a trama inicial. Os fatos começam a se suceder mais rapidamente e a investigação vai se fechando, com novas pistas surgindo e revelando um intrincado esquema criminoso. Nesse ponto, a densidade dramática dá lugar a ação e agilidade narrativa, deixando o espectador preso em sua cadeira, tenso e à espera de respostas.

É surpreendentemente bom o trabalho de Ben Affleck, principalmente no controle da atuação de seu grande elenco. Grandes nomes como Morgan Freeman e Ed Harris repetem as excelentes atuações que lhe são comuns. Mas a surpresa vem por conta de Casey Affleck (sim, o irmão do diretor), Amy Ryan (como a mãe da garota desaparecida), ambos em performances que renderam muitos elogios e premiações. Amy foi indicada ao Oscar de melhor atriz coadjuvante, enquanto Casey foi considerado um dos melhores atores de 2007 (também graças a seu papel em “O assassinato de Jesse James pelo covarde Robert Ford”).

Além de ser entretenimento garantido, com altas doses de tensão e suspense, “Medo da Verdade” ainda suscita discussões. Em pauta, temas sempre polêmicos e questões morais ambíguas. Existem mentiras grandes, mas perdoáveis e justificáveis? Algo eticamente condenável pode ser considerado certo sob algumas circunstâncias específicas? Enfim, é assistir o filme para tirar suas próprias conclusões.

Uma curiosidade: devido às semelhanças com o famoso "Caso Madeleine", o filme teve sua estréia adiada no Reino Unido, que pensou que ele tocava questões impertinentes para o momento que o país vivia, em meio a tamanha repercussão do sumiço da garota.

2008-02-19T04:33:00.003-03:00

O tempo passa, e, tirando o atraso...

Atrasado, acbei assistindo a muitos filmes que foram feitos em 2007. Em meio a tentativa de acompanhar o Oscar de forma amis embasada, foram vários filmes que entraram na lista. E, ao terminar de ver boa parte deles, acabei sendo surpreendido por vários excelentes longas, que me causaram um impacto tão grande, que me senti obrigado a alterar o meu Top10 do ano de 2007, para não deixá-lo com equivocos do passado.
Além disso, há filmes que acabaram caindo um pouco em meu conceito. E novos entrando.
E já aviso, ainda não vi "Sangue Negro", que por ser uma realização de Paul Thomas Anderson, deve ter lugar na lista. Entretanto, já adianto que a qualidade dos filmes que escolhi é tão elevada que seria um pecado retirar qualquer um deles de seu respectivo lugar. Sentiria-me obrigado a colocar o filme de PTA empatado com outro longa.

Chega de papo e aí vai a atualização. Sem comentários, pois a maioria dos filmes que entraram tem crítica no blog (exceção para "O gangster", que tem uma crítica do Graziano e não minha; e de "Medo da Verdade", que pretendo publicar ainda essa semana).

Top 10 filmes de 2007

1 - XXY
Dir: Lucia Puenzo (Argentina)

2 - Onde os Fracos não têm vez (No Country for Old Men)
Dir: Joel e Ethan Coen (EUA)

3 - 4 meses, 3 semanas e 2 dias (4 luni, 3 saptamani, 2 zilu)
Dir: Cristian Mungiu (Romênia)

4 - Santiago
Dir: João Moreira Salles (Brasil)

5 - O Gangster (American Gangster)
Dir: Ridley Scott (EUA)

6 - Viagem a Darjeeling (The Darjeeling Limited)
Dir: Wes Anderson (EUA)

7 - Zodíaco (Zodiac)
Dir: David Fincher (EUA)

8 - Medo da Verdade (Gone Baby Gone)
Dir: Ben Afleck (EUA)

9 - Desejo e Reparação (Atonement)
Dir: Joe Wright (Inglaterra)

10 -Na natureza selvagem (Into the Wild)
Dir: Sean Penn (EUA)

Post meio picareta, mas às vezes é necessária uma reparação. Espero que vocês compreendam e assimilem as novas dicas de filmes que se destacaram. Talvez o maior motivador desse post seja "Medo da Verdade". A estréia de Ben Afleck na direção é um grande trabalho, e seria injusto que não figurasse na lista de nenhum de nós, redatores do blog.

2008-02-19T02:46:00.003-03:00

Eu sou a Lenda

(I am Legend) - EUA – 2007

Dir: Francis Lawrence

Cotação: ***

“Eu sou a Lenda” é uma adaptação da obra homônima de Richard Matteson, que já havia sido levada às telas em 1971, em “A última esperança da Terra”. Dessa vez, o diretor Francis Lawrence, de Constantine, é o responsável, e traz consigo o maior astro americano da atualidade: Will Smith, que carrega milhões para os cinemas em qualquer filme que estrele.

Com uma estrutura narrativa interessante, o filme mostra o cientista Robert Neville (Will Smith) como único sobrevivente de um vírus que atacou toda a humanidade, ao mesmo tempo em que tenta colocar o espectador a par do que aconteceu, em flashbacks. A história nunca é contada com clareza, mas pode-se entender que Neville tem uma parcela de culpa na proliferação do vírus, e por isso tenta descobrir um antídoto.

O chamado “KVírus” se espalha pelo ar, e rapidamente contaminou bilhões de pessoas ao redor do mundo. Os atingidos se transformam em zumbis, que se alimentam de outros seres vivos, e que não sobrevivem à exposição à luz. Suspeitando ser o único humano vivo, Neville grava uma mensagem e a deixa no ar em todas rádios AM, dizendo como encontrá-lo. Enquanto ninguém aparece, ele segue sua rotina diária de testar variações na tentativa de descobrir um uma fórmula que reverta e estado de zumbi provocado pelo vírus.

Neville carrega consigo a cadela Samantha, o que por si só é um apelo desnecessário. Utilizar animais para ter a comoção do espectador é algo ultrajante, pela facilidade com que se consegue o efeito desejado. Mas, enfim, Samantha é a companheira fiel do médico, alguém com quem ele conversa e convive para evitar a insanidade. Entretanto, quando a cadela é atacada por zumbis e contaminada pelo vírus, ele se vê sozinho; dominado pela fúria, ele deixa seu seguro lar e se aventura pelas ruas em plena noite, em um ataque suicida aos zumbis. Encurralado por centenas deles, Neville só escapa graças à Anna, que aparece, convenientemente, no último momento.

Anna é uma brasileira que ouviu a mensagem dele no rádio e foi procurá-lo. Junto com ela, um garoto, Ethan. Eles dizem que estão a caminho de uma colônia de sobreviventes. Mas o médico duvida de sua existência, e diz que é mais seguro que permaneçam em sua casa, blindada e devidamente protegida, enquanto ele procura um antídoto.

“Eu sou a Lenda” é um híbrido entre filme de ação e um drama psicológico, mas não consegue ser tão eficiente no segundo quesito. O principal problema é o pouco tempo de filme, que não permite um maior desenvolvimento dos personagens e das situações-limite pelas quais passam. A premissa e o modo como Lawrence começa o desenvolvimento de Neville são interessantes, mas a pressa em chegar ao desfecho da narrativa atrapalha o crescimento dramático do cientista. Poderia ter se criado um pano de fundo mais complexo e aprofundado sobre quem é aquele homem atormentado, sozinho e recluso, que perdeu a família e todos que conhecia. O mesmo para Anna, e sua relação (totalmente ignorada) com o garoto Ethan, que ela carrega consigo em jornada em busca de mais pessoas vivas.

O resultado final é bom, mas decepciona quem esperava ( e até mesmo ansiava, após um começo promissor) por algo mais denso. Também é interessante ver Alice Braga em um papel importante, e em um filme de grande orçamento e bilheteria. Um grande passo na carreira da atriz.

2008-02-17T17:09:00.012-03:00

JUNO - **
(Juno) (EUA) (2007) (96 min.), de Jason Reitman

Uma adolescente de 16 anos engravida de um amigo na primeira transa, e sem dúvidas, decide doar o bebê para adoção. Desfuncional, Juno (Ellen Page – indicada ao Oscar de melhor atriz), não recebe restrições da família, nem do pai da criança, o boboca Bleeker (Michael Cera), e com a ajuda de uma amiga tarada por professores barbudos, encontra um rico e bonito casal, a procura de uma criança para ser adotada. Vanessa (Jennifer Garner), a mãe adotiva, não pode ter filhos, mas sonha em ser mãe. Os dois oferecem uma quantia em dinheiro, logo recusada por Juno, que ainda terá uma turbulenta relação com Mark (Jason Bateman), marido de Vanessa.

Entre um colorido falso e um tema batido, “Juno” vem sendo a galinha de ouro do cinema independente americano, sempre com temáticas familiares. De praxe no Oscar, todo ano concorre algum filme do gênero – ano passado foi o excelente “Pequena Missa Sunshine” (2006). Mas a surpresa é que a escolha caia neste abobado segundo trabalho do cineasta Jason Reitman. Após estrear na direção de longa-metragens com o ótimo e mordaz “Obrigado por fumar” (2005), Reitman retrocede. O roteiro é de Diablo Cody, mesmo de “Obrigado...”, mas aqui não repete a mesma genialidade e o sazonal tino para o humor negro. O filme é no máximo uma comédia romântica trivial, com temática indie, que acerta na trilha sonora vinda do folk, mas erra nas apelações discursistas que atacam em cheio o corações dos adolescentes.

Tipicamente americano, trás clichês já cansados, como na cena onde uma enfermeira faz um comentário maldoso no Ultra-som de Juno, e sua madrasta solta suas garras latentes para defender a enteada. Ou quando Juno reclama de ser vista como uma aberração por estar grávida prematuramente. Peraí. Em pleno século XXI, em que lugar do mundo isso é novidade? Desculpem, mas nos EUA que não é. Com muita futilidade, durante toda a trama Juno é mostrada como uma “aborrescente” mimada, de atitudes atípicas, decisões corrosivas - como entregar o filho como se fosse uma bonequinha, e no final a histótia promove uma sessão “vamos ter pena de Juno, afinal, ela é só uma menininha indefesa americana, que não tem culpa do que fez”.

Estampado no fim chapa branca, onde a garota volta para o namorado e termina tocando violão e sorrindo para a vida, num tom “é o amor, é o amor”. Apesar de bonito visualmente, soa patético. O tema gravidez indesejada já rendeu inúmeros títulos melhores, e só este ano tiveram o hilário “Ligeiramente Grávidos” (2007) e o angustiante “4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias” (2007), ganhador da Palma de Ouro em Cannes. Comédias dramáticas são um gênero a se ter cuidado. Podem render desde pérolas e marcar vidas, até emburrecer uma geração. É o típico simplismo psicológico americano, que nunca se renova e aqui tem mais um exemplar. Exceção para a radiante interpretação de Ellen Page (que está ainda melhor em “Menina má.com” (2005)) e algumas poucas boas piadas de comportamento. Com Allison Janney e J.K Simmons. Em cartaz nos cinemas.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-02-17T01:48:00.012-03:00

SANGUE NEGRO - *****
(There will be blood) (EUA) (2007) (158 min.), de Paul Thomas Anderson

Na virada entre os séculos XIX e XX, o pobre mineiro Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis – em a atuação devastadora), trabalha numa mina de prata, na fronteiro da Califórnia, e cuida sozinho de seu filho H.W. (Dillon Freasier). Até que decide trabalhar no ramo petrolífero, quando descobre uma espécie de terra prometida, chamada de Little Boston, onde há uma mar de petróleo a ser explorado. E lá vai ele, com seu filho e empregados, prosperar na cidade com o “sangue negro”, que lhes proporcionaram muito dinheiro e dor. Ainda há o pastor Eli Sunday (Paul Dano), espécie de falso-profeta da comunidade, que anseia ganhar cada vez mais a devoção do povo.

Concorrendo ao Oscar de melhor filme, e um dos melhores títulos de 2008, trata-se de uma “prova final” para PTA. Imagine que, para entrar para o patamar dos grandes, para subir um degrau na sétima arte, PTA tivesse que fazer um filme executando tudo que sabe, como se fosse uma prova dissertativa, se utilizando de várias referências (e das grandes) para montar um filme excepcional. Pois é isso. Em “Sangue Negro”, ele bebe direto da fonte de Orson Welles, Stanley Kubrick, D. W. Griffth, Werner Herzog e Akira Kurosawa. Mas não se engane, seus 140 minutos passam voando e são de fácil percepção, como de costume na obra do cineasta.

Utilizando-se muito bem da narrativa clássica, PTA ousa nas abordagens. Vê-se desde 11 minutos de cenas sem diálogo algum até magníficas sequências de tensão e aventura (a passagem do estouro de gás na base, é deslumbrante). A fita estava sendo muito aguardada, ganhando status até de um novo “Cidadão Kane”, o que é um absurdo. A grande verdade é que mesmo deslumbrante, não é a melhor fita de Paul Thomas, brigando ali com Boogie Nights (1997). Cada vez mais cultuado, o virtuoso diretor californiano acerta em cheio na temática, mesmo realizando um filme de época. E além do bom gosto fílmico, tem cismas que só são compreendidas após a sessão. Por exemplo, Daniel Day-Lewis, que segundo PTA, sem ele o longa não seria feito, e o menino que interpreta seu filho, que nem sequer é ator, e foi uma insistência do realizador. Ganhou o Urso de Prata de melhor direção em Berlim 2008.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-02-17T00:24:00.003-03:00

2008-02-16T11:44:00.003-03:00

O escafandro e a borboleta

(Le Scaphandre et le Papillon) – 2007 – França

Dir: Julian Schnabel

Cotação: ****

O diretor Julian Schnabel é diretor de poucos, mas bons, filmes. Realizou “Basquiat”, em 1996, e voltou às telas apenas em 2000, com “Antes que anoiteça”, filme que evidenciou o talento do hoje cultuado ator Javier Bardem. E eis que, 7 anos depois, o diretor lança seu mais novo trabalho. E, como já acontecera em seus filmes anteriores, contando uma história real.

O filme já começa com alguém no hospital, deitado e sendo observado pelos médicos e enfermeiras. Incapaz de falar, ou até mesmo de se movimentar, e ainda cego do olho esquerdo, tudo que lhe resta é a metade da visão e a audição. Logo ficamos sabendo que o homem paralisado na cama era o editor da influente revista Elle. Entretanto, não o vemos. A câmera oferece apenas a perspectiva do próprio personagem, numa visão em 1º pessoa. Tal atitude cria um vínculo maior com o personagem, que mal sabemos quem é. O filme não oferece logo de cara momentos anteriores da vida do jornalista, impedindo que o conheçamos melhor. Sendo assim, tudo só vemos o que Jean Dominique enxerga. E só sabemos aquilo que as enfermeiras e médicos sabem sobre sua condição.

Incapaz de falar, Bauby só consegue se comunicar através de um esquema criado pela fonoaudióloga do hospital, no qual ela vai lhe falando letras, e ele pisca quando quiser escolher uma. Demorado, o processo cria uma grande agonia nos momentos em que o personagem tenta dialogar com as pessoas próximas a ele. E tal desconforto é muito bem aproveitado pelo diretor, que foca sua câmera no rosto apreensivo de seus interlocutores, enquanto ouvimos a voz da enfermeira recitado letras ao fundo.

Mesmo em tais condições, Bauby pede que entrem em contato com a sua editora. Por contrato, ele ainda deveria publicar mais um livro com eles, e surpreendentemente, ele ainda quer escrevê-lo. Para isso, uma mulher é enviada para redigir o que for pedido pelo jornalista, através do seu complicado processo de comunicação.

“O escafandro e a borboleta” é um filme sobre coisas simples, pequenos detalhes e diálogos curtos. A dificuldade de Jean Dominique Bauby faz com que o espectador também fique limitado, encarcerado com ele em seu leito. Mas a inventividade do diretor Schnabel faz do longa uma bela narrativa. Usando metáforas e imagens oníricas, como a do escafandro, ele mostra o que se passa na mente de um homem em uma situação tão incomum e incômoda. Outros recursos também se mostram muito efetivos, como a câmera em primeira pessoa durante o começo do filme. Quando ele finalmente nos apresenta Jean Dominique, o resultado é chocante, pois se é pego de surpresa.

O filme foi indicado a quase todos os prêmios do ano, com destaque para o Globo de Ouro, onde foi considerado o melhor filme estrangeiro. No Oscar, concorre em importantes categorias, como Direção, Fotografia, Edição e Roteiro adaptado.

2008-02-15T13:14:00.008-03:00

Na natureza selvagem

(Into the Wild) – EUA - 2007

Dir: Sean Penn

Cotação: ****

Baseado no livro-reportagem homônimo, da autoria de Jon Krakauer, “Na natureza Selvagem” trata da fascinante história real do jovem Chris McCandless. Após se formar, Chris abandonou tudo para se embrenhar nas matas, se aventurar em locais desconhecidos e pouco explorados e viver de forma intensa. A jornada solitária em busca da iluminação pessoal de Chris não é inédita no universo ficcional, já tendo sido contada por autores tão díspares como Jack London (em “O chamado da Natureza”) e Jack Kerouac (em diversas obras, como “Viajante solitário”, “Os vagabundos iluminados”, “Pé na Estrada”). Entretanto, quando Chris decidiu levar as palavras dos escritores a sério, deixando para trás seus bens materiais, família e amigos, a coisa tomou outra figura.

O que mais causou estranhamento foi a história de vida de McCandless. O garoto não era o pobre coitado, maltratado pela família e sem um tostão no bolso, que se enfia no mato pois já não tem o que perder. Da mesma forma, não é o garoto rico e infeliz, renegado pela família e sem amigos, que busca na solidão uma nova forma de levar a vida. Chris desafia os clichês e intriga a todos que se aprofundam em sua história.

A maneira encontrada por Sean Penn para relatar a viagem de Chris é perfeita. Ao invés de transformar o livro-reportagem em uma ficção simples, ordenando tudo de forma cronológica, o diretor ousa, misturando elementos mais comuns ao documentário em sua narrativa. A trama transcorre em saltos, num tempo não-linear, e entrecortada pelas palavras da irmã de Chris, uma das pessoas mais próximas ao jovem, e pelas atitudes amarguradas dos pais do garoto, arrependidos por não terem dado a devida atenção ao filho.

O que poderia se tornar heróico é transformado em trágico, tanto pelas palavras emocionadas de Carine, irmã de Chris, que nos dá a dimensão humana do irmão e nos lembra de que Chris não era tão corajoso quanto parecia, quanto por algumas passagens rabiscadas por McCandless. Embora largar tudo, queimar o dinheiro e os documentos, e se adentrar na natureza selvagem possa ser uma grande atitude, também é uma forma de fuga. O jovem se recusou a enfrentar os pais e fugiu. É Carine que consegue transmitir, ao mesmo tempo, o orgulho pelo irmão e seu ato e a mágoa por ter sido abandonada por ele.

Alheio ao sofrimento da irmã, Cris conseguirá o que sempre sonhou, vivendo na mais completa liberdade, sem se fixar em local algum e buscando conhecer pessoas e locais novos. Mais do que isso, o jovem é capaz de conquistar a todos que o encontram, deixando amigos por onde passa. Os personagens e atores coadjuvantes têm um peso grande no resultado final do filme, pois fazem um contraponto aos momentos mais dramáticos, nos quais Cris se encontra sozinho e em dificuldades. Eles proporcionam os momentos mais alegres e divertidos do filme, e ajudam a construir o caráter de Cris, que está em uma fase complicada, mudando de vida e de perspectivas. Destaque para o casal hippie, cuja relaçãp está balançada por problemas do passado. Entre eles e Cris surge um carinho e uma proximidade que o jovem nunca tivera com seus pais.

Outro fator a ser destacado é a ousada montagem do filme, que foi contemplada com uma indicação ao Oscar da categoria. Sean Penn inova explorando ao máximo o espaço da tela com ações paralelas. Uma decisão que torna impossível que o longa seja exibido no formato 4:3 (tela quadrada), e que dinamiza a narrativa, compondo de forma mais rápida e menos cansativa o personagem principal.

“Na natureza selvagem” só confirma que Sean Penn conseguiu fazer de forma mais do que competente a transição de ator para diretor. Mesmo com uma carreira ainda curta, ele já demonstra grande talento e uma rara sensibilidade, sempre tratando de pessoas com dificuldades para conviver na competitiva e regrada sociedade americana.

Apesar de ter sido ignorado nas principais categorias do Oscar, o filme conquistou os americanos. No dia em que os indicados foram anunciados, atores, apresentadores e comentaristas lamentavam a não presença do filme na competição. No Brasil, o longa ainda não estreou, mas ficou entre os dez mais apreciados pelo público na Mostra Internacional de Cinema de São Paulo.

2008-02-14T13:53:00.004-03:00

Mandando Bala

(Shoot’em Up) - EUA – 2007

Dir: Michael Davis

Cotação: ***

A campanha publicitária que precedeu o lançamento de “Mandando Bala” deixou fãs de filmes de ação numa grande expectativa. Os materiais promocionais prometiam muita violência, em tiroteios intermináveis, além de heróis e vilões devidamente estereotipados e empolgantes. E, realmente, não se pode acusar ninguém de propaganda enganosa. Num ritmo eletrizante, Clive Owen encarna Mr. Smith, um homem misterioso que, por acaso, se intromete num grande esquema planejado por Hertz (Paul Giamatti), um inescrupuloso fabricante de armas. Para atrapalhar, ele terá que lidar com um bebê recém nascido, que é exatamente o alvo dos vilões, e que ficará sob sua proteção. Como não é exatamente um expert na arte de cuidar de crianças, Smith pede ajuda para uma das poucas pessoas com quem mantém relações: uma prostituta.

É exatamente nesse quesito que o filme começa marcando pontos: o humor irônico e politicamente incorreto que permeia as situações e as frases de Smith. Enquanto isso, a ação apenas engatinha, demorando um pouco para prender o espectador, com tiroteios e brigas coreografadas que parecem cópias de trechos dos trabalhos de Jackie Chan.

Entretanto, ao mesmo tempo em que a trama vai se revelando, os feitos de Smith vão ficando mais impressionantes, criativos e divertidos. Misturando elementos de Kill Bill, Jackie Chan e Matrix, o que não falta é sangue manchando a tela e balas voando em todas as direções. A agilidade das cenas suprime a fraqueza do enredo, que não chega a ser suficientemente relevante para justificar a narrativa. A tensão só se mantém graças ao embate provocativo e repleto de ironias entre Smith e o vilão Hertz, ambos figuras carismáticas.

“Mandando Bala” é um filme de ação pouco convencional, que ousa em seu formato e linguagem. O humor ácido é, por vezes, perigoso, assim como as pretensiosas cenas de ação. O resultado é um bom filme, que só não é melhor pela sua oscilação; trabalhando de forma arriscada, sempre no limite do aceitável para o público, o diretor Michael Davis nem sempre acerta a mão. Em alguns momentos, a palavra “exagero” parece não ser suficiente para descrever com a devida precisão o que acontece na tela. Mas, em dados momentos, é inevitável assistir a “Mandando Bala” com um sorriso no rosto.

2008-02-13T10:22:00.011-03:00

TOP 10 – FILMES CEBOLAS

Estou com mania de Top 10. Daqui pra frente vou fazer vários Top 10. O de hoje é sobre filmes que fazem chorar, ou pelo menos que me fizeram. Lembrando que fazer chorar não quer necessariamente dizer que o filme seja muito bom ou muito ruim, mas que ele te tocou de tal forma, que as benditas lágrimas, tão lastimadas por muitos, caíram.

Esta é uma lista muito pessoal, que não pretende elencar as 10 maiores “cebolas” da história do cinema, mas apenas citar alguns títulos, que por alguma razão, seja ela apelativa ou de momento emocional, me fizeram desrespeitar o protocolo masculino “homens não choram”, e armar o berreiro seja na sala de cinema, seja no sofá em frente a televisão.

1. AS INVASÕES BÁRBARAS (Les Invasions Barbares) (2004)

Por quê cebola?
Além de ser meu filme favorito, o filme que me fez fazer cinema, e na minha opinião, o filme mais importante do século até então, é também o que mais chorei. E não só em intensidade, mas também por quantidade. Assisti a fita quatro vezes e armei o berreiro nas quatro. Impressionante. Eu sabia o exato momento em que poderia chorar, fazia uma promessa interna que não iria chorar, e chorava. A morte poucas vezes foi mostrada de maneira tão magistral. Ri-se o filme inteiro, e no final dá no que dá. Pieguice a parte, é a vida.

Cena mais cebola:
Uns tacham a cena mais emocionante quando pai e filho de abraçam, já no final do filme. Pra mim, a cena embrulhadora de estomago é quando passa o vídeo da filha na Austrália se despedindo, e todos estão a volta de Rémy, pouco antes de morrer.

2. CONDUZINDO MISS DAISY (Driving Miss Daisy) (1989)

Por quê cebola?
A primeira vez que fui assistir, não dava nada. Aluguei o VHS, com a motivação de ter ganhado um Oscar de melhor filme e conter Morgan Freeman no elenco. A trama foi acontecendo, minhas piscadas foram cada vez ficando mais lentas e eu estava imóvel no sofá. O filme acabou, eu permaneci ali, sentado, intacto, assistindo os créditos, e ainda baqueado, voltei a fita até um pouco antes da cena final. Revi a cena final e os créditos novamente, sem me mexer. Fui tomar um banho. Estava tremendo. Não falava um pio. Sai do banho, rebobinei a VHS, e assisti o filme mais uma vez. Na primeira eu me segurei, na segunda as lágrimas caiam como chuva. E estava feita umas das sessões de filmes mais marcantes da minha vida.

Cena mais cebola:
Indiscutivelmente a cena final. O tema amizade é complicado, e quando bem mostrado, baqueia. É incrivelmente belo como o roteiro e a direção nos leva calmamente durante todo o tempo, até um desfecho culminante e visceral, terminado com uma sequência final sem diálogo, nem ruídos, e apenas olhares, gestos e um silêncio arrebatador. Jessica Tendy foi quem levou o Oscar de atuação, merecidamente, mas que faz o filme é Morgan Freeman, na melhor atuação da carreira.

3. O HOMEM BICENTENÁRIO (Bicentennial Man) (1999)

Por que cebola?
Mau visto por intelectuais e críticos anti-Hollywood, o filme se torna encantador e emocionante com o tempo. É daquelas psicológicas humanas atemporais que tem seu valor independendo ao tempo. A grande verdade é que “O Homem Bicentenário” é uma pequena pérola, com uma doçura rara em filmes do gênero. O charlatão Robin Willians acertou em cheio nesse projeto, que conta com a direção do competente Chris Columbos. Ao contrário do tema exaustivamente usado – a morte, o roteiro narra uma vida sem morte, algo tão almejado, que se mostra uma utopia da felicidade nessa busca incessante por auto-conhecimento. Isso ainda se não bastasse a sabedoria de contar através de um peculiar robô que quer se tornar humano, baseado no conto de Isaac Isimov. “O Homem Bicentenário” é daqueles filmes que muitos tem vergonha de admitir o quão é delicioso se entregar-se a ele.

Cena mais cebola:
A cena da morte é forte, mas a do julgamento causa calafrios. Afinal, é a regra, a burocracia, que temos que aceitar, mesmo não concordando. Ele só queria virar humano, e morrer.

4.QUERIDO FRANKIE (Dier Frankie) (2004)

Por quê cebola?
Selecionado em Cannes e um dos melhores filmes de 2004, “Querido Frankie” é absurdamente sensível. Mas não sensível “emo”. Não Sensível novela das oito. É um sensível louvável, onde os realizadores, entre diretora, atores, e etc... encontraram o tom certo para quase todos os gestos, falas e conflitos do roteiro. Subestimado pela crítica nacional, o longa arrebata corações, independente da idade ou gosto. É daqueles filmes em que o riso e o choro saem ao mesmo tempo – e repito, ao mesmo tempo. E para finalizar com chave de ouro, tem aqueles finais tristes, porém positivos. Uma dádiva.

Cena mais cebola:
Na metade da fita, quando o personagem de Gerard Butler chega como o pai de aluguel de Frankie, e todos na casa, a mãe e a avó, ficam numa espectativa alarmante. Todos estão aflitos para que tudo dê certo, menos Frankie, que só quer passar alguns minutos com o pai.
Desculpem o termo, mas quando acham o tom correto para “amor incondicional”, é foda.

5. BABE, O PORQUINHO ATRAPALHADO – (Babe) (1995)

Por quê cebola?
Fui ver “Babe” no cinema com meu pai. Era uma criança. Literalmente. No final da sessão, eu estava com muita vontade de chorar. Muita mesmo. Mas não podia. Era um garoto macho, que achava que só velinhas choravam no cinema. Aí, como quem não quer nada, olhei de canto de olho pro meu pai, e o velho estava visivelmente segurando as lágrimas. Desse dia em diante eu comecei a me questionar se era realmente vergonhoso chorar no cinema, ainda mais quando 40% da sala estava chorando. História peculiar, falsamente infantil, contada de uma maneira sublime, lúdica, fabular. Não é atoa, que, merecidamente, foi indicado a várias categorias no Oscar, inclusive melhor filme. A continuação, “Babe, o porquinho atrapalhado na cidade” (1998), não deve em nada ao primeiro.

Cena mais cebola:
Quando o fazendeiro Hoggett está prestes a perder a fazenda e Babe não pode fazer nada.

6. PATCH ADAMS – O AMOR É CONTAGIOSO (Patch Adams) (1998)
Patch Adams se utiliza dos clichês mais baratos para emocionar. É um filme risível, caricato, bobo, mas que soube fazer chorar.

7. UM SONHO DE LIBERDADE (The Shawshank Redemption) (1994)
Um dos melhores filmes que Hollywood já produziu, é de longe um dos meus favoritos. O roteirista Frank Darabont é fora-de-série, e quando se aventura a dirigir, sai excelentes filmes. Uma obra-prima de mão cheia.

8. O PODER DE UM JOVEM (The Power of One) (1992)
Um dos filmes que mais assisti na vida (em números de vezes – passava exaustivamente na TNT a alguns anos), me emocionou em quase todas. É um a história cativante, de personagens fortes e abordagem impactante. Resumindo – é filme de negão. E Morgan Freeman é o ator que mais me fez chorar. Sem maldade, é cara é foda.

9. PRIMAVERA, VERÃO, OUTONO, INVERNO... E PRIMAVERA (Bom Yeorum Gaeul Gyeoul Geurigo Bom) (2003)
Kim-ki-duk é um bom diretor. Vem realizando ótimos trabalhos, sobretudo quando se utiliza bem do silêncio (tirando o patético “Caza Vazia” (2004). “Primavera...” é um ótimo exemplo disso. Esse s orientais sabem enquadrar como ninguém. Tem uma fotografia impecável e além disso, sabem também filmar uma sena de sexo como poucos no mundo. O filme é lírico e poético (poesia fílmica, o ardor da palavra, com edição, direção de arte, atuações e etc, trabalhando juntas, sem safadeza e picaretagem).

10. DOUTORES DA ALEGRIA (idem) (2005)
É a versão brazuca, e plausível, de “Patch Adams”. Pra mim um dos melhores filmes de 2005 e um dos melhores documentários da retomada. É contemplativo, observativo e por isso tem todo meu respeito. Adoro documentários contemplativos que conseguem captar o exato momento de algo fundamental. E a cena do menino que se vislumbra com o duende da casa ao lado, é de cortar o coração – e o melhor, é real, não manipulada. Deleite-se com esta pérola.

Cotações:
AS INVASÕES BÁRBARAS - *****
CONDUZINDO MISS DAISY - *****
O HOMEM BICENTENÁRIO - ****
QUERIDO FRANKIE - ****
BABE, O PORQUINHO ATRAPALHADO – ****
PATCH ADAMS – O AMOR É CONTAGIOSO - *
UM SONHO DE LIBERDADE - *****
O PODER DE UM JOVEM - ***
PRIMAVERA, VERÃO, OUTONO, INVERNO... E PRIMAVERA - ****
DOUTORES DA ALEGRIA - ****

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-02-11T02:12:00.000-03:00

CLOVERFIELD – MONSTRO - ****
(Cloverfield) (EUA) (2008) (90 min.), de Matt Reeves

Cinco jovens novaiorquinos dão uma festa de despedida para um amigo na noite em que um misterioso monstro ataca a cidade. Contado do ponto de vista da câmera de vídeo deles, e com muitas tremidas e ares de registro “amador”, o filme é um autêntico truque fílmico, que se vende como um documento da tentativa dos personagens em sobreviver ao aterrorizante e absurdo ataque surpresa. Inverosimilhanças a parte (uma bateria e fita de 7 horas e o fato de eles nunca desligarem a câmera, por exemplo), a fita não peca por exageros e além da instigante premissa, resulta numa primordial reinvenção cinematográfica.

Numa jogada de marketing sensacional, bastou o boca-a-boca para que este terror “barato” de 25 milhões de dólares arrasasse quarteirões em bilheterias, com potencial de chegar nas centenas de milhões de público. J.J Abrams, criador do Lost e diretor de Missão Impossível 3, vem se mostrando no mínimo antenado a idéias com tino para o sucesso. E com seu time de primeira linha, consegue aqui um resultado de ínfimas falhas ao que o longa se propõe a fazer. Pouco importa o lado psicológico do monstro, mas sim os problemas de relacionamento dos personagens, num mote acertado que acarreta num emocionante desfecho. No entanto, pouco importa o pudor ao exibir as ações do dito-cujo, que sem dó, nem piedade, destrói Manhattan inteira, destruindo prédios e matando pessoas ao seu redor.

Numas das melhores cenas, a Estátua da Liberdade é decapitada, quando sua cabeça cai no meio da cidade, fazendo aproximar dezenas de curiosos afoitos para fotografar e gravar o ocorrido, dando mais importância pro registro que pra própria proteção em si – numa das muitas sapiências do roteiro, que se é fraco nos diálogos, é sagaz na estrutura. Grande trunfo é a curta duração, que faz em nenhum momento a tremulante e enjoativa câmera na mão cansar. Pelo contrário, o espectador sai com gostinho de quero mais, o que deixa quase como certa uma continuação, e até uma longa franquia.

O título tem pouco significado. É o nome da rua onde situa o escritório de Abrams. E a escolha de não ter nomes conhecidos no elenco, foi inteligentemente pensada. Nada poderia ser maior que o protagonista – a câmera, que a todo momento é a grande atração, maior até que o monstro. A sensação de não saber ao certo o próximo passo dela é estasiante. E mesmo nas sequências finais ela se tornando uma mistura de Rambo com Jason – indestrutível, a diversão fala mais alto.

O final poderia ser enxugado, já que a obrigatoriedade de explicitar o monstro, é discutível. Se tivesse cinco minutos a menos, eu batia palma. Mas o que sobra da sessão, é sem dúvida o prazer de saber que o cinema americano mainstream ainda pode render ótimos filmes. E que “Cloverfield” é com âmago, grande candidato a marcar história. Forte candidato também a Top 10 do ano. OBRIGATÓRIO ver no cinema, se for pra ver em DVD, nem perca seu tempo. Com Mike Vogel, Greg Grunberg, Lizzy Caplan, Michael Stahl-David, Odet Jasmin.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-02-09T16:10:00.000-03:00

REDACTED - ***
(Redacted) (EUA) (2007) (90 min.), de Brian de Palma

O cultuado diretor Brian de Palma, conhecido por seus altos e baixos extremos, trás aqui um drama de guerra no mínimo plausível. E bem distinto da maioria dos filmes do gênero. Seguindo uma tendência atual, onde o realismo é levado tão a sério, que a trama é contada em primeira pessoa, e com os personagens manuseando a câmera e contando a história como se fosse “amadora”. É assim também com “Cloverfield” (2008), em cartaz nos cinemas brasileiros.

Na leva recente dos longas-retratos sobre a guerra do Iraque, é difícil dizer qual é o melhor, mas certamente “Redacted” tem sua importância e deve promover releituras até melhores. Pouco importa o passado dos personagens, o treinamento ou o motivo porque estão ali. A premissa está centrada no atitudes dos rapazes naquela imersão bélica e sem grande propósito para eles. As cenas foram refilmagens exatas das fitas gravadas por soldados reais, que Brian de Palma teve acesso tanto na internet quanto com pesquisas perigosas que lhe renderam inúmeros processos.

Em contrapartida ao Vietnã, onde as imagens dos mortos (soldados e Vietnamitas) eram exibidos em cadeia nacional para angariar comoção das pessoas, a guerra do Iraque foi camuflada ao máximo, com medo de uma despopularização eminente ao presidente dos Estados Unidos. A frase proferida por um dos personagens é ponto-chave da fita: “A Verdade é a primeira vítima da guerra". E numa referência a “Clerks” (1994), de Kevin Smith, um dos combatentes diz ao outro: “Eu nem deveria estar aqui hoje”, mostrando descontentamento com a obrigação patriótica, não tão romantizada quanto antes.

Há cenas no filme que embrulham o estômago. As atrocidades com os habitantes são mostradas de maneira explícita, e o clima de tensão constante entre os protagonistas, é uma forma de deixá-lo mais dinâmico. Mas quando tínhamos dois terços de tirar o fôlego, de Palma acaba seu filme com fotos verdadeiras de mortos e vítimas da guerra, numa trilha sonora digna de “Globo Repórter”. Num artificio desnecessário que tirou o brilho da fita. E o pequeno deslize a parte, a pertinência da realização lhe rendeu merecidamente o Leão de Prata no último Festival de Veneza. Com Izzy Diaz, Daniel Stewart Sherman, Patrick Carroll, Mike Figueroa e Ty Jones.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-02-08T02:55:00.000-03:00

O GANGSTER - ***
(American Gangster) (EUA) (2007) (157 min.), de Ridley Scott

Quando o mais poderoso traficante de Nova York morre, seu motorista assume os negócios e se torna um verdadeiro gangster americano. Lucas (Denzel Washington), aprendeu todos os segredos do crime com seu falecido chefe, Bumpy Johnson, e com frieza e calculismo, logo dominou o mercado dos narcóticos na cidade. Seu método era simples. Ele comprava direto da fonte, na Tailândia, através de soldados americanos pós-Vietnã, e vendia a cocaína mais pura da região, conseguindo um monopólio maior ainda que das máfias italianas. Em contraponto, havia um policia honesto, Ritchie Roberts (Russel Crowe), que tinha a fama de ser um dos únicos oficiais incorruptos da época, e que faria de tudo para caçar o traficante.

É totalmente plausível esta volta por cima de Ridley Scott. Após o fracasso de “Cruzada” (2005), o medíocre episódio de “Crianças Invisíveis” (2005) e o patético “Um Bom Ano” (2006), o cineasta três vezes indicado ao Oscar de melhor diretor consegue uma proeza – transformar um tema e fórmula batidas em um bom filme. E mais, são duas horas e meia que passam fluentes. De início trivial, a trama ganha fôlego e tem um desfecho no mínimo pulsante. São cerca de 100 personagens com falas e muitas reviravoltas. O que por um lado é vigente, por outro atrapalha na força da fita. Tem sido muito comparado com “Scarface” (1983) e “Serpico” (1973), e embora teja semelhanças com ambos, não chega aos joelhos de nenhum. É vigoroso, mas não brilhante. Baseado em fatos reais.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-02-05T02:05:00.000-03:00

O homem que desafiou o diabo

2007 – Brasil

Dir: Moacyr Góes

Cotação: *

Lançado nos cinemas com a expectativa de levar um grande público às salas, o filme de Moacyr Góes não fez feio nas bilheterias: arrecadou mais de R$ 600 mil reais, o que pode não ser um valor estrondoso, mas é respeitável. Ainda mais considerando-se um fator crucial: o filme é ruim. Partindo da premissa mais do que batida de utilizar a linguagem e o estilo da literatura de cordel para contar as histórias de um herói tipicamente brasileiro (no estilo Macunaímico de anti-herói) no nordeste do país (alguém se lembrou de “O auto da compadecida” ?), Góes não consegue convencer.

No papel do referido “homem que desafiou o diabo”, Marcos Palmeira está mais caricato do que o humanamente possível. Além disso, o roteiro não ajuda em nada. Falas batidas e uma irritante mania de tentar criar bordões divertidos e regionalistas para o personagem são alguns dos motivos para isso. Além, é claro, da falta de propósito da narrativa. O personagem de Marcos Palmeira, Araujo, é um homem casado a contragosto e tratado na coleira pela mulher. Até o dia em que um amigo zomba de sua condição. Misteriosamente, esse simples fato é suficiente para uma revolução instantânea na vida dele, que mudará seu nome para Ojuara e sairá em busca da vida mais descompromissada e aventureira possível.

Com toda a pretensão de ser uma comédia de piadas ágeis e espertas, Góes não acerta a mão. O filme é arrastado, pois os contratempos no caminho de Ojuara não são interessantes ou minimamente relevantes para a trama. O texto é repetitivo, assim como as situações pelas quais o protagonista passa. Todo o roteiro consiste em Ojuara chegando a lugares novos e desafiando os homens mais temidos da região. E cada um dos pequenos episódios independentes da trama terminam com nosso herói deitado ao lado de uma bela mulher. Aliás, elas valem os minutos perdidos ao se ver o filme, acredite (leia-se: Fernanda Paes Leme seminua). São 106 minutos que deveriam constar no dicionário ao lado do verbete “repetitivo”. Parece que vemos a mesma história ser contada várias vezes, tendo alguns personagens e locações alterados.

Entretanto, “O homem que desafiou o Diabo” é um (muito)ligeiro avanço na carreira de Góes, que tem em seu currículo três filmes da Xuxa e dois do Padre Marcelo. Realizado com o amparo das leis brasileiras de incentivo fiscal ao cinema, o filme custou algo em torno de R$ 7,5 milhões de reais. E é sempre bom saber que dinheiro público tenha sido investido em uma causa tão nobre (e que têm total apoio deste que vos escreve). Ou seja: mostrar os peitos da Fernanda Paes Leme.

2008-01-31T01:11:00.001-03:00

Ainda não tinha postado meu Top 10 do ano. Está aqui. Como nos anteriores, eu não sigo uma regra específica como uncluir apenas filmes lançados no ano no Brasil, ou apenas filmes realizados no ano, independente do lançamento no país. Então há filmes de 2006, mas que só vi em 2007. E filmes de 2007, que ainda não foram lançados oficialmente no Brasil, mas tive a oportunidade de assistir. Não há uma lei na escolha dos filmes, mas tento manter o bom senso.

Só um detalhes: em um ano onde quase metade dos filmes que assisti foram nacionais, natural aparecerem três títulos dentre os 10.

###################### RANKING 2007 ######################

1.Santiago - *****
2.Ratatouille - *****
3.Onde Os Fracos Não Tem Vez - ****
4.4 meses, 3 Semanas e 2 Dias - ****
5.Clerks II - ****
6.Viagem a Darjeeling - ****
7.Cartas Pra Iwo Jima - ****
8.Tropa de Elite - ****
9.Crônica de uma Fuga - ****
10.Cão Sem Dono - ****

###################### RANKING 2006 ######################

1.O Novo Mundo - *****
2.King Kong - *****
3.Borat - *****
4.Os Infiltrados - ****
5.Pequena Miss Sunshine - ****
6.Clube da Lua - ****
7.O Segredo de Broackback Montain - ****
8.Tres Enterros - ****
9.Manderley - ****
10.Estamira - ****

###################### RANKING 2005 ######################

1.Antes do Por-do-Sol - *****
2.Edukators - *****
3.Closer - ****
4.Menina de Ouro - ****
5.Diários de Motocicleta - ****
6.Contra Todos - ****
7.Os Incríveis - ****
8.Maria Cheia de Graça - ****
9.Soldado Anonimo - ****
10.Querido Estranho - ****

###################### RANKING 2004 ######################

1.As Invasões Bárbaras - *****
2.Dogville - *****
3.Sobre Meninos e Lobos - ****
4.Elefante - ****
5.Onibus 174 - ****
6.O Segredo de Vera Drake - ****
7.Segunda-feira ao Sol - ****
8.Ninguém Pode Saber - ****
9.Whisky - ****
10.Doutores da Alegria - ****

Respeitosamente,
Graziano.

2008-01-22T22:54:00.001-03:00

O CINEMA DE WOODY ALLEN

O Judeu gago, neurótico, com fortes problemas sexuais, acusado de pedofilia com a própria filha, que casou com suas atrizes favoritas, que ama Nova York, que é fã de Bergman, Marx e Fellini, que adora jazz e que é sem dúvida um dos maiores cineastas da história do cinema. Este são alguns clichês do incansável Woody Allen, que com 72 anos continua num ritmo invejável de um filme por ano. Recentemente assisti todos os títulos do mestre e pensei em fazer um texto sobre. Mas como já tem inúmeros por aí, e como fazer críticas sobre todos os seus filmes, seria absurdamente grande a cansativo, decidi apenas listá-los, avaliá-los e com pequenos comentários em todos eles.

Com seu inédito “Cassandra´s Dream”, Allen compela a marca de 37 longa-metragens, além do segmento dirigido para o filme “Contos de Nova York” (1989). De todos, apenas não vi seu primeiro, “O que é que há, gatinha?” (1966) e dois trabalhos separados para a televisão. Elaborar críticas bem feitas sobre filmes que vi a mais de um ano, seria safadeza, por isso apenas os breves comentários. Mas uma coisa é fato (e consumado) na carreira do cineasta. Mesmo seus filmes mais fracos, muitas vezes são melhores que a maioria do gênero. É um gênio!

(Os resumos de sinopse são retirados do site www.adorocinema.com.br , e acrescidos dos comentários próprios)

2006 - Scoop - O grande furo (Scoop) - **
Uma estudante de jornalismo busca o furo de sua vida, se envolvendo com um aristocrata inglês. Um Woody Allen preguiçoso e pouco inventivo. A trama abobada e protagonizada por sua nova e insatisfatória musa, Scarlet Johansson, salva-se pelas poucas piadas boas, todas proferidas pelo próprio diretor em suas pontas.

2005 - Ponto final- Match point (Match point) - ****
Um ex-jogador de tênis se apaixona pela namorada de seu amigo. Em seu antepenúltimo filme - excelência cinematográfica. Trazendo a tona um assunto que lhe intiga – a sorte, trás uma trama inteligente e com interceptações certeiras (Scarlet Johansson é a mais clichê e única que foge do tom). De final arrebatador, está no seu TOP 10.

2005 - Melinda e Melinda (Melinda and Melinda) - ***
Em um jantar dois escritores discutem as diferenças entre a comédia e a tragédia, criando histórias em cada um dos gêneros com uma mesma protagonista. Allen estuda os gêneros de cinema, sobretudo os que usa – drama e comédia – e prova o quão tênue eles são. Apesar do ritmo lento e situações copiadas de filmes anteriores, a comparação funciona e a mensagem é pitoresca.

2003 - Igual a tudo na vida (Anything else) - **
Um aspirante a escritor se apaixona à primeira vista por uma jovem excêntrica. Mais um capítulo regular de sua carreira. Jasson Biggs como o alter ego de Allen e Christina Ricci, saem-se muito bem em suas atuações, mas encaram um texto prolixo e não tão inspirado. As melhores falas saem da boca do cineasta, em suas poucas aparições.

2002 - Dirigindo no escuro (Hollywood ending) - ****
Um diretor outrora badalado em Hollywood planeja sua volta ao estrelato em seu mais novo projeto. Entretanto, quando está prestes a iniciar as filmagens passa a sofrer de cegueira temporária. Uma deliciosa e hilária brincadeira metalinguística do cineasta. Espécie de “A Noite Americana” Woody Alleeana, carrega muito de sua situação atual. Desmerecido em seu país, tendo que buscar recursos e prestígio na Europa. E quem sabe cada vez mais cego?

2001 - O escorpião de jade (The Curse of the Jade Scorpion) - ***
Em plenos anos 40, um investigador de seguros que se considera o melhor na profissão precisa enfrentar um ladrão que usa poderes hipnóticos. Filme homenagem ao cinema noir, trás Allen de volta à um quase-pastelão e por isso foi muito criticado na época. Também é um de seus trabalhos mais caros, custando 26 milhões de dólares. Na verdade, é uma comédia leve e muito divertida.

2000 - Trapaceiros (Small Time Crooks) - ***
Woody Allen e Tracey Ullman são um casal atrapalhado que planeja assaltar um banco em plena Nova York. Comédia de uma piada só, o filme trás um humor de erros astuto e oportunista. No bom sentido. Ágil como sempre, Allen trás inúmeras reviravoltas para o casal, com destaque para Tracey Ullman, deitando e rolando no papel.

1999 - Poucas e boas (Sweet and Lowdown) - ***
Sean Penn interpreta Emmet Ray, guitarrista de jazz nova-iorquino dos anos 20 e 30. No estilo falso-documentário, onde pessoas falam sobre Emmet Ray ao mesmo tempo que é narrada sua história. Bom filme, criativo, inventivo, com um singular Sean Penn, mas quem rouba a cena é Samantha Morton.

1998 - Celebridades (Celebrity) - ****
Woody Allen brinca com a excitação e o glamour da fama no cinema. Magistral reflexão sobre o meio no qual trabalha, além de emocionante e divertida. Filmada em preto e branco, trás Kenneth Branagh como alter ego de Woody Allen. A recriação foi tão impressionante, que alguns afirma estar melhor que o original.

1997 - Desconstruindo Harry (Deconstructing Harry) - *****
Um escritor arranja muita confusão quando resolve transpôr para seus livros casos pessoais seus e das pessoas que o cercam. Hilária e sublime auto-reflexão, com cenas antológicas que brincam com o humor negro da vida e da arte. É quase um consenso que trata-se de um dos melhores do cineasta. Uma obra-prima!

1996 - Todos dizem eu te amo (Everyone Says I Love You) - ****
Woody Allen homenageia os musicais apresentando as intrigas amorosas de um escritor americano em Paris, sua ex-esposa, sua filha e uma historiadora por quem se apaixona. Filme “olhem eu sou foda até fazendo musical” do cineasta. É bem realizado e ao mesmo tempo, como sempre, descontrai o gênero. Saboreei as belas imagens dançadas, cantadas e faladas.

1995 - Poderosa Afrodite (Mighty Aphrodite) - ****
Oito anos após adotarem um bebê, o pai adotivo resolve por procurar a mãe biológica dele e acaba descobrindo que ela na verdade é uma prostituta linda, cafona e burra. Brilhante comédia. É ao mesmo tempo uma das mais despretensiosas e uma das mais comoventes. Mira Sorvino arrebata no papel de uma prostituta burra espalhafatosa.

1994 - Tiros na Broadway (Bullets Over Broadway) - ***
Em plena década de 20, um jovem autor teatral é forçado a aceitar no elenco de sua nova peça a namorada de um gângster, a fim de conseguir dele patrocínio. Porém, durante os ensaios ele sofre com a falta de talento da suposta atriz e também com o guarda-costas dela, que a todo instante interfere no roteiro. Homenagem aos filmes de gangster, é também uma bem sacada comédia sobre os bastidores da comédia. Apesar de não ser das mais inspiradas, arranca boas risadas.

1993 - Um misterioso assassinato em Manhattan (Manhattan Murder Mystery) - *****
Um casal suspeita da morte de uma vizinha. Uma obra-prima! E pouco vista. É sem dúvidas TOP 5 do diretor e um dos melhores suspenses cômicos da história. Referencia não assumida de Hitchcock, deve ter deixado o homenageado orgulhoso. Parceria inesquecível com sua ex-mulher e musa Diane Keaton, rende momentos inesquecíveis na memória do espectador. Por trás da enrolada trama, há nuances e pequenos comportamentos que deveriam isolados e eternizados. Opa. Mas já são. Genial.

1992 - Maridos e esposas (Husbands and Wives) - ***
Casados há anos, um casal resolve contar a seus melhores amigos que estão se separando, sendo que a revelação e suas consequências acabam também afetando o casamento deles. Filmes símbolo de sua obra, trás na premissa que ninguém é de ninguém, e até que provem o contrário. O assunto rendeu melhores fitas, mas é aqui que fica emblemática. Assumidamente inspirado no relacionamento entre Allen e Mia Farrow, protagonista do filme e uma das musas do cineasta.

1992 - Neblina e sombras (Shadows and Fog) - ***
Tímido funcionário que se almeja uma promoção é procurado por cidadãos que pedem ajuda para encontrar estrangulador que aterroriza a cidade. Mais uma homenagem aos filmes de suspense, é absurda e inteligente, mas longe das melhores fitas da carreira.

1990 - Simplesmente Alice (Alice) - *
Narra a história de Alice Tate, que sente um grande vazio em sua vida e decide procurar um médico chinês que, com seu tratamento a base de ervas mágicas, a leva a uma jornada de auto-conhecimento. De longe piro filme de toda sua carreira. É um erro. Chato, bobo e monótono, agrega pretensões maiores que o resultado final. Raro ponto negativo.

1989 - Crimes e pecados (Crimes and Misdemeanors) - ***
O diretor Woody Allen (Bananas) traz em duas histórias paralelas a vida de um oftalmologista bem-sucedido e de um cineasta fracassado. De certa forma indulgente, não é o mais honesto do comediante, mas possui ótimas passagens.

1989 - Contos de Nova York (New York Stories) (3º Conto) - ****
Na terceira estória, "Édipo Arrasado" (Oedipus Wrecks), dirigida por Woody Allen, Sheldon Mills (Woody Allen) é um advogado que não consegue se libertar da mãe dominadora. Allen salva o projeto do regular e trás o melhor dos três segmentos numa nonsense cômica absurda. Difícil é segurar as risadas.

1988 - A outra (Another Woman) - ***
Uma professora de filosofia aluga um quarto para poder escrever seu novo livro. Porém, no apartamento ao lado trabalha um psicanalista e ela passa a escutar as confidências de seus pacientes através da parede. Sem Allen no elenco, e Mia Farrow estrelando, o filme é um instigante retrato da psique humana. É também, um dos favoritos do cineasta dentre seus fãs.

1987 - Setembro (September) - ***
Um cineasta famoso (Woody Allen) homenageando outro cineasta famoso (Ingmar Bergman), misturando inspirações mútuas (Tchecov) com suas preferências temáticas particulares (escândalos hollywoodianos). Melancólico e pouco humorado, não é um filme para sorrir. Mas as ironias transpõem certo otimismo.

1987 - A Era do Rádio (Radio Days) - ****
Woody Allen apresenta as lembranças de um garoto e sua família judia em plena década de 40, sempre pontuadas pela presença constante do rádio. Altamente autobiográfico, é além de contagiante, uma belíssima produção. Uma das mais requintadas de Allen, com fotografia de Carlo Di Palma e Direção de Arte de Speed Hopkins de encher os olhos.

1986 - Hannah e suas irmãs (Hannah and her Sisters) - ***
A amizade e o relacionamento de três irmãs vivendo em Nova York, seus conflitos amorosos e existenciais no meio de um grupo de amigos e parentes não muito homogêneo. Favorito de muitos dos fãs e queridinho do próprio autor, é um dos mais chatos da carreira, mas possui cenas históricas. Religião e família é o argumento único.

1985 - A rosa púrpura do Cairo (The Purple Rose of Cairo) - ****
Uma garçonete que costuma fugir da realidade no cinema, assistindo sessões seguidas de seus filmes prediletos, tem uma grande surpresa quando vê o herói de um dos filmes sair da tela e lhe oferecer uma nova vida. Declarado filme favorito do cineasta, dentre os que fez. Por um motivo simples – seu argumento resume a carreira de Allen - “A arte é muito mais interessante que a vida”. Um dos melhores filmes metalinguísticos já feitos.

1984 - Broadway Danny Rose (Broadway Danny Rose) - ***
Danny Rose é um empresário artístico mal-sucedido que vê a chance de melhorar sua carreira, agenciando o problemático cantor Lou Canova. Despretensiosa ao máximo, garante boas risadas. Comédia de erros.

1983 - Zelig (Zelig) - ****
Um pseudo-documentário sobre a vida de Leonard Zelig (Woody Allen), o homem-camaleão, que tinha o dom de modificar a aparência para agradar as outras pessoas. Tachado por seus fãs mais radicais – os saudosistas do início da carreira, como sua maior obra-prima. Extremista ou não, o longa é uma brilhante sátira política e ainda carrega aquele Allen assaz com âmago total.

1982 - Sonhos eróticos numa noite de verão (A Midsummer Night's Sex Comedy) - **
Três casais se reúnem em uma casa de campo, onde debatem sexo e amor e permitem que seus sentimentos venham à tona. Alguns vão me chingar pelas duas estrelas, mas esta fita é uma das mais chatas do mestre. Homenagem póstuma a Bergman, agrega até diálogos interessantes, mas peca pela maioria insossa.

1980 - Memórias (Stardust Memories) - ***
Um diretor de sucesso vai até um hotel para participar de um seminário. Durante o final de semana em que este evento ocorre, ele reconsidera sua filmografia e também seus relacionamentos do passado. Homenagem não assumida a Fellini, é pessoal até demais. Dentre boas passagens, se dá melhor quando não se leva muito a sério.

1979 - Manhattan (Manhattan) - *****
Um escritor de meia-idade se vê às voltas com uma relação amorosa com garota de 17 anos e ainda com um livro que sua ex-esposa deseja lançar e que conta detalhes íntimos de seu relacionamento com ela. Homenagem em preto e branco a Manhattan, é uma das obras-primas do diretor. Dispensa maiores comentário, mas é incrível como Allen estava a frente de seu tempo (e com muito bom humor).

1978 - Interiores (Interiors) - ****
A aparente rotina de tranqüilidade de uma família burguesa de Manhattan é abalada quando o pai decide abandonar a casa para viver com outra mulher. Um dos melhores filmes a lá Bergman, que não foram feitos por Bergman. Acusado de plágio ao estilo do ídolo, Allem ignora invejosos e profere o mais visceral retrato familiar de seus filmes. Mas claro, é sua pitada autoral do estilo Bergman. Faz parte da tríplice de ouro do cineasta, formada por “Noivo Neurótico, Noiva Nervosa”, “Interiores” e “Manhattan”, quando foi indicado tres vezes seguida ao Oscar de melhor diretor.

1977 - Noivo neurótico, noiva nervosa (Annie Hall) - *****
Alvy Singer (Woody Allen), um humorista judeu e divorciado que faz análise há quinze anos, acaba se apaixonando por Annie Hall (Diane Keaton), uma cantora em início de carreira com uma cabeça um pouco complicada. Em um curto espaço de tempo eles estão morando juntos, mas depois de um certo período crises conjugais começam a se fazer sentir entre os dois. Indiscutivelmente a grande obra-prima de Woody Allen. Ganhou quatro das cinco principais estatuetas do Oscar. Foi sucesso de público e permanece na história. É influência para muita gente e referencia também. O título original é na verdade o apelido (nome abreviado) de Diane keaton, mulher de Allen na época e cujo relacionamento serviu de combustível para o roteiro. Possui, no mínimo, umas das cenas mais famosas da história do cinema.

1975 - A última noite de Boris Grushenko (Love and Death) - *
Às vésperas de ser executado pelos franceses, um russo recorda os fatos de sua vida desde quando era criança. Perto do que Allen faria depois, o filme é decepcionante. Teatral ao extremo, possui trama fugaz. Um Allen que não convence.

1973 - O dorminhoco (Sleeper) - ****
Um saxofonista congelado em 1973 é trazido de volta à vida 200 anos depois por um grupo contrário ao poder vigente, que deseja derrubar os governantes locais. Magistral brincadeira fílmica de Allen. Com recursos de produção aquém do necessário, o cineasta usa a criatividade e a auto depreciação para suprir o requinte. O resultado é uma hilária, e bota hilária nisso, sátira aos filmes de ficção científica, e também uma leve crítica a sociedade moderna. Há curiosidades impagáveis relacionadas. Joel Schumacher, cineasta americano, foi o figurinista. E a fita foi refilmada com o título de “O Demolidor” (1993) (aquele filme de “Cinema em Casa”, com Sylvester Stallone, Wesley Snipes e Sandra Bullok.

1972 - Tudo o que você sempre quis saber sobre sexo mas tinha medo de perguntar (Everything You Always Wanted to Know About Sex But Were Afraid to Ask) - ***
Em sete segmentos, Allen brinca com diversos aspectos lúdicos do sexo; do cinto de castidade até comparar o funcionamento do corpo humano com uma fábrica. Lúdico e absurdamente nonsense, Allen provoca gargalhadas de quem tiver disposto a entrar em suas brincadeira. Ousada para a época, perdeu fôlego com o tempo, mas merece seu prestígio.

1971 - Bananas (Bananas) - ***
Apaixonado por uma ativista política, um homem decide partir para uma república na América Central e lá se juntar aos rebeldes locais, apenas para provar a ela sua capacidade de liderança. Ao chegar lá, as mais incríveis reviravoltas farão com que eles se encontrem mais uma vez, tempos depois. Um dos mais cômicos e exagerados do diretor, “Bananas” é uma sátira aos regimes revolucionário em geral. Sua persona caricata de Fidel castro é impagável.

1969 - Um assaltante bem trapalhão (Take the Money and Run) - ****
Estréia de Woody Allen na direção solo de longas-metragens. Falso documentário sobre a vida do ladrão de bancos Virgil Starkwell, desde sua infância, sua frustração na música, sua relação com as mulheres, até sua prisão. Sátira aos filmes de assalto e roubo, é a porta de entrada na carreira de Allen. Garanto uma coisa. Após assistir “Um Assaltante bem trapalhão”, você achará metade das comédias do gênero posteriores sem graça. É pouco visto, mas muito copiado.

Uma das cenas mais famosas da história do cinema, no filme "Annie Hall".

Respeitosamente,
Bruno Graziano.

2008-01-21T01:50:00.000-03:00

ONDE OS FRACOS NÃO TEM VEZ - ****
(No Country for Old Men) (EUA) (2007) (122 min.), de Ethan e Joel Coen

Um caçador aposentado, Llewelyn Moss (Josh Brolin), vê algo suspeito no deserto, e ao verificar encontra um traficante de drogas a beira da morte, sendo que junto dele, há uma valise carregada de dinheiro. Ingênuo, leva a valise consigo, mas já prevendo que alguém provavelmente irá atrás dele. O que não esperava era que fosse o psicótico Anton Chigurh (Javier Barmem), um “imortal” assassino que não medirá forças para resgatar o montante. Ainda haverá o toque do xerife local, Ed Tom Bell (Tommy lee Jones), numa tentativa de mediar a perseguição. E numa caçada sanguinária, os fracos não terão vez.

É curiosa a participação de Tommy Lee Jones no elenco. Ele que ano retrasado dirigiu o também western moderno “Três Enterros” (2006), no qual trás muita coisa em comum com “Onde os Fracos não Tem Vez” - sobretudo o refinamento e a indulgência de suas tramas. Enquanto o longa de Lee Jones desconstrói o herói num quase-vilão, a fita dos Irmãos Coen potencializa o vilão num inescrupuloso e maquiavélico homem frio e sanguinário. Javier Barmem deita e rola no papel e entra, no mínimo, no hall dos maiores vilões da década. Prova também estar entre os mais versáteis atores da atualidade.

Queridinha da crítica no ano, a fita vem arrebatando prêmios por onde passa. Dificilmente, porém, levará a estatueta de melhor filme no Oscar. Uma pena. Pois se mostra muito mais autêntica e primordial que as concorrentes. De certo apenas, é o exito dos cineastas na inversão de clichês e na estupefata decupagem de enquadramentos e movimentos de câmera, numa resultante mesclando muito suspense e humor negro. Com potencial para chegar também ao grande público, o filme deve fazer história. Agora se é a melhor fita dos Coen ou não, só o tempo dirá. Com Woody Harrelson, Kelly Macdonald e Josh Brolin.

Trailer do Filme.

Respeitosamente,
Bruno Graziano.